Tuesday, June 30, 2015

Jean Michel Basquiat: "Downtown 81". El clásico film independiente neoyorquino cumple 30 años con nueva remasterización digital y DVD de colección.

Por
Javier Mitchell
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Un artista (Jean Michel Basquiat) se despierta en un hospital en el momento en que es dado de alta. Al regresar a su apartamento el dueño del mismo no le permite entrar hasta que no le pague el alquiler atrasado. Logra que le deje sacar una de sus pinturas y parte por la ciudad de New York en una travesía de 24 hs tratando de venderla y obtener el dinero necesario para recuperar su apartamento. En este recorrido se encontrará con una ecléctica fauna urbana que aportará lo propio en esta búsqueda de dinero fresco a cambio de arte.

“Downtown 81” es un film que estuvo olvidado por mucho tiempo y que se rescató veinte años después de su realización para restaurarla. Una especie de fábula semidocumental sobre la vida de uno de los artistas visuales más influyentes en el arte contemporáneo: Jean Michel Basquiat aka Samo. Este mes, este clásico del cine independiente neoyorkino cumple 30 años, y por tal motivo Music Box Films lo celebra lanzando al mercado americano la versión restaurada y remasterizada digitalmente de “Downtown 81”, en una edición de colección y con gran cantidad de material extra.

Aunque sólo vivió 28 años, Jean Michel Basquiat (1960-1988) pintó y dibujó cientos de cuadros y dejó una gran cantidad de graffitis en las calles de New York. El documental es un homenaje a esa New York de los ‘80s que vivía momentos de efervescente creatividad artística. En el film vemos a Basquiat recorrer las calle, hacer grafittis y pintar mientras escuchamos una excepcional banda sonora con música propia del momento que va desde los Kid Creole and the Coconuts, DNA, Suicide y la “new wave” de los japoneses The Plastics.

Dirigida por Edo Bertoglio y producida por por Maripol, el film fue rebautizado “Downtown 81” en el año 2000, nombre dado por el crítico de la revista “Interview” (de Andy Warhol) Glenn O'Brien, quien fue uno de los primeros que promocionó en su programa avant-garde “TV Party” a un Basquiat aún semi-desconocido que se refugiaba tras el pseudónimo "SAMO" (con el que firmaba los poéticos graffitis que inundaban el Lower East Side de Manhattan a finales de los ‘70s).

Cuando Basquiat rompe con Al Díaz (el artista con quien realizaba graffitis por la ciudad) abandona este tipo de manifestación artística. A partir de ese momento por todas partes de la ciudad aparece el graffiti “SAMO is dead” (SAMO ha muerto). De aquellos graffitis apenas quedan fotografías, Basquiat los reprodujo después (1980) para esta película “Downtown 81”. A partir de este momento Basquiat cambia los muros por lienzos. La producción de Basquiat hasta su muerte en 1988 es frenética. Realiza exposiciones en Los Angeles, New York, Módena, Roterdam, Tokio, Edimburgo, Londres, Costa de Marfil, Hannover, París y Düsseldof. En nueve años pinta más de 1000 cuadros y más de 2000 dibujos. Sólo en el año 82 es capaz de realizar más de 300 cuadros. Pero toda esta actividad febril tiene que ver con el ambiente del mercado del arte imperante que lo rodea. El arte de Basquiat, su obra y su desarrollo es paradigmático del arte de la década de los ‘80s. El arte alcanza precios inimaginables. Las leyes que lo rigen son puramente económicas.

Se pone de moda comprar obras de arte. El arte se convierte en objeto de inversión similar a las acciones. Comprar obras de artistas vivos resulta más barato y se revalorizan pronto. Se establecen incluso listas de espera, los artistas empiezan a producir según las leyes de la oferta y la demanda. Aparece un nuevo tipo de galerista. Su función ya no es hacer negocios en la sombra y apoyar corrientes artísticas. El galerista se convierte en la estrella que marca a través de su política de precios la dirección de la historia del arte contemporáneo. Y esto ha continuado hasta nuestros días. La galerista Mary Boone, representante durante dos años de Basquiat, recibeen ese momento amplia cobertura de los medios de comunicación sobre su galería y su persona. Es la primera que establece las listas de espera.

Basquiat nunca tuvo el control de la comercialización de su arte. La galeria no sólo vendió su obra, sino también la persona de Basquiat, que alcanzó una fama superlativa y alcanzando precios de estrella internacional de la pintura. El 12 de agosto de 1988, a los 28 años, muere en su apartamento de Nueva York de una sobredosis de cocktail de drogas.

“Downtown 81” es una especie de fábula urbana del mundillo del arte plástico. Pero es a su vez un gran fresco de la ciudad de New York en los años ‘80s y su costado “underground”. Es un viaje de ida por sus calles, sus antros, su música, la creatividad y la droga como parte del proceso creativo. Basquiat en el protagónico es (aunque prácticamente se interprete a sí mismo) absolutamente creíble y despierta una complicidad total con el espectador. “Downtown 81” es como un documental ficcionado, una especie de “Alicia en el país de las maravillas” del mundo del arte. Con una música estupenda e interpretaciones en vivo de bandas “under” apoteóticas. “Downtown 81” es un film absolutamente imprescindible para cualquier amante del arte, especialmente aquellos interesados en la pintura y la música contemporánea. Una joyita rescatada de las oscuras bóvedas del olvido ahora al alcance de todos via VOD (Video On Demand) gracias a nuestros amigos de Music Box Films. Además, la presente edición viene cargada de extras:
  • Comentario de audio a cargo de los productores Maripol y Glenn O’Brien
  • Nuevas entrevistas con Fab Five Freddy, Maripol y Glenn O’Brien.
  • Material de archivo y episodio de “Glenn O’Brien’s TV Party" de 1980.
  • Nueva Galería de Fotos
  • Booklet de colección de 32 páginas







CALIFICACION:  BUENO +  



  • Título: “Downtown 81”
  • Género: Documental ficcionado
  • Duración: 72 minutos
  • Distribuidor: Music Box Films
  • Fecha de Lanzamiento: 30 de Julio, 2015





Monday, June 29, 2015

"Carla's Song": Ken Loach y su mirada fílmica sobre Nicaragua y el conflicto sandinista. Blu-ray Review

Por
Javier Mitchell
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La dignidad de un pueblo frente al poder del capitalismo y la destrucción de la revolución sandinista en una guerra patrocinada por Estados Unidos centra la atención crítica del director de cine Ken Loach. En su filme “Carla’s Song” (“La Canción de Carla”), el cineasta británico advierte: "En Nicaragua no hubo guerra civil, sino una guerra de intervención". Ken Loach, el gran representante del cine social británico desde los años setenta, prolongador del "Free Cinema", continúa expandiendo las fronteras de su cine social internacionalizándolo desde una óptica inglesa y militante socialista, sin engañar a nadie.

Twilight Time lanza al mercado americano la edición limitada (sólo 3.000 copias) de “Carla’s Song”, film del año 1996 dirigido por un director atípico en el mundo cinematográfico. Loach trabaja al margen de las grandes productoras, de hecho tiene la suya propia, Parallax Pictures, que produce sus películas sin ningún afán de lucro, ya que reinvierte sus beneficios en nuevos proyectos. Podríamos definir su obra como un cine de denuncia social e independiente, que se centra en diferentes problemáticas que afectan siempre a las clases más desfavorecidas (el paro, la precariedad laboral, los servicios sociales británicos, las consecuencias del thatcherismo sobre la clase obrera británica etc.).

Su filmografía inicial se sitúa en Gran Bretaña, aunque a partir de los años noventa comienza a rodar películas que se desarrollan fuera de su país de origen, pero con temáticas similares o de carácter socio-político como “Tierra y Libertad”, sobre la guerra civil española, la que hoy nos ocupa, “La Canción de Carla” sobre la agresión norteamericana a la Nicaragua sandinista y “Pan y Rosas” sobre la explotación a los inmigrantes en EE.UU., principalmente hispanos. Por tanto, podríamos señalar que el cine de Loach es un cine despertador de conciencias, solidario didáctico y responsable.

En “Carla’s Song” (“La Canción de Carla”), ambientada en los años ‘80s, George, un sencillo conductor de autobús inglés, conoce a Carla, una joven nicaragüense, cuando se sube en su vehículo sin pagar el billete. Con naturalidad entablan una relación primero de amistad y luego amorosa. Junto a la cautela de Carla por ocultar su pasado George detecta mucho dolor: la huida de su país oculta algún secreto que le debe ayudar a afrontar. De modo que ambos viajan a la Nicaragua sandinista. Y George descubre los horrores de la guerra: atentados y ataques sorpresa de la contra, implicación de la CIA que alimenta el conflicto por turbios intereses. El lado positivo de su experiencia surge con el trato con los campesinos, personas sencillas y solidarias y las campañas de alfabetización promovidas por el sandinismo.

Explica Loach: "George es un conductor escocés, sin inquietudes políticas, que no sabe nada de la historia de Centroamérica. Carla está traumatizada por sus experiencias de la guerra, pero encontrará en su nuevo campañero la fuerza necesaria para regresar a su país". Corre el año 1987 y, en Nicaragua, la contraguerrilla prepara su última y brutal ofensiva contra el Gobierno sandinista. El retorno de Carla es penoso pero necesario porque, como dice el realizador, "para descubrir tu identidad, debes aceptar tu pasado".

“Carla’s Song” no se limita a mostrarnos la problemática de unos pocos personajes, Loach va más allá de esta intención, pues trata de mostrarnos el porqué determinadas personas o pueblos viven o malviven. Loach es valiente señalando a los responsables de estas situaciones, no rehuye la polémica con quienes lo acusan de ser excesivamente subjetivo en sus planteamientos temáticos. Ken Loach es un cineasta político. Es un director que se implica de lleno en la temática que aborda y además no es un director que mantenga la equidistancia, sino más bien, toma partido por los más desfavorecidos. Todas sus películas tratan temas sociales conflictivos que reflejan, de modo casi inequívoco, su ideología de izquierda. El director posee un particular talento para narrar crónicas a las que confiere verismo gracias a un tono documental que se ha convertido en su marca de fábrica.

“Carla’s Song” es coherente con todo el cine de Loach, quien desea que los espectadores capten la esencia de las historias que cuenta y que tomen conciencia de la realidad que les rodea. Es, por lo tanto, un cine con una función social muy clara. Aunque el complejo conflicto centroamericano se simplifica para facilitar su comprensión para el extranjero, Loach no pierde nunca la cara al realismo, la verosimilitud y el respeto hacia la dura verdad gracias a una historia que combina con suma eficacia emoción, didactismo y cruda denuncia.

CALIDAD DE VIDEO:




  • Resolución de Video:  1080p / 60
  • Codificación de Video: AVC / MPEG-4
  • Aspect Ratio: 1.66:1

La calidad de transferencia de imagen en la presente edición en blu-ray de Twilight Time es muy buena, conservando la textura original del celuloide pero resaltando excelentemente la imagen. La cinematografía de Barry Acroyd luce estupenda, con profusidad de detalles y brindando una excelente paleta de colores. Los colores y el balance de negros son plenos. Philip H. Lathrop es el responsable de la cinematografía de films como “Captain Phillips” (2013) y “The Hurt Locker” (2008), entre otros.

CALIDAD DE AUDIO:




  • Codificación de Audio: English DTS-HD Master Audio 2.0
  • Idioma: Inglés
  • Subtítulos: No

La transferencia de audio es muy buena y ha sido remasterizada a un canal DTS-HD Master Audio 2.0. Se escucha muy bien, es sólida tanto los diálogos como la música y efectos especiales de sonido. No obstante, el cerrado slang británico hace difícil la comprensión de los diálogos y subtítulos en inglés hubieran sido necesarios en esta presentación. La música en este film está compuesta por George Fenton, cinco veces nominado al premio Oscar de la Academia de Hollywood y autor de las bandas de sonido de films como “Ghandi” (1982), Interview With The Vampire” (1994), “Dangerous Liaisons” (1988) y “Anna And The King” (1999), entre otros.


EXTRAS:




  • Comentario de Audio: a cargo del director Ken Loach y Paul Laverty.
  • Banda Sonora del Film, presentada en DTS-HD Master Audio 2.0 estéreo.
  • Escenas borradas
  • Trailer
  • Booklet de seis páginas con fotos y notas sobre el film, escritas por Julie Kirgo


CALIFICACION: BUENO +  

Puedes adquirir este blu-ray en www.screenarchives.com


  • Título: “Carla’s Song” (1996, Limited Edition)
  • Género: Drama
  • Duración: 127 minutos
  • Distribuidor: Twilight Time
  • Blu-ray SRP: $29.95
  • Fecha de Lanzamiento: Mayo 12, 2015





Friday, June 26, 2015

"Mississippi Burning". Racismo: un tema candente y actual en el recordado film de Alan Parker. Blu-ray Review

Por
Javier Mitchell
Trailer
En 1964 en el pequeño pueblo de Jessup del estado sureño de Mississippi en los Estados Unidos, desaparecen tres activistas por los derechos civiles que luchan por los derechos de igualdad. Dos de ellos son de raza blanca y uno es un afroamericano. El FBI encarga a dos agentes que investiguen el caso. Uno de ellos es Rupert Ward (Willem Dafoe), que procede del norte y es liberal, y el segundo es Alan Anderson (Gene Hackman), ex sheriff de un pueblo de Mississippi, un hombre cínico que conoce la sociedad sureña. Cada uno de ellos tiene su propia idea de cómo solucionar este asunto, y juntos chocan contra un muro de silencio y de prejuicios raciales por parte de la población local y algunos miembros del Ku Klux Klan. Esta película está basada en un hecho real sobre la desaparición de tres jóvenes activistas durante una manifestación en Mississippi. Cuando sus cuerpos son finalmente encontrados resultan un testimonio irrefutable contra las autoridades policiales, una de las cuales pertenece al siniestro Ku Klux Klan. Pero el principal implicado tiene una coartada basada en la palabra de su esposa, quien, atemorizada, afirma que precisamente en el momento de cometerse los asesinatos su marido estaba con ella.

Twilight Time presenta en el mercado americano la edición limitada (sólo 3.000 copias) en formato blu-ray de “Mississippi Burning”, película estadounidense  de 1988, dirigida por Alan Parker. El film está protagonizado por Gene Hackman, Willem Dafoe, Frances McDormand, Brad Dourif, Michael Rooker, Stephen Tobolowsky, Gailard Sartain. Nominada a seis premios Oscar® de la Academia de Hollywood 1989, se llevó sólo una estatuilla, a la Mejor Fotografía.
También ganadora del premio BAFTA a la Mejor Fotografía, a la Mejor Edición y al Mejor Sonido. Ganadora del premio Oso de Plata del Festival Internacional de Cine de Berlín al Mejor Actor (Gene Hackman).

Alan Parker (“Midnight Express”, 1978; “Fame”, 1980; “Pink Floyd’s The Wall”, de 1982; “Birdy”, 1984; “Angel Heart”, de 1987; “Evita”, 1996, entre muchos otros) logra plasmar con acierto una historia verídica que sirve como reflejo y denuncia de la realidad más dura e intolerante de la sociedad norteamericana, tristemente representada en los diversos crímenes de índole racistas ocurridos en 1964 en el estado sureño de Mississippi.

“Mississippi Burning” está también apuntalada por un sólido guión escrito por Chris Gerolmo (“Citizen X”, 1995), que dosifica la información que maneja alrededor de su trama, logrando que el ritmo no decaiga en el transcurso de una larga investigación que nos mantiene expectantes hasta su desenlace, a través de escenas y diálogos excelentes a cargo de su magnífico reparto. Pero la magia de la película está dada también por la química especial que existe entre el trío protagonista, empezando por Gene Hackman y Willem Dafoe que interpretan a los dos agentes del FBI de métodos antagónicos pero obligados a entenderse, y que se ven secundados por una notable actuación de Frances McDormand con un papel corto pero relevante.

La película está inspirada en el asesinato de los activistas por los derechos de voto J.E Chaney, Schwerner Mickey y Andrew Goodman y fue muy polémica al momento de su estreno, ya que a pesar de contener aspectos ficticios, se basa claramente en un caso real, por lo que mucha gente sentía que muchos hechos se distorsionaban o eran omitidos. Como dato de color (perdonando el término, en este caso) muchos de los extras que participan en la escena del discurso de Clayton Townley eran miembros reales de la Ku Klux Klan y usaron sus tarjetas de membresía del clan como identificación.


“Mississippi Burning” es una película de imágenes inolvidables e impactantes. Así como de diálogos para analizar una y otra vez. Con una primera escena que resume perfectamente cuál a ser el tema principal del film: dos bebederos de agua y dos carteles: “White” (“Blancos”) y “Colored” (“Negros” o “De Color”, como se los refería). Un film perfectamente encuadrado en una excelente ambientación y resaltado por su premiada fotografía que logra captar el aspecto más sórdido de las personas y de las tierras sureñas americanas. Una muestra fiel de una sociedad decadente, anclada en el pasado y marcada por el odio, el miedo y la sin razón que aún hoy perdura en muchas ciudades norteamericanas, sólo basta leer los titulares de los diarios últimamente. El racismo, un tema de candente actualidad.

CALIDAD DE VIDEO:




  • Resolución de Video:  1080p / 60
  • Codificación de Video: AVC / MPEG-4
  • Aspect Ratio: 1.85:1
  • Zona: 0 (Todas)

La calidad de transferencia de imagen en la presente edición en blu-ray de Twilight Time es excelente. Carece de impurezas o rayas propias de este tipo de material con varias décadas de antigüedad. La espectacular cinematografía de Peter Biziou, ganadora del Oscar®, luce en todo su esplendor y permite resaltar cada detalle de los protagonistas así como también los detalles de las locaciones y los interiores. Los colores están captados a la perfección, con perfecto balance de negros. Peter Biziou es además el responsable de la cinematografía de films como “In The Name Of The Father” (1993), “Life Of Brian” (1979), “The Truman Show” (1998), “9 ½ Weeks” (1989), “Pink Floyd’s The Wall” (1982) y “Another Country” (1984, entre otras.

CALIDAD DE AUDIO:




  • Codificación de Audio: DTS-HD Master Audio 2.0
  • Idioma: Inglés
  • Subtítulos: Inglés

La transferencia de audio es cuidada y se escucha muy bien a través del canal DTS-HD Master Audio 2.0. Los diálogos son claros, los efectos de sonido precisos y la excelente música compuesta por Trevor Jones no sólo acompaña la historia sino que otorga el clima justo a las escenas de interiores como adrenalina a las escenas exteriores. Es un acierto por parte de Twilight Time incluirla en un track separado dentro de los extras de esta edición en blu-ray, ya que ella sola justifica la tenencia del mismo. Trevor Jones compuso además las bandas de sonido de films como “In The Name Of The Father” (1993), “From Hell” (2001), “Dark City” (1998), “Notting Hill” (1999) y “The League of Extraordinary Gentlemen” (2003), entre otros.

EXTRAS:




  • Comentario de Audio: a cargo del director Alan Parker.
  • Banda Sonora del Film, compuesta por Trevor Jones, en track separado, DTS-HD Master Audio 2.0
  • Trailer (SD; 1:34)
  • MGM 90th Anniversary Trailer (HD; 2:06)
  • Booklet con notas sobre el film, escritas por Julie Kirgo



CALIFICACION: MUY BUENO  

Puedes adquirir este blu-ray en www.screenarchives.com


  • Título: “Mississippi Burning” (1988, Limited Edition)
  • Género: Drama
  • Duración:  127 minutos
  • Distribuidor: Twilight Time
  • Blu-ray SRP: $29.95
  • Fecha de Lanzamiento: Mayo 12, 2015