Friday, December 29, 2017

"Doctor Dolittle". Un musical sobre el encanto de poder hablar con los animales. Blu-ray Review

Por
Javier Mitchell


Twilight Time lanzó al mercado americano la edición limitada (sólo 3000 copias) en formato blu-ray de “Dr. Dolittle”, film del año 1967 dirigido por Richard Fleischer. Está protagonizado por Rex Harrison, Samantha Eggar, Anthony Newley y Richard Attenborough. Esta poducción de la Fox, rodada en el formato 70mm (más conocido en aquella época con el nombre de Tod-AO), y con una duración de casi dos horas y media, pertenece a las clásicas películas musicales rodadas en los años ‘60s cuando se vivía el deslumbramiento del nuevo sistema antes citado. Fue adaptado por Leslie Bricusse de la serie de novelas de Hugh Lofting. Principalmente fusiona tres de ellas: “La historia del doctor Dolittle”, “Los viajes del doctor Dolittle” y “El circo del doctor Dolittle”. La Fox intentó aprovechar el fuerte éxito comercial de los films musicales dirigidos al público familiar (como "Mary Poppins (1964)", "The Sound of Music” (1965)" y "Chitty chitty bang bang (1968)".
La trama se centra en Puddleby de las Marismas, una pequeña localidad en
la Inglaterra Victoriana, a finales del siglo XIX. John Dolittle (Rex Harrison) es un médico maduro que vive con su hermana Sara (Portia Nelson). Se siente frustrado y cada vez le gusta menos su profesión porque no es bueno tratando con personas, prefiere a los animales. Un buen día su loro, Polinesia, le hace darse cuenta de que posee un extraordinario don: la capacidad de poder aprender con rapidez las lenguas del reino animal. Tal hecho le anima a convertirse en veterinario. Un día, su amigo Matthew (Anthony Newley) le trae un pato, ocasión que aprovecha para presentarle a su amigo, un muchacho llamado Tommy Stobbins (William Dix). Dolittle es tomado por loco por gran parte de la gente e intentan internarlo en un manicomio. Pero logra escapar y junto a Matthew y Tommy vivirán, junto a la bella sobrina del general Bellows (quien quiere internarle), Emma Fairfax (Samantha Eggar) una gran aventura al viajar a una isla perdida del Pacífico para ver al famoso gran caracol rosa al que aseguran haber visto marineros. Emma quien en un principio detesta al doctor por su falta de tacto con sus semejantes, pronto descubrirá la enorme bondad y devoción del maduro médico por los animales y acabará surgiendo un interés amoroso entre ambos.
“Dr. Dolittle” fue al momento de su estreno una gran novedad, impactante por el enorme y perfecto campo visual de la pantalla y la maravilla del sonido estereofónico magnético en 6 pistas que acompañaba al nuevo prodecimiento de estas películas en las salas equipadas para este formato. No obstante, apenas tuvo éxito en taquilla, pese a ser candidata al Oscar con nueve nominaciones (y ganar dos) y contar en su reparto con Rex Harrison, el coprotagonista de “My Fair Lady” (1964). La película es perfecta para el público infantil o para ver en familia. Para su papel es ideal Rex Harrison, actor serio, muy acertado como hombre mayor, alto, de comportamiento estricto pero con un evidente gran corazón, en una interpretación muy parecida a la realizada en “My Fair Lady”.
El papel femenino, Emma Fairbanks, está a cargo de Samantha Eggar, quien
había triunfado con la inquietante y excelente película de William Wyler, "El Coleccionista” (1965), por la que fue nominada para el Oscar a la Mejor Actriz. Anthony Newley es Matthew. Actor, cantante y compositor británico, es una excelente elección para el personaje. Su primer papel importante en la gran pantalla fue en la película de David Lean "Oliver Twist" (1948), en la que interpretaba a Dick Bultitude. Newley estuvo casado con Joan Collins en segundas nupcias. Entre el resto del reparto cabe destacar un divertido Richard Attemborough (“Jurassic Park",1993), como Blossom, el dueño del circo ambulante al que Dolittle le vende una llama de dos cabezas. Por este papel el actor ganó el Golden Globe al Mejor Actor de Reparto.También ha sido un gran director y ganó el Oscar por la excelente “Gandhi” en 1982. Junto a Rex Harrison canta una de las mejores canciones de la película: "I've Never Seen Anything Like It". Portia Nelson es Sarah, la hermana de John Dolittle y Norma Varden es Lady Petherington. Ambas formaban parte del reparto de "The Sound of Music” (1965) como la hermana Berta y el ama de llaves de Von Trapp.
“Dr. Dolittle” posee un muy buen diseño de arte, una excelente fotografía de Robert Surtees en Todd-AO 70mm y sus decorados y producción fueron alabadas por el mismísimo Orson Welles. Es un musical como los de antes, los que producen nostalgia. Reflejo de una época que ya no regresará. Más de dos horas de una historia inocente plagada de canciones e ingenuidad. Para disfrutar en familia. En 1998 se llevó a cabo una popular remake adaptando la historia de John Dolittle a nuestros días y en los Estados Unidos, protagonizada por Eddie Murphy, con buenos resultados en taquilla.
 
CALIDAD DE VIDEO:







  • Resolución de Video:  1080p / 60
  • Codificación de Video: AVC / MPEG-4
  • Aspect Ratio: 2.20:1

La calidad de transferencia de imagen en la presente edición en blu-ray de Twilight Time es muy buena. Los colores son lo intensos que deben ser y la claridad de detalles es impecable. El responsable de la cinematografía, es Robert Surtess, cinematógrafo de films como “Ben-Hur” (1959), “King Salomon’s Mines” (1950), “The Sting” (1973) y “The Graduate” (1967), entre otros. Ganador de tres premios Oscar. El film no posee ningún tipo de anomalía, rayas o manchas en la imagen, generalmente propias de este tipo de material antiguo.
  
CALIDAD DE AUDIO:





  • Codificación de Audio: English 5.1 DTS-HD MA / English 2.0 DTS-HD MA
  • Idioma: Inglés
  • Subtítulos: Inglés SDH

La transferencia de audio es excelente en su canal 5.1 DTS-HD MA. Los diálogos son claros y la música compuesta por Leslie Bricusse se disfruta como nunca antes. Twilight Time ha incluído, como siempre, la banda de sonido en un track separado, DTS-HD Master Audio 2.0, dentro de los extras de esta edición en blu-ray. Bricusse es el compositor de bandas de sonido de films como “Scrooge” (1970), “Goodbye, Mr. Chips” (1070) y "Winky Wonka and the Chocolate Factory” (1970), entre otras, y ganó dos premios Oscar, uno de ellos justamente a Mejor Canción Original por “Dr. Dolittle”.


EXTRAS:






  • Comentario de audio a cargo del compositor y guionista Leslie Bricusse y el historiador de música Mike Matessino
  • “Rex Harrison: The Man Who Would Be King”: featurette
  • Banda Sonora del Film, compuesta por George Auric, en track separado, presentada en DTS-HD Master Audio 2.0 estéreo.
  • Trailer original de la película.
  • Booklet de seis páginas con fotos, póster original y notas sobre el film, escritas por Julie Kirgo







CALIFICACION: BUENO 

Puedes adquirir este blu-ray en





  • Título: “Doctor Dolittle” (1967, Limited Edition)
  • Género: Musical, Infantil
  • Duración: 151 minutos
  • Distribuidor: Twilight Time
  • Blu-ray SRP: $29.95
  • Fecha de Lanzamiento: Noviembre 14, 2017


Wednesday, December 27, 2017

"Bananas": Woody Allen y las revoluciones latinoamericanas como forma de autosuperación. Blu-ray Review

Por
Javier Mitchell
Trailer
Twilight Time lanzó al mercado americano la edición limitada (sólo 3000 copias) de “Bananas” (1971), el tercer film que dirigió Woody Allen y que además escribió y protagonizó. La película se desarrolla a modo de sátira política siguiendo una historia que hace bastante alusión a la Revolución Cubana (o alguna que otra sucedida en América Latina). El film está estructurado mediante varias escenas que, por un lado responden a los hechos de la historia linealmente, y por el otro, introducen distintos sketchs cómicos que marcan el humor de la época.

A Fielding Mellish (Woody Allen) lo abandonó su novia Nancy (Louise Lasser), una activista política y social de izquierda. Por eso, para recuperarla e impresionarla, decide tomarse unas vacaciones en la pequeña y paradisíaca República de San Marcos, en donde el corrupto gobierno lucha día y noche contra la valiente guerrilla rebelde que se opone a él. Cuando esta guerrilla por fin toma el poder, su líder se vuelve misteriosamente loco… Y al nuevo gobierno se le ocurre entonces suplantarlo: Mellish será la elección perfecta para ocupar su puesto.

“Bananas” es, en lo político, particularmente interesante, pues es una crítica hilarante sobre temas muy serios. Allen dispara simétricamente contra las repúblicas bananeras (las que están al sur del río Grande) y contra Estados Unidos, tanto a los gobiernos como a los habitantes, nadie se escapa del látigo de la ironía de Allen. San Marcos es un país pobre formado por habitantes inocentes, llenos de esperanzas que nunca se concretan y por los clásicos personajes oscuros que se hacen del poder de las maneras más extrañas e irracionales. Y USA es un país cuya ayuda siempre lleva de equipaje algún interés turbio como la venta de armas o la destrucción del país para la ulterior reconstrucción, pero por supuesto, en manos de ellos ambas operaciones. Lo más triste de todo esto es, quizás, que lo que denuncia Woody Allen en esta película solo es una parodia de la brutal realidad.

Lo más interesante son los diálogos surrealistas que mantiene con Louise Lasser (que era su esposa en aquella época) y sobre todo, el humor gestual del propio Woody Allen. Algunas situaciones no resultan lo suficientemente logradas, empleando en ocasiones un slapstick trivial y en algunos momentos, diálogos de escasa inspiración. No obstante, su personalísimo estilo se va afianzando cada vez más en “Bananas”, que supone un nuevo paso hacia el ácido e irónico humor lleno de referencias culturales que le caracterizaría en el futuro. Aún conteniendo muchas escenas compuestas por gags puramente físicos y por diálogos de trazo grueso o directamente surrealistas o absurdos, Allen apunta hacia un tema que le interesa de sobremanera: la crítica, brutal a pesar de aparecer en clave humorística, de las revoluciones y de las dictaduras que azotaban a muchos países de Sudamérica, así como la crítica al mundo “desarrollado” deshumanizado de USA en aspectos como la violencia tranquilamente aceptada o la televisión como droga social. Dentro de estas críticas, también se hacen constantes referencias a otros de los asuntos que continúan aún hoy obsesionando a Woody: las relaciones amorosas y, aquí sobre todo, el sexo.

Woody Allen disecciona por momentos con sádica ironía el proceso por el que una revolución en el nombre de ideas altruistas acaba instaurando, tras la victoria, un nuevo mecanismo tan opresor, tan corrupto y tan intransigente como el derrocado. La película, con un ritmo frenético que no encontramos en otras de su autor, si bien es divertida y delirante, no está al nivel de sus grandes obras, lo cual es también normal visto el nivel que alcanzó a partir de “Annie Hall”. No deja de ser, a pesar de esto, una comedia inteligente cargada de memorables gags. Cabe mencionar, por ejemplo, la escena de la golpiza a una anciana en el metro (podemos encontrar en ella a un joven Sylvester Stallone), gran muestra de humor negro sobre cómo una sociedad de cobardes, para evitar mirar de frente a la violencia, se limita a ignorarla amparándose en sus quehaceres diarios.

“Bananas” es un film en el que Woody Allen plasma paródicamente sus propias congojas existenciales, sirviéndose de la fragilidad política de los paises sudamericanos para desplegar una sátira sobre las dictaduras y la revolución, recostada en una serie desigual de viñetas humorísticas, que, en tono delirante, se nutren del slapstick, el absurdo y el surrealismo. “Bananas” forma parte de la filmografía del director en la etapa de sus películas cómicas, o cómico-reflexivas., como “Take The Money and Run” (1969), “Love and Death” (1975, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2015/03/love-and-death-blu-ray-review.html) y “Everything you wanted to know about sex, but were afraid to ask” (1972, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2017/08/everything-you-always-wanted-to-know.html).

CALIDAD DE VIDEO:







  • Resolución de Video: 1080p / 60
  • Codificación de Video: AVC / MPEG-4
  • Aspect Ratio: 1.85:1
  • Zona: 0 (Todas)





La calidad de transferencia de imagen en la presente edición en blu-ray de Twilight Time es muy buena. Carece de impurezas o rayas propias de este tipo de material. La cinematografía está a cargo de Andrew M. Costikyan, luce perfectamente y permite resaltar cada detalle de los protagonistas así como también los de las locaciones y vestuario. Costikyan es responsable de films como “Club Paradise” (1986), “The Reivers” (1969) y “Darker than Amber” (1971), entre otras.



CALIDAD DE AUDIO:







  • Codificación de Audio: DTS-HD MA 1.0
  • Idioma: Inglés
  • Subtítulos: Inglés





La transferencia de audio es cuidada y se escucha muy bien a través de su canal DTS-HD MA 1.0. Los diálogos son nítidos y la música compuesta por Marvin Hamlish se escucha con claridad sin interferir con ellos y sin ningún tipo de distorsión. Hamlish compuso la banda de sonido de films como “The Way We Were” (http://www.culturalmenteincorrecto.com/2013/11/the-way-we-were-blu-ray-review.html), “The Sting”, “The Spy Who Loved Me”, “Lost In Translation”, “How To Loose A Guy In Ten Days”, entre otras) se disfruta a la perfección. Ha sido nuevamente un gran acierto por parte de Twilight Time incluirla en un track separado, DTS-HD Master Audio 2.0, dentro de los extras de esta edición en blu-ray.




EXTRAS:








  • Banda Sonora del film, en track separado, DTS-HD Master Audio 2.0
  • Trailer
  • Booklet con notas sobre el film, escritas por Julie Kirgo




CALIFICACION: BUENO 

 Puedes adquirir este blu-ray en https://www.twilighttimemovies.com/bananas-blu-ray/


  • Título: “Bananas” (1971, Limited Edition)
  • Género: Comedia
  • Duración: 82 minutos
  • Distribuidor: Twilight Time
  • Blu-ray SRP: $29.95
  • Fecha de Lanzamiento: Noviembre 14, 2017








Tuesday, December 26, 2017

"The Tempest", de William Shakespeare. Tecnología y calidad teatral en una puesta imperdible de la Royal Shakespeare Company (RSC). Blu-ray Review

Por
Javier Mitchell
Trailer
Naxos USA lanzó al mercado americano en formato blu-ray la última producción de la Royal Shakespeare Company (RSC) de “La Tempestad”, de William Shakespeare, en una de las puestas en escena más imaginativas y revolucionarias de los últimos tiempos. La obra está dirigida por Gregory Doran (director artístico del RSC), diseñada por Stephen Brimson Lewis (director de diseño de la RSC), la iluminación pertenece a Simon Spencer y la música está compuesta por Paul Englishby. Simon Russell Beale regresa al RSC después de más de 20 años en el papel de Próspero y brindando una de las actuaciones más movilizantes de toda su carera. Completan el elenco Mark Quartley (Ariel), Joe Dixon (Caliban), Daniel Easton (Ferdinand), Caleb Frederick (Marinero/Espíritu), Samantha Hay (Ceres), Tony Jayawardena (Stephano), Matthew McPherson (Francisco), Joseph Mydell (Gonzalo), Oscar Pearce (Antonio), Jenny Rainsford (Miranda), Darren Raymond (Boatswain), Joe Shire (Capitán del barco), Oliver Towse (Adrian), Simon Trinder (Trínculo), James Tucker (Alonso), Tom Turner (Sebastián), Jennifer Witton (Juno), Elly Condron (Iris/espíritu) y Alison Arnopp, Laura Cairns y Sarah Kameela Impey (espíritus). La presente producción fue grabada en vivo en el Royal Shakespeare Theatre, Stratford-upon-Avon, Inglaterra, en enero del 2017.

Una tormenta bestial, espíritus fantásticos y un mago con poderes sobrenaturales: estos son los elementos de "La Tempestad" de Shakespeare que han sido todo un reto para los directores artísticos desde su estreno en 1611. Cómo transmitir el mundo mágico de la Isla de Próspero? Cómo mostrar los poderes de el duende Ariel? Cómo crear un mundo de fantasía sobre el escenario de un teatro en vivo? La Royal Shakespeare Company unió fuerzas con Intel e Imaginarium Studios con el fin de crear una nueva y revolucionaria producción de “La Tempestad”, una de las obras más imaginativas del autor. Así, esta nueva producción emplea innovadoras tecnologías con el fin de ofrecer una experiencia nueva, tanto para los aficionados al teatro, como para públicos noveles. La tecnología desarrollada por The Imaginarium Studios e impulsada por procesadores Intel, embarca al público en un viaje inédito en el que tecnologías de captura de la actuación permiten renderizar a un personaje de forma íntegramente digital, en este caso el duende Ariel, en vivo y directamente sobre el escenario del Royal Shakespeare Theatre. Esta capacidad para renderizar todo un entorno digital en tiempo real, en este caso un avatar en particular, elimina la necesidad de producir toda la actuación con antelación para luego proyectarla sobre el escenario. Al mismo tiempo, esto refuerza la atmósfera de espontaneidad que caracteriza a las representaciones en vivo.

Esta tecnología captura los movimientos y expresiones faciales del actor, con el fin de garantizar que toda la actuación del intérprete se reproduzca en el personaje digital. Esta técnica es ya célebre por su uso en películas y videojuegos. La RSC, Intel e Imaginarium Studios han invertido más de un año de investigación con el fin de hacer posibles los avatares digitales, renderizados en tiempo real y capaces de interactuar con actores reales. Durante más de dos años, los equipos trabajaron para crear un avatar digital de Ariel el duende en todas sus múltiples formas e integrar la tecnología en la interpretación de un modo que, en lugar de sobrecargarlo, mejorara el teatro en vivo. El propio avatar meticulosamente creado por el equipo de The Imaginarium tiene 336 articulaciones, casi tantas como las que tiene el cuerpo humano (360). La computadora que da vida al personaje de Ariel cuenta con una memoria 50 millones de veces superior a la del equipo que permitió llevar al primer hombre a la Luna (si es que esto ocurrió realmente en 1969). Las proyecciones permiten a Ariel transformarse en diferentes personajes, incluyendo la arpía, la mítica ave con grandes garras y rostro humano.
Trailer
Para iniciar la conversación con su amo, Ariel desciende de forma lenta desde el cielo. Sin poleas ni cables. El Ariel digital, es un avatar controlado a distancia y en tiempo real por Mark Quartley, el Ariel de carne y hueso. Todos los movimientos que haga Quartley los realiza también el avatar, al mismo tiempo. Levantar el brazo, girar el cuerpo, alzar las cejas, gritar, saltar. Quartley y Ariel son como un dueño y su marioneta. Las decenas de sensores capturan cada movimiento que el actor británico realice. Los 27 proyectores de alta definición repartidos por la sala consiguen que se represente a Ariel en el centro de la escena, en grande o en diminuto, volando o creciendo, ocupando todo el escenario o en una esquina, sobre una pantalla o sobre tubos de seda.

Durante las tres horas que dura esta obra de Shakespeare, el avatar de Ariel aparece en cuatro ocasiones, en algunas de ellas junto al actor que da vida al personaje, lo que crea un efecto de “doble Ariel”. Aparece tanto en su forma azulada de espíritu mágico como convertido en tronco de árbol y, el más impactante, transformado en la poderosa e inmensa arpía. Es en esta última ocasión en la que más protagonismo cobran los sensores faciales que, junto a una cámara, trasladan los gestos de furia de Quartley a un animal mitológico. El resto de personajes interactúan con la proyección. “La Tempestad”, una de las últimas obras del dramaturgo y una de las que concibió en su pueblo natal Stratford-upon-Avon, es también uno de sus textos más mágicos. Shakespeare ya otorga poderes especiales a Ariel en el texto de 1611. En aquellos días, para conseguir los efectos de un personaje que volaba y se transformaba, se utilizaba una innovadora maquinaria con la que conseguía mover las piezas alrededor del escenario, geles y superficies de colores que ponía enfrente de las velas para introducir color o disfraces muy detallados que estaban diseñados para poder quitarse o ponerse de forma muy rápida.

El Royal Shakespeare Theatre se erige a orillas del río Avon, del que ha sobrevivido tantas inundaciones. Es el primer edificio público de Inglaterra cuya su construcción se adjudicó a una mujer, la arquitecta Elisabeth Scott. Es un lugar sagrado donde los aficionados al teatro pueden disfrutar de la grandeza de este lugar. Las filas de asientos de terciopelo rojo abrazan el escenario y la intimidad es palpable. Los actores están tan cerca del público que se pueden ver las arrugas de las prendas e incluso el brillo del sudor sobre la frente de los actores. Esta crudeza y vulnerabilidad es lo que hace que el teatro en vivo sea tan atractivo y exigente. Y todo esto está maravillosamente captado en esta oportunidad a través de una producción fílmica impecable.

El Próspero de Russell Beale es, sin duda alguna, el centro de la obra, entregado al verso shakespeariano con una maestría silenciosa y transmitiendo la turbulencia acumulada por el mago de forma aún más poderosa. No es sólo el deseo de venganza sino la inestabilidad de la duda lo que este Próspero tiene que superar. Hasta qué punto, por ejemplo, fue el culpable de su propio derrocamiento por ser un gobernante tan ausente y estudioso? Hay una maravillosa mezcla de irascibilidad y timidez mientras cuenta su historia a la robusta y franca Miranda de Jennifer Rainsford. Este es un Próspero más humano, complejo y vulnerable de los que estamos acostumbrados a ver en otras puestas. Y hay un par de momentos extraordinarios con Ariel. Esta criatura, que ha estado observando el progreso del noviazgo de Miranda con Ferdinand (Daniel Easton), está tratando de familiarizarse con el concepto del “amor”. Cuando experimentalmente pregunta “Me amas, maestro?”, Próspero queda completamente desarmado, como si nadie le hubiera hecho esta simple pregunta antes y se ve obligado a cubrir su rostro manchado de lágrimas con la mano. Y en el momento crucial en que Ariel le dice a su maestro que se volvería misericordioso si él mismo fuera humano, Russell Beale suelta una serie de sonidos agonizantes que expresan de manera estremecedora su conflicto interno. La soledad esencial del héroe es incomparable, cautivante. Joe Dixon compone un Caliban triste y bastante sensible con una acentuada curvatura de la columna vertebral. Tom Turner interpreta a Sebastian como un monstruo repulsivamente cómico y siniestro.

La imaginación de Shakespeare es un enorme y amplio océano de genialidad. Y para el público que va a ver una interpretación en vivo, en las pantallas de cines de todo el mundo o en blu-ray, la tecnología abre todo un nuevo mundo de posibilidades, no sólo para la integración digital en el teatro en vivo, sino también para todo tipo de formas narrativas y de creación de contenido. La presente producción del RSC de “La Tempestad” ha creado una experiencia teatral realmente única, que combina las destrezas clásicas del mundo teatral con la tecnología más revolucionaria. Así, ofrece al público un espectáculo realmente extraordinario y ayuda a acercar al teatro clásico a una nueva generación. CULTURALMENTE IMPERDIBLE!
Acto 1, Escena 2 | The Tempest | Royal Shakespeare Company

CALIDAD DE IMAGEN:




  • Resolución de Video: 1080i /60
  • Codificación de Video: AVC / MPEG-4
  • Aspect Ratio: 1.78:1
  • Región: 0 (Todas)

CALIDAD DE AUDIO:




  • Codificación de Sonido: Dos Canales: PCM 2.0 &  DTS-HD Master Audio 5.1
  • Idioma: Inglés
  • Subtítulos: Inglés

EXTRAS:




  • 400 Years in the Making: Intel x The RSC
  • Becoming Ariel: Entrevista con Simon Russell Beale
  • Comentario del director
  • Galería de personajes




CALIFICACION: EXCELENTE 
Puedes adquirir este blu-ray en

  • Título: “Shakespeare: The Tempest” (2017)
  • Género: Teatro
  • Duración: 145 minutos (obra) + 14 minutos (extras)  
  • Estudio: Opus Arte
  • Distribuidor: Naxos USA
  • Nro. De discos: 1 BD-50
  • Blu-ray SRP: $29.99
  • Fecha de Lanzamiento: Agosto 25, 2017