"Zelig": Un falso documental acerca de unpersonaje camaleónico. Blu-ray Review

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Javier Mitchell

Trailer

Twilight Time acaba de lanzar al mercado americano la edición limitada (sólo 3.000 copias) en formato blu-ray del film de Woody Allen del año 1983 “Zelig”. Se trata del primer (o al menos el primero realmente famoso y de éxito) film del género de “mockumentary”, falso documental, mezcla de ficción y documental que tomó a las audiencias por sorpresa. Hoy en día hay muchos ejemplos de este género, pero al momento del estreno de esta película fue un verdadero suceso. Está protagonizado por Woody Allen, Mia Farrow, Gale Hansen, Stephanie Farrow, Garrett Brown, Mary Louise Wilson, Sol Lomita, John Rothman y Susan Sontag.

La historia se desarrolla a finales de la década de 1920 cuando un extraño hombre empieza a llamar la atención pública debido a sus repetidas apariciones en diferentes lugares con diferentes aspectos. Este hombre, Leonard Zelig (Woody Allen), tiene la capacidad sobrenatural de cambiar su apariencia adaptándose al medio en el que se desenvuelve, por lo que es conocido como el hombre camaleón. A partir de estos datos se empieza a narrar su historia, incluyendo testimonios y presentación de los hechos, a manera de documental, con diferentes testigos de los acontecimientos. Entre ellos, el de la psicoanalista Eudora Fletcher (Mia Farrow), una mujer persistente y  ambiciosa que busca analizar el estado mental de Zelig no sólo por su vocación, sino también para lograr su propio reconocimiento. La Doctora Fletcher llega a descubrir en Zelig un extremo caso de inseguridad que lleva a éste a camuflarse entre las personas, adaptando su apariencia para poder ser aceptado (cuando se mezcla con personas judías le crece barba, cuando se mezcla con personas negras su piel y hasta su tono de voz cambian). A partir de ahí, la relación entre Zelig y Eudora se hace más especial hasta llegar a entablarse un romance entre ellos, a medida que Zelig hace progresos en su recuperación.

Hay efectos especiales destacados en el film, que se realizó antes de la era digital (donde este tipo de cosas ahora es juego de niños). Pero a principios de los ‘80s, encajar la imagen de Woody Allen en fotos históricas y filmaciones junto a destacados personajes de la escena mundial (Hitler, John F. Kennedy, Papa Pio XI, Josephine Baker, Al Capone, Marion Davies, Herbert Hoover, Scott Fitzgerald y John Lenon, entre otros), era algo que fue objeto de comentarios y admiración por la audiencia. Esto luego lo veríamos repetido en films como "Forrest Gump" (1994). Incluso, para lograr una imagen sucia que se viera como las películas antiguas, los técnicos pisotearon las cintas y las ensuciaron, logrando el efecto requerido. El tratamiento visual otorgado es admirable, con una gran fotografía en blanco y negro de Gordon Willis que sirve para recrear a la perfección los ambientes y personajes de finales de la década de los años ‘20 y comienzos de los ’30.

Allen realiza un sobrio ejercicio de la sátira parodiando la sociedad norteamericana con el usual humor negro que lo caracteriza. Leonard Zelig que tiene la increíble capacidad de metamorfosearse en otro ser humano y Woody Allen también es un poco Zelig. En su momento se cambió el nombre porque el suyo no le parecía lo suficientemente bueno, se compró sus emblemáticas gafas porque su rostro no le parecía lo suficientemente llamativo, subió a los escenarios para hacer sus monólogos cómicos a la fuerza, empujado por Jack Rollins y Charles H. Joffe, que empezaron como sus representantes y terminaron como sus productores y ha dicho varias veces que preferiría ser un solista de jazz. Pero su mayor transformación es la que realiza con cada nuevo proyecto. Woody Allen dice que filma sin descanso para no tener que lidiar con su miseria existencial, para no repetirse todo el día que la vida no tiene sentido.

En “Zelig” Allen analiza el pensamiento de las masas y lo contrasta con el individualismo como finalidad del capitalismo. Zeling es una persona sin individualidad que termina funcionando en una sociedad que vive de las apariencias. Es interesante la forma en que presenta la historia: permite situarla muy correctamente con el recurso de falso documental, con una voz en off y testimonios de los supuestos involucrados, con imágenes deterioradas que nos remontan a los años 20 primero y luego a los orígenes del nazismo. Esto le permite explorar y jugar con la estética del cine mudo y del cine clásico, períodos que el director ama profundamente. El film mezcla además muchos de los elementos recurrentes de la filmografía de Allen, sus obsesiones, la sexualidad, la identidad, algo de jazz y el análisis psicológico de sus personajes. “Zelig” es, a treinta y tres años de su estreno, un film que no ha perdido vigencia y que se disfruta minuto a minuto. Es una sátira sociocultural que confronta la necesidad de encajar en la sociedad a través del autodesprecio y la renuncia a la entidad individual.

CALIDAD DE VIDEO:

• Resolución de Video:  1080p
• Codificación de Video:  AVC / MPEG-4
• Aspect Ratio: 1.85:1

La calidad de transferencia de imagen en la presente edición en blu-ray de Twilight Time es muy buena. Se observa la granosidad original del celuloide y reproduce con fidelidad y exactitud la perfecta cinematografía en blanco y negro de Gordon Willis. responsable de inolvidables films como la saga “The Godfather” (1972, 1974, 1990), “Anny Hall” (1977), “Broadway Danny Rose” (1984, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2014/05/broadway-danny-rose-blu-ray-review.html), “The Purple Rose of Cairo” (1985, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2015/02/the-purple-rose-of-cairo-blu-ray-review.html) y “Klute” (1971), entre otras. La  transferencia de esta edición en blu-ray permite disfrutar de cada pequeño detalle tanto de los interiores, escenografía y vestuario como así también las locaciones.

CALIDAD DE AUDIO:

• Codificación de Audio: DTS-HD Master Audio 1.0 (Mono
• Idioma:  Inglés & Alemán
• Subtítulos: Inglés

El canal DTS-HD Master Audio 1.0 (Mono) provee impecable transferencia tanto de los diálogos como de la música, que juega importante rol en el film, como en la mayoría de los films de Woody Allen. La música que se seleccionó para este film es el jazz de los años veinte y una serie de canciones compuestas especialmente para la ocasión por Dick Hyman, con títulos tan sugerentes como el foxtrot “Chameleon Days” o “You may be six people, but I love you”. Hyman compuso las bandas de films como “Moonstruck” (1987) y “The Purple Rose Of Cairo” (1985, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2015/02/the-purple-rose-of-cairo-blu-ray-review.html).  La transferencia de audio logra captar muy bien los climas tanto cómicos como dramáticos del film, brindando los tonos perfectos de los diálogos así como también reproduciendo a la perfección los sonidos naturales de las locaciones exteriores.

 

EXTRAS:

• Banda de Sonido y efectos del film en track separado, en canal DTS-HD Master Audio 2.0.
• Trailer
• Booklet: con fotos, poster del film y ensayo a cargo de la historiadora cinematográfica Julie Kirgo.

CALIFICACION: MUY BUENO 

Puedes adquirir este blu-ray en http://www.twilighttimemovies.com/zelig-blu-ray/

• Título: “Zelig” (1983)
• Género:  Mockumental
• Duración:  79 minutos
• Distribuidor: Twilight Time
• Blu-ray SRP:  $29.95
• Fecha de Lanzamiento:  Julio 12, 2016

"TranceClassical": Maya Beiser y su cello transitan la música transformando y transitando fronteras, estilos y siglos. CD Review

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Javier Mitchell

“Air” (de la Suite para Orquesta No. 3, BWV 1068) de J.S. Bach. Cortometraje dirigido por Maya Beiser

Maya Beiser es una violonchelista estadounidense de origen israelí que vive en la ciudad de Nueva York. Tiene una carrera internacional como intérprete y sus álbumes son conocidos mundialmente. Beiser fue criada en un kibutz en Israel por su madre francesa y su padre argentino y se graduó en la Escuela de Música de la Universidad de Yale. La revista The New Yorker la describió como la "diosa del cello" y el Chronicle de San Francisco la llamó "La reina contemporánea del cello "

Su próximo álbum, “TranceClassical”, es lanzado en todo el mundo hoy 29 de julio de 2016 bajo el sello de Innova Grabaciones y distribuido en USA por Naxos USA. En “TranceClassical”, Maya transita su música para violonchelo transformando y trasciendiendo fronteras, estilos y siglos. “TranceClassical” incluye selecciones de una amplia serie de compositores llevados a un terreno común a través de la visión artística única de Maya: J. S. Bach, Michael Gordon, Imogen Heap, Glenn Kotche, Lou Reed / David Lang, Julia Wolfe, Mohammed Fairouz, David T. Little, y Hildegard von Bingen. Los arreglos musicales pertenecen a la propia Maya Beiser.

Acerca de este proyecto tan personal, Maya dice: "TranceClassical partió de una de foto que tenia en mi mente. En ella estoy yo, de niña, con mi pelo ensortijado, tapada con una manta en sofá de mis padres, escuchando a Bach por primera vez y pendiente de cada misteriosa nota que sale de un LP. TranceClassical es el arco que mi mente dibuja entre todo lo que me gusta: Bach, David Lang, Glenn Kotche y Michael Gordon. Pero no importa cuan rebelde, vanguardista o electronica sea mi música, siempre queda asociada con la creación de este inmenso genio que era Bach. Era por su música? O simplemente era una niña tratando de participar en aquello que mis padres disfrutaban? Probablemente las dos cosas. Los temas que presento en este álbum me dan una sensación de trance, de ensueño y meditación ".

  

“TranceClassical” comienza con impresionante y arreglo para cello del famoso "Air" de Bach combinado con el crepitar de un viejo disco de vinilo, para sumergirse luego en algo parecido a un trance real con el tema de Michael Gordon “All Vows” para solo de violonchelo, acompañado de reverberación de iglesia. Beiser aporta una energía emocional sorprendente en un arreglo para voz y cello de una canción de Imogen Heap, “Hide and Seek” para pasar a continuación a un tratamiento digital con efectos casi fantasmales en “Three Parts Wisdom”, de Glenn Kotche.

Beiser canta de nuevo en un arreglo casi irreconocible y abstracto de David Lang de la canción de Lou Reed “Heroin”, combinando voces espectrales sobre arpegios de cello en una versión extraordinaria. “Emunah”, de  Julia Wolfe, nos sumerge en un trance aún más profundo a través de una especie de lenguaje musical y vocal casi espacial para pasar luego a Hellbound”, de David T. Little, inspirada en la canción de Robert Johnson “Hellbound on my Trail”. El álbum concluye con la version de Baiser de una melodía meditativa de la gran abadesa/monja, filósofa y compositora del medioevo (Santa) Hildegard von Bingen donde combina todas las posibilidades del cello en esta era de la electrónica y la fusión de géneros. 

Maya Beiser desafía categorías. Forja apasionadamente su carrera a través de territorios desconocidos cautivando al público de todo el mundo con su virtuosismo, su repertorio ecléctico y su búsqueda incesante redefiniendo los límites de su instrumento. El Boston Globe dice que "poseyendo el charisma de una estrella de rock y llevando su instrumento al borde de la aventura vanguardista, Maya Beiser es la diva post-moderna del cello."

Maya ha dedicado su carrera a reinventar la ejecución solista del cello cello en el escenario principal de la música clásica. Se ha presentado en los escenarios más prestigiosos del mundo, como el Lincoln Center, el Carnegie Hall, el Kennedy Center, el Centro de South Bank de Londres, Sydney Opera House y el Festival de Pekín, y ha colaborado con una amplia gama de artistas a través de muchas disciplinas, como Brian Eno, Philip Glass, Shirin Neshat, Steve Reich, David Lang, Tan Dun, Robert Woodruff, Bill Morrison, Evan Ziporyn y Osvaldo Golijov, entre muchos otros. En 2013  fue invitada especial junto a luminarias como Yoko Ono, Marina Abramovic e Isabella Rossellini en ICASTICA, un festival que celebra las mujeres que trabajan en los campos artísticos en Arezzo , Italia. “TranceClassical” es un álbum distinto, creativo. Es un placer escucharlo y entrar a este “trance” musical a través de una artista virtuosa de la talla de Maya Beiser. CULTURALMENTE RECOMENDABLE!

CALIFICACION: MUY BUENO 

Puedes adquirir este CD en http://naxosdirect.com/items/tranceclassical-355873

• Título: “TranceClassical” (2016)
• Intérprete: Maya Beiser
• Género:  Música Clásica
• Discos: 1 CD
• Estudio:  Innova
• Distribuidor: Naxos USA
• CD SRP: $14.99
• Fecha de Lanzamiento: Julio 29, 2016

"La Rondine": Una ópera poco conocida de Puccini dirigida por el afamado tenor Rolando Villazón para la Ópera de Berlin. Blu-ray Review

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Javier Mitchell

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“La Rondine” (“La Golondrina”) es una ópera en tres actos de Giacomo Puccini con libreto en italiano de Giuseppe Adami, basado a su vez en el libreto de Alfred Maria Willner y Heinz Reichert. Fue estrenada en el Théâtre de l’Opéra (también llamado Théâtre du Casino) en Montecarlo el 27 de marzo de 1917. Esta obra prácticamente es desconocida y muy pocas veces representada en los teatros líricos, aun cuando su compositor es considerado como una piedra fundamental en la historia operística. Aunque originalmente “La Rondine” fue pensada como una opereta, terminó siendo una ópera naciendo así un híbrido singular entre aquel género y el de la ópera lírica.

Naxos USA lanzó al mercado americano la edición en formato blu-ray de “La Rondine”, producción de la Deutsche Oper Berlin y con dirección del afamado tenor mexicano (nacionalizado francés) Rolando Villazón. La obra está protagonizada por Dinara Alieva en el rol de Magda de Civry, Charles Castronovo como Ruggero Lastouc, Alexandra Hutton como Lisette y Alvaro Zambrano como Prunier. El maestro Roberto Razzi Brignoli conduce a la orquesta y coro de la  Deutsche Oper. Fue grabada en vivo en Berlin entre los días 14 y 18 de marzo del 2015. Johannes Leiacker diseñó los sets, Brigitte Reiffenstuel es la responsable del vestuario, Davy Cunningham realizó el diseño de luces y la coreografía pertenece a Silke Sense.

“La Rondine” ha sido etiquetada mordaz e injustamente como “La Traviata de los pobres” y en realidad una leve lectura del argumento nos revela su deuda con esta obra de Verdi e incluso, por el lado de la opereta, con la célebre “Murciélago” de Johann Strauss II. Ha sido isubestimada y considerada siempre entre las obras menos logradas y convincentes de Puccini, junto a “La Fanciulla del West” y las tempranas “Edgardo” y “Le Villi”.

“La Rondine” es la historia de Magda, la amante del banquero Rambaldo que se enamora y huye con un poeta pobre, Ruggero. Pero Magda no le dice a Ruggero quién es en realidad y se hace llamar Paulette, hasta que viviendo en Francia las deudas los ahogan. Entonces ella confiesa y regresa con Rambaldo.

Villazón actualiza la historia de finales del siglo 19 a los años ‘20s en París y agrega ciertos toques de surrealismo. Un trío de hombres sin rostro que evocan las pinturas de Giorgio De Chirico acechan a la heroína Magda, aparentemente en un intento de que no lleve a cabo su relación con el joven Ruggero. La escenografía de Johannes Lelacker se cierne entre lo imaginario y lo real, con un retrato gigante cuasi-renacentista como fondo en el primer acto. El restaurant Chez Bullier es invadido por bailarinas flappers durante lo que podría ser un interludio de baile. El final de Magda con Ruggero es realmente atrapante, con la interpretación absolutamente seductora del tenor Charles Castronovo.

Como contraste, es brillante la pareja cómica de los personajes de Lisette y

Prunier, que dejan la elegancia para los de clases más altas y son protagonistas de rencillas francamente divertidas. Alexandra Hutton canta Lisette con una voz maravillosamente clara y convincente declarando su afecto por Magda y la alegría de estar de vuelta a su servicio. Alvaro Zambrano canta su Prunier con arrogancia y con una voz entre burlona y brillante. La producción se completa con otras buenas actuaciones en papeles de menor tamaño. El Coro de la Deutsche Oper es excelente, y Roberto Rizzi Brignoli dirige la orquesta de la Deutsche Oper con brío y elegancia. “La Rondine” es un gran espectáculo con actuaciones excelentes. Como dato adicional, el público alemán ovacionó esta nueva producción dirigida por Rolando Villazón que es, por otra parte, uno de los tenores preferidos de las audiencias melómanas de ese país.

CALIDAD DE VIDEO:

• Resolución de Video:  1080i / 60
• Codificación de Video: AVC / MPEG-4
• Aspect Ratio:  1.78:1
• Región:  0 (Todas)

CALIDAD DE AUDIO:

• Codificación de Audio: Dos Canales: PCM 2.0 Estéreo & DTS-HD Master Audio 5.1
• Idioma:  Italiano
• Subtítulos: Inglés, Francés, Alemán

 

EXTRAS:

• No

CALIFICACION: MUY BUENO 

Puedes adquirir este blu-ray en http://naxosdirect.com/items/puccini-la-rondine-350380

   

• Título:  “Puccini: La Rondine” (2015)
• Género:  Opera
• Duración: 105 minutos
• Nro. De Discos: 1 blu-ray
• Estudio: Delos
• Distribuidor: Naxos USA
• Blu-ray SRP: $24.99
• Fecha de Lanzamiento: Junio 10, 2016

"Rossini: Stabat Mater & Giovanna d'Arco": Estreno mundial de estas dos composiciones ejecutadas tal como fueron creadas y estrenadas en 1833 ("Stabat Mater") y en 1859 ("Giovanna d'Arco). CD Review

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Javier Mitchell

Naxos USA lanzó al mercado americano en formato CD “Stabat Mater” y la cantata “Giovanna d’Arco” (“Juana de Arco”. La presente producción fue grabada en vivo en el XXIII Festival Rossini en Wildbad, Alemania, entre los días 14 y 17 de Julio del 2011. “Stabat Mater” es una obra musical creada por el compositor italiano Gioachino Rossini con forma de secuencia litúrgica sobre versos tradicionales católicos del siglo XIII (la plegaria “Stabat Mater”) atribuidos al papa Inocencio III o al fraile franciscano Jacopone da Todi. Comienza con las palabras Stabat Mater dolorosa (estaba la Madre sufriendo) y medita sobre el sufrimiento de María, la madre de Jesús durante la crucifixión de éste.

La obra corresponde a la época de madurez de este compositor quien principalmente se dedicó a componer óperas y no obras religiosas. Este compositor vivió cómodamente desde el punto de vista económico en la sociedad parisina de su época pudiendo permitirse dejar de componer óperas para escapar del estrés que esto le producía. No obstante, tras "jubilarse" siguió componendo algunas obras, entre ellas "Stabat Mater". El “Stabat Mater” de Rossini está estrechamente vinculado a España ya que le fue encargado en una visita a Madrid en febrero de 1831 por el archidiácono Manuel Fernández Varela, quien deseaba poseer un manuscrito de Rossini y un "Stabat Mater" que rivalizase con el famosísimo de Pergolesi. A Rossini, compositor de óperas bufas, le pareció un encargo demasiado serio, por lo que fue reticente en un primer momento, aunque finalmente accedió a componerla dado que el prelado era gran amigo de su protector, Alejandro Aguado. La única condición que impuso el compositor fue que la obra no podía ser vendida ni publicada y recibió a cambio de su composición una tabaquera de oro encastrada de diamantes.

Gioachino Rossini 

Aunque se esperaba la obra para la pascua de 1832, Rossini no encontraba suficiente inspiración para las secciones 2, 3 y 4, con la parte más floja del texto de la poesía latina, por lo que pidió a su amigo el compositor y director musical del Théâtre Italien de París, Giovanni Tadolini que completase la obra. Rossini escribió seis secciones, Tadolini siete. Pero estas contribuciones de Tadolini sólo habían sobrevivido en versiones para piano. Antonino Fogliani las reconstruyó para orquesta, permitiendo que podamos escuchar la partitura completa, por primera vez desde 1833, tal cual fue creada. La presente grabación es justamente esta versión para orquesta y se trata de un estreno mundial, grabado por primera vez para formatos de audio.

La otra obra que contiene este álbum, “Giovanna d'Arco”, es una

Cantata para solista también. El presente álbum de Naxos contiene los cuatro temas de la obra con la orquestación realizada, en este caso, por Marco Taralli en el 2009. También es un estreno mundial. Los intérpretes de este CD con las obras de Rossini “Stabat Mater” y “Giovanna d’Arco” son la soprano Majella Cullagh, la mezzo-soprano Marianna Pizzolato, el tenor José Luis Sol y el bajo Mirco Palazzi, acompañados por la Wurttemberg Philharmonic Orchestra y el coro de la Camerata Bach, todos dirigidos por la batuta del maestro Antonino Fogliani. Constituye una oportunidad única el disfrutar la grabación (estreno mundial), de estas dos composiciones ejecutadas con orquesta completa, tal como fueron creadas y estrenadas en 1833 (“Stabat Mater”) y 1859 (“Giovanna d’Arco”). Ejecutadas brillantemente y cantadas de manera impecable por voces prodigiosas, éste es un CD que que no puede faltar en la colección de los amantes compositor italiano Gioachino Rossini.

CALIFICACION: MUY BUENO 

Puedes adquirir este CD en http://naxosdirect.com/items/rossini-stabat-mater-1832-version-giovanna-darco-353491

Título: “Gioachino Rossini: Stabat Mater / Giovanna d’Arco” (2016)
Intérprete: Antonino Fogliani, Wurttemberg Philharmonic Orchestra, Camerata Bach Choir, Majella Cullagh, Marianna Pizzolato, José Luis Sol y Mirco Palazzi

Género:  Música Barroca

Duración:  71:20 minutos

Discos: 1 CD

Estudio:  Naxos Records

Distribuidor: Naxos USA

CD SRP: $12.99

Fecha de Lanzamiento: Julio 08, 2016