"Vazante": Violencia, prejuicios y una impecable estética en blanco y negro. Blu-ray Review

Por

Javier Mitchell

Trailer

Diamantina, Brasil, 1821. Al regresar a la imponente pero decadente granja que recibió como dote por casarse con la heredera de un barón de diamantes, Antonio, un camionero, descubre que su esposa murió en el parto. Obligado a vivir en esta desolada propiedad en compañía de su demente suegra y de numerosos esclavos, se casa con la sobrina de su esposa fallecida, una niña de 12 años. Con el alma inquieta, vuelve a conducir, dejando a la joven esposa. La soledad de la gran casa en el paisaje accidentado refleja la vida de sus habitantes. Cada uno ha sido desplazado de su hogar y forzado a coexistir. Las corrientes subyacentes de violencia y prejuicio, que todavía afectan al Brasil actual, alimentan la inminente tragedia que, a su vez, es un anuncio ambiguo de los vientos del cambio.

Music Box Films lanzó al mercado americano la edición en formato blu-ray del film del año 2017 “Vazante”, dirigido por Daniela Thomas, un impactante filme en blanco y negro que se sumerge en la realidad de la esclavitud en ese país en un contexto histórico de importantes cambios. La película transcurre en 1821, un año antes de que Brasil se independizara de Portugal, casi siete décadas antes de que se aboliera oficialmente la esclavitud y en un momento en que la minería dejó de generar riqueza y los propietarios tenían que dedicarse a nuevas actividades.

“Vazante” fue presentada como parte de la sección Panorama Special de la Berlinale, y está filmada en un impecable blanco y negro, a cargo de Inti Briones; lo que permite establecer mejor las caraterísticas de los personajes, como el de la púber casada, Beatriz (Luana Nastas), que asoma como entidad fantasmagórica ante los ojos del desconcertado Antonio (Adriano Carvalho), el dueño de las tierras, y el tío que acaba de perder a su esposa en un parto. Y de la mano de este uso de la textura fotográfica es que Daniela Thomas opta por un encuadre que sugiere, que oscila entre planos panorámicos y fuera de campo, para representar un territorio que sirve de cobijo tanto para los amantes como para los esclavos que sueñan con ser libres.

Daniela Thomas

Tras varias películas conjuntas con el cineasta Walter Selles, como "Terra Estrangeira" (1996), "O primerio dia" (1998) y "Linha de passe" (2008), Thomas logra, en su primer trabajo en solitario, rodado sólo con luz natural y la que le pudieran proporcionar las velas y el fuego, captar la luz de una época caracterizada por la transformación de los roles sexuales y raciales. La directora está obviamente está interesada en cómo la raza influye en el género y la clase, y cómo todos presionan entre sí e inciden unos sobre otros hasta que son inseparables. También es evidente que no quiere hacer una película de tesis o poner discursos en boca de nadie. Así que durante gran parte de la película plasma sus ideas paralelamente, junto a sus personajes que orbitan entre sí y dejando que sus imágenes conlleven el peso de su significado.

La estética de “Vazante” es exótica, pero también es expresiva, con matices sutiles: blancos, palomas, pizarras, chorros de agua, que pronto adquieren resonancia metafórica. Sin embargo, mientras que las imágenes y el mundo natural llaman la atención, la directora no deja que distraigan lo importante de la trama. Hay una creciente falta de vanidad en la forma en que filma este mundo perdido en el tiempo y el uso de la nostalgia nunca está fuera de lugar. Muestra la belleza, pero también la yuxtapone insistentemente con las sombrías miradas y los ruidos de grilletes que esclavizan a los hombres.

Por otro lado, las habilidades narrativas de Thomas son menos precisas que su dominio de las imágenes y la atmósfera de las escenas, y la película de dos horas definitivamente podría beneficiarse si fuera un poco más corta. Pero nunca hay un momento en este film de época que no se sienta completamente auténtico. Eso se aplica a la producción y el diseño de vestuario, con sus vestigios raídos de la prosperidad anterior y también a las actuaciones, tanto de los colonizadores como de los esclavos.

CALIDAD DE VIDEO:

• Resolución de Video: 1080i / 60
• Codificación de Video: AVC / MPEG-4
• Aspect Ratio: 2.38:1

CALIDAD DE AUDIO:

• Codificación de Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 y DTS-HD Master Audio 2.0
• Idioma: Portugués
• Subtítulos: Inglés

EXTRAS:

• Master Class con la directora Daniela Thomas en Princeton University's Brazil Lab (1080p; 37:03), junto Lilia M. Schwartz (University of Sao Paolo), Pedro Meira Monteiro (Profesor Español y Portugués) y Joao Biehle (Profesor de Antropología).
• Detrás de escena:  Featurette (1080p; 14:10)
• Trailer (1080p; 1:37)

CALIFICACION: BUENO + 

Puedes adquirir este blu-ray en

https://www.musicboxfilms.com/vazante-movies-157.php

• Título: “Vazante” (2017)
• Género:  Drama
• Duración: 116 minutos
• Nro. De Discos: 1 BD-50
• Distribuidor: Music Box Films
• Blu-ray SRP: $27.93
• Fecha de Lanzamiento: Mayo 8, 2018

"The Birth Of A Nation" de D.W. Griffith: El film que revolucionó al cine. Blu-ray Review

Por

Javier Mitchell

Twilight Time lanzó al mercado americano un set de edición limitada (sólo 3.000 copias) conteniendo dos discos en formato blu-ray del film “The Birth of a Nation” (“El Nacimiento de una Nación”), una película muda estadounidense de 1915 dirigida por D. W. Griffith. Es, debido a su técnica, una de las más famosas de la época del cine mudo, con avances no utilizados hasta ese momento. No obstante, el film ha sido uno de los más polémicos por cuanto su argumento promueve abiertamente el racismo, apoya la supremacía de la raza blanca y describe en sus escenas el supuesto heroísmo de los miembros del Ku Klux Klan. La película se estrenó el 8 de febrero de 1915, en el Auditorio Clune en el centro de Los Ángeles. En su estreno fue originalmente titulada “The Clansman”, pero el título fue cambiado posteriormente a “The Birth of a Nation” para reflejar la creencia de Griffith que Estados Unidos emergió de la guerra civil americana y su reconstrucción como nación unificada.

El film retrata las venturas y desventuras de dos familias amigas y que

representan el norte y el sur de los Estados Unidos durante la Guerra de Secesión. La familia Cameron, nativa de Carolina del Sur, se adhiere a la Confederación sudista durante la Guerra de Secesión, mientras sus amigos de la familia Stoneman se mantienen leales al gobierno federal.

Tras una breve mención de la guerra civil, el filme muestra escenas de Carolina del Norte durante los días de la Reconstrucción del sur, donde la familia Cameron pierde sus bienes por orden de las nuevas autoridades militares llegadas del norte. En simultáneo la película presenta a los antiguos esclavos, ahora libertos, dominando las instituciones de gobierno y reuniéndose en las asambleas legislativas sólo para bailar y emborracharse. A lo largo del filme los individuos de raza negra son presentados de forma grotesca como ignorantes y lerdos, ansiosos de diversión y de sexo, forzando un marcado contraste con los blancos del Sur.

Tras un fraude electoral cometido por los libertos (y consentido por las tropas del Norte), miembros de la familia Cameron deben huir hacia el norte para escapar de la persecución de las nuevas autoridades, después que una hija de este clan muere al caer de un barranco para evitar ser violada por un liberto protegido del nuevo gobernador. En paralelo se muestra el surgimiento del Ku Klux Klan como una “milicia” destinada tan sólo a “imponer justicia” en favor de los blancos del sur. Conforme avanza el filme los hombres del “Klan” capturan y linchan al liberto que intentó violar a la joven Cameron, los Stoneman se unen a la “Resistencia” de los blancos del sur y en el final se presenta una tropa del Ku Klux Klan amenazando a los libertos negros con violencia si participan en la próxima elección, quienes ante su vista se acobardan y abandonan sus derechos.

Si bien desde el punto de vista técnico la película resultó admirable en su época (y fue el modelo para casi todo el cine posterior), no se puede decir lo mismo desde el punto de vista moral, ya que los individuos de raza negra son tratados de modo despectivo, hasta el punto de que Griffith justifica la creación de Ku Klux Klan como un método de “contener” los atropellos que la población negra perpetraba en el sur de Estados Unidos. Las críticas hacia D. W. Griffith fueron un motivo para que el mismo cineasta rodara al año siguiente 1916 el filme “Intolerancia” para borrar las acusaciones de racismo que pesaban sobre él.

Griffith partió de un presupuesto de 40.000 dólares, que fue creciendo hasta llegar a los 110.000 dólares. El rodaje y montaje posterior se prolongaron durante seis meses y la versión final del film, de tres horas, fue considerada demasiado larga por los distribuidores, así que el cineasta tuvo que organizar su propio circuito de exhibición por todo el país. Un éxito sin precedentes y dieciocho millones de dólares de ingresos en taquilla le dieron la razón.

Se considera un hito de la historia del cine porque D. W. Griffith reúne y sistematiza todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese momento (1915). Lo hace de una forma en que queda establecido un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad: los planos son alternados y no siempre fijos, la cámara se puede desplazar, los planos y tomas pueden ser totales o parciales, etc. rompiendo definitivamente con el antiguo esquema cinematográfico donde una película podía ser la simple filmación de una función teatral común.

La base del modelo cinematográfico de Griffith está constituído por la forma en que se establece el salto de eje narrativo, el uso de los primeros planos, la alternancia entre planos generales (que permiten que el espectador comprenda y organice mentalmente el espacio donde transcurre la acción) y los planos cortos (medios y primeros planos), donde se aprecia los detalles. También se destacan las diversas tomas que hace el director desplazando la cámara, resaltando una vista panorámica o un elemento muy específico de la escena, y grabando a los actores en diveros ángulos parciales para resaltar gestos o emociones (abandonando el viejo “dogma” de grabar individuos sólo de cuerpo completo). Es famosa la detallada escena que hace D.W Griffith del asesinato de Lincoln, que D.W. Griffith filmaría en 1930 en su film dedicado al prócer, "Abraham Lincoln" (http://www.culturalmenteincorrecto.com/2012/11/abraham-lincoln-blu-ray-review.html) y que es estudiada en numerosos manuales de cine, de los cuales el más famoso es el análisis del director Karel Reisz. El actor que encarna al asesino de Lincoln es Raoul Walsh, quien luego se convertiría también en director de cine.  

“The Birth of a Nation” otorgó al cine en su momento un nivel artístico

completamente nuevo, elevando a la madurez el principio del montaje descubierto por George Méliès. Griffith, además de ser uno de los fundadores de Hollywood, fue el primero en utilizar los fundidos, las aperturas y cierres de objetivos, los flashbacks, las secuencias de acción paralelas, las secuencias simultáneas que se van alternando o recuerdos del pasado en sobreimpresiones. En definitiva, uno de los inventores del lenguaje cinematográfico moderno. La presente edición limitada en formato blu-ray de Twilight Time de este film es una verdadera fiesta para todos los amantes del cine. Un set de dos discos blu-ray que vienen cargados de extras imperdibles. Es una celebración, un homenaje al cine mudo y a la historia misma del cine que ningún fanático del cine puede dejar de tener en su colección. CULTURALMENTE IMPERDIBLE!

CALIDAD DE VIDEO:

 

• Codificación de Video: MPEG-4 AVC
• Resolución de Video: 1920 x 1080p
• Aspect Ratio: 1.33:1
• Nro. de Discos: 2 Discos BD-50

Twilight Time produjo una cuidada y casi perfecta transferencia del film original en 35 mm, sin innecesarias alteraciones digitales para respetar la obra original. Se notan algunas rayas o granos de celuloide originales ya que no se trata de una restauración cuadro por cuadro, pero la calidad de la imagen es realmente muy buena, haciéndonos olvidar que estamos frente a material fílmico de más de cien años de antigüedad. No existe pérdida alguna, tanto de escenas como de títulos o textos brindando alta calidad de detalles considerando el tipo de cámaras utilizados y los años del film.

CALIDAD DE AUDIO:

• Dos Canales:  DTS-HD Master Audio 5.1 &  PCM 2.0 Stéreo
• Intertítulos: Inglés

La banda de sonido original de Joseph Carl Briel es conducida por el maestro John Lanchbery en 5.1 y 2.0 Audio. Ambos canales de audio permiten disfrutar la partitura musical de forma clara, sin distorsiones escuchando la orquestación óptimamente. El canal DTS-HD Master Audio 5.1 ofrece una distribución de sonido obviamente más moderna, pero si deseamos escucharla en una forma más parecida a cómo fue mostrada en cines en la época de su estreno debemos elegir 2.0 estéreo.
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EXTRAS:

Disco 1:

• El Film (191 Minutes) Restaurado por Patrick Stanbury con la banda de sonido original de Joseph Carl Briel, conducida por John Lanchbery en 5.1 y 2.0 Audio
• Prólogo de la nueva version sonorizada de 1930, a cargo de D.W. Griffith en conversación con el actor Walter Huston, Estrella de su film sonoro de 1930 “Abraham Lincoln”.
• Nueva versión sonorizada de 1930: Intermission e Introducción al Acto 2.  Huston recita fragmentos de la obra de Woodrow Wilson, A History of the American People.

Disco 2:

• Escenas descartadas y tests de cámara
• Galería de fotos
• Film mudo: “The Coward” (1915 ~ Producido por Thomas H. Ince, Dirigido por Reginald Barker) Estrenado nueve meses después del estreno de The Birth of a Nation, y es un drama situado durante la Guerra Civil.
• Cortometraje mudo: “The Rose of Kentucky” (1911 ~ dirigido por D.W. Griffith) Filmado tres años, este corto muestra al Ku Klux Klan, bajo el nombre de Night Riders.
• Cortometraje mudo: “Stolen Glory”  (1912 ~ Dirigido por Mack Sennett) Un cortometraje acerca del desfile del Grand Army of the Republic, la principal organización de veteranos que sirvieron la Union Army durante la Guerra Civil.
• Cortometraje mudo: “The Drummer of the 8th” Original Edit, “The Drummer of the 8th” 2015 Re-Edit (1913 ~ Producida por Thomas H. Ince, Dirigida por Jay Hunt) Se presenta en dos versiones.
• “The Birth of a Nation Score Recording Sessions” en 5.1 Audio
• D.W. Griffith en el Lux Radio Theater junto a Cecil B. DeMille
• “The Birth of a Nation: The Legacy” dirigida, escrita y editada por John McCarty
• “The Clansman: From Stage to Screen”  Dirigido y editado por Daniel Griffith
• “We Can Never Censor the Past”: Ensayo/Texto de Kevin Brownlow
• “The Birth of a Nation: The 2015 Restoration”: Ensayo/Texto de Patrick Stanbury
• “Fighting Back: Responding to The Birth of a Nation”: Ensayo/Texto de Ashley Clark

CALIFICACION:  EXCELENTE 

Puedes adquirir este blu-ray en https://www.twilighttimemovies.com/birth-of-a-nation-the-2-disc-special-edition-blu-ray/

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• Título: “The Birth of a Nation” (1915)
• Director: D.W. Griffith
• Género: Histórica, Épica, Drama
• Duración: 191 minutos
• Distribuidor: Twilight Time
• Blu-ray SRP: $ 29.95
• Fecha de Lanzamiento: 22 de Mayo, 2018

"Renée Fleming En Concierto". Conductor: Christian Thielemann. Blu-ray Review

Por

Javier Mitchell

El Festival de Salzburgo, uno de los eventos musicales más importantes del mundo de la música clásica. Para la temporada 2011/2012 fueron convocados el (considerado) conductor del momento, el maestro Christian Thielemann, la soprano americana Renée Fleming y la Orquesta Filarmónica de Viena, que brindaron un programa de canto, ópera y poemas tonales, géneros centrales de la carrera extraordinariamente creativa de Richard Strauss, de Hugo Wolf y Anton Bruckner. Naxos USA lanzó al mercado americano la edición en formato blu-ray de “Renée Fleming in Concert”, un set de dos (2) discos blu-ray que contienen el exquisito concierto que la soprano y el maestro Thielemann brindaron durante dos jornadas en el Festival de Salzburgo y  en Dresden. Renée Fleming interpreta cuatro canciones con la orquesta, incluyendo un emocionante “Befreit”, y conmueve en el que fue tal vez su mejor papel del repertorio de óperas de Richard Strauss: “Arabella”.

A continuación, Christian Thielemann y la Filarmónica de Viena, nos transportarán a ese viaje de montaña imaginario y espectacular creado por el compositor en su “Sinfonía Alpina, Opus 64” (“Eine Alpensinfonie, Opus 64”).  La “Eine Alpensinfonie, Opus 64”, cubre un día completo en las montañas de los Alpes, comenzando en la mañana y terminando por la noche, reflejando variadas escenas así como también algunos de los peligros de una caminata de montaña: una obra “de atmósferas”, como es el caso de la mayoría de los poemas sinfónicos de Strauss, que incluye hasta una máquina de viento en el momento de la tormenta en la montaña y un órgano para una de las secciones finales. La Sinfonía Nº 7 (WAB 107) de Anton Bruckner, compositor austríaco, es una de sus sinfonías más conocidas. Fue escrita entre 1881 y 1883, y revisada en 1885. Está dedicada al rey Luis II de Baviera. El estreno tuvo lugar en la ópera de Leipzig, en 1884, fue dirigido por Arthur Nikisch, y constituyó el mayor éxito de toda la carrera de Bruckner.

El director musical Christian Thielemann está en el centro de todas las miradas, tras haber sido nombrado sustituto de Simon Rattle a partir de 2013 en el Festival de Pascua de Salzburgo. Thielemann ha sido elegido el mejor director musical del año, por encima de Muti y Claudio Abbado, por la revista Festspiele. Por su parte, en 2010, Renée Fleming fue nombrada la cantante de ópera número uno por el Salzburger Festspiele Magazin, el periódico oficial del festival. En 2008, grabó un álbum de canciones y arias de Richard Strauss, con el mismo Christian Thielemann, que fue aclamado por la crítica.

El programa completo incluye:

Richard Strauss:

• 5 Lieder, Op. 39, TrV 189: No. 4. Befreit (version for voice and orchestra)
• 5 Lieder, Op. 48, TrV 202: No. 5. Winterliebe (version for voice and orchestra)
• 3 Lieder, Op. 29, TrV 172: No. 1. Traum durch die Dämmerung (arr. for voice and orchestra)
• 4 Gesänge, Op. 33, TrV 180: No. 2. Gesang der Apollopriesterin
• Arabella, Op. 79, TrV 263, Act I: Mein Elemer!
• Eine Alpensinfonie (An Alpine Symphony), Op. 64, TrV 233

Hugo Wolf:

• Gedichte von Eduard Morike: No. 6. Er ist’s / No. 12. Verbogenheit / No. 16. Elfenlied
• Gedichte von J.W. v. Goethe: No. 9. Mignon (second version) / No. 29. Anakreons Grab

Anton Bruckner: 

• Symphony No. 7 in E Major, WAB 107 (1885 original version, ed. R. Haas)

El presente concierto fue grabado en vivo en el Festival de Salzburgo, en Agosto del 2011 (Strauss) / y en Dresden, Septiembre del 2012 (Wolf, Strauss, Bruckner). El concierto está magistralmente dirigido para la pantalla por Michael Beyer (Salzburgo) y Henning Kasden (Dresden) y producido para la edición en blu-ray por Janes Whitbourn. Ambos han puesto especial esfuerzo y creatividad para brindar un concierto visualmente ágil y detallado, que nos lleva a través de los músicos, el conductor y la soprano en un recorrido íntimo y perfecto que nos permite vivir tanto la música como su ejecución de manera magistral. Cada pequeño detalle, cada pequeño gesto es captado con increíbles detalles. Reneé Fleming no sólo canta sino que interpreta actoralmente con excelencia y commueve en cada una de sus canciones. La “Eine Alpensinfonie, Opus 64” es un placer en sí mismo. Interpretada a la perfección por la Orquesta Filarmónica de Viena en este homenaje no sólo a su autor, Richard Strauss sino a los Alpes mismos y desde su mismo seno: Salzburgo. Y como si esto fuera poco, la Sinfonía Nº 7 (WAB 107) de Anton Bruckner magistralmente interpretada. Qué más se puede pedir?

CALIDAD DE VIDEO:

• Resolución de Video:   1080i/60
• Codificación de Video:   MPEG-4 / AVC
• Aspect Ratio:  1.77:1
• Región: 0 (Todas)

La tranferencia de video de esta edición en blu-ray es impecable brindando una excelente calidad de imágenes que se traducen en una claridad de detalles perfecta. Permite no sólo disfrutar del espectáculo sino vivir y sentir cada emoción que se manifiesta sobre el escenario por parte de los protagonistas. Cabe mencionar no sólo la expresividad de Renée Fleming sino incluso la energía conductora del maestro Christian Thielemann

(y como ejemplo tomemos el final de la “Eine Alpensinfonie, Opus 64”, donde podríamos hasta contar las gotas de sudor sobre su rostro!)

CALIDAD DE AUDIO:

• Codificación de Audio: Dos Canales: PCM 2.0 Estéreo &  DTS-HD Master 5.1
• Subtítulos:  Inglés, Francés, Alemán & Español.

El canal DTS-HD Master 5.1 nos da la posibilidad de escuchar las diferentes partituras musicales y voz con una ecualización perfecta, que permiten disfrutar al máximo los diferentes “tempos” y climas musicales del programa. La perfección de la voz de la soprano Renée Fleming es captada en toda su integridad y matices, y esto es fundamental ya que se trata de una de las intérpretes más importantes de Strauss. El canal PCM 2.0 Estéreo, si bien más modesto en la ecualización, brinda también una muy buena transferencia de audio para aquellos que no poseen equipo de sonido. Esta es una edición en blu-ray para no perdernos y disfrutar plenamente.

EXTRAS:

• No

CALIFICACION: MUY BUENO 

Puedes adquirir este blu-ray en

https://www.amazon.com/Fleming-Concert-Staatskapelle-Philharmonic-Orchestra/dp/B077H6PQ53/ref=sr_1_1?ie=UTF8&qid=1526844213&sr=8-1&keywords=renee+fleming+in+concert+blu-ray

• Título: “Renée Fleming in Concert” (2012)
• Género: Concierto Clásico
• Duración: 190 minutos
• Estudio:  Opus Arte
• Distribuidor: Naxos USA
• Nro. de discos: 2 BD-25
• Blu-ray SRP: $29.99
• Fecha de Lanzamiento: Enero 26, 2018