“Opera” se
centra en una joven e insegura cantante de ópera llamada Betty (Cristina
Marsillach). A partir del accidente automovilístico que sufre la actriz
principal, Betty es llamada para debutar como actriz suplente para ser la
protagonista de la obra. La obra tiene fama de estar maldita y empiezan a
transcurrir una serie de muertes a su alrededor que le terminan por confirmar
la sospecha de maldición. Empezando con que Betty se convierte en el blanco de
un asesino psicópata que curiosamente ha aparecido en los sueños de Betty desde
niña. Al final de la ópera se revela la identidad del asesino y Betty deberá
confrontar su pasado tenebroso.
Doppelgänger
Releasing y Scorpion Releasing lanzan al mercado americano la edición en
formato blu-ray de “Opera”, una película italiana del género de terror
denominado “giallo”, estrenada en 1987 y dirigida por el maestro del género
Dario Argento, quien también es autor del guión.Está protagonizada por Cristina Marsillach
(Betty, la hermosa actriz suplente que obtiene un papel femenino en una
representación contemporánea del Macbeth de Verdi), Urbano Barberini (Alan
Santini, el inspector de policía), Ian Charleson (Marco, director de la obra),
Daria Nicolodi (Mira, Publicista de Betty) y William McNamara (Stefan). La
película fue estrenada originariamente en Estados Unidos bajo el nombre de
“Terror en la ópera".
La película
fue realizada como venganza de Argento porque no le habían dejado dirigir el
Rigoletto de Verdi. No obstante, Argento dirigiría "Macbeth" de Verdi en el 2013 (http://www.culturalmenteincorrecto.com/2015/07/macbeth-blu-ray-review.html). Después de su estreno, el director se arrepintió y dijo:
“Maldito sea el día en que decidí dirigir esta película”, pues no sólo fue un
fracaso comercial sino que además tuvieron que enfrentar las agresiones de unos
cuervos hacia Cristina Marsillach, la muerte del padre de Argento y la muerte
del actor Ian Charleson poco tiempo después del estreno de la película.
Dario
Argento demuestra su talento tanto en la composición de los planos como en el
manejo de la cámara, dos aspectos vitales de la puesta en escena. En “Opera”
esto se puede constatar fehacientemente. Argento hace especial hincapié en las
secuencias de los homicidios y parece tener una única y exclusiva preocupación:
El uso reiterado de los planos subjetivos para incidir más que nunca en la
importancia de la mirada. La mirada de la muerte
El plano
inicial de la película tiene reminiscencias de Edgar Allan Poe: el ojo de un
cuervo en el que aparece reflejado el patio de butacas de un teatro, toda una
declaración de intenciones de lo que está por llegar, algo que se llevará al
extremo cuando llegue el momento de revelar la identidad del asesino. Argento
también reincide en su inclinación por lo sádico a través de los peculiares y
sangrientos métodos del asesino, quien obliga a la protagonista a ver sus
crímenes bajo pena de desgarrarse los párpados con las agujas que sitúa
estratégicamente con tal fin. Una retorcida forma de tortura psicológica con la
que busca conectar de forma metafórica a lo que sucede con los espectadores,
estableciendo un paralelismo entre la impotencia de Betty por apartar la mirada
y la del propio espectador en su atracción morbosa por el espectáculo grotesco.
Argento
demuestra una vez más en “Opera” su conocimiento milimétrico de los mecanismos
del terror y de la construcción de atmósferas asfixiantes, que alcanzan su
máximo exponente en las escenas de asesinato. Nada más apropiado para la
fastuosidad y barroquismo estético de Argento que los enormes decorados de una
ópera, que combina con complejos alardes técnicos a los que nos tiene
acostumbrados: complicados recorridos en dolly, ingeniosos encuadres y recursos
visuales y una cámara inquieta e incansable en su afán de quebrar el sistema
clásico. Esto último queda patente en las continuas variaciones en el punto de
vista, haciendo partícipe al espectador de la acción en contraposición a la
clásica posición de observador pasivo.
“Opera” es
un film clave y representativo de la concepción del cine de Argento, este
controvertido cineasta italiano, que califica sus obras como bellas pesadillas
con un sentido de la lógica propio, ajeno a la realidad. La capacidad de
Argento para explorar uno de los grandes ejes temáticos de su obra (la
importancia de la mirada y la relación de ésta con la muerte) y lo inspirado de
algunas escenas convierten a “Opera” en una propuesta recomendable para todos
los fanáticos del cine de terror y especialmente para los aficionados de
Argento y del género del giallo.
CALIDAD DE
VIDEO:
Resolución
de Video:1080i / 60
Codificación
de Video: AVC / MPEG-4
Aspect
Ratio:2.35:1
La presente
edición presenta un nuevo escaneado 2K realizado en el 2016 con más de 45 horas
de corrección de color exhaustiva realizada en los Estados Unidos. Posee una
calidad de video de gran nitidez con excelente claridad, gran calidad en los
detalles faciales y en las texturas de vestuario y locaciones. Los tonos son
vivos y ricos, respetando el gusto del director por el color extremo,
proporcionando primarios brillantes con iluminación especializada y los rojos
de sangre se mantienen potentes. Se detectan algunas suciedades y rayas del
celuloide.
La nueva
remasterización DTS-HD MA English5.1 abre una nueva dimensionalidad a los
sonidos del film, no sólo en los diálogos sino también en la música y efectos
de sonido. No obstante, se percibe una ligera reverberación en los diálogos, no
así en la música. Como ocurre con la mayoría de las producciones de terror
italianas, el doblaje es bastante malo.
EXTRAS:
Nuevo 2k
scan con más de 45 horas de corrección de color
Rara
entrevista con el director Dario Argento nunca antes vista en USA
Twilight
Time lanzó al mercado americano la edición limitada (sólo 3.000
copias) en
formato blu-ray de “Wuthering Heights” ("Cumbres Borrascosas"), una película de 1970 dirigida por
Robert Fuest. Está basada en la clásica novela homónima de Emily Brontë. Al igual que la versión de 1939 (dirigida por William Wyler), esta película
muestra sólo los primeros dieciséis capítulos del libro, que concluyen con la muerte de
Catherine Earnshaw Linton y omite los juicios de su hija, el hijo de Hindley y
el hijo de Heathcliff. El film está protagonizado por Anna Calder-Marshall, Timothy
Dalton, Harry Andrews, Pamela Browne, Ian Ogilvy y Hugh Griffith.
Esta
versión cinematográfica difiere de la novela original de varias maneras, y la
mayoría de las diferencias involucran al personaje Hindley Earnshaw. Primero se necesita
una mirada más comprensiva hacia Hindley. Usualmente retratado como un cruel
opresor de Heathcliff, en esta versión es perseguido por su padre y vive en la
sombra de Heathcliff. También en este film, Nelly Dean, la narradora, se
muestra enamorada de Hindley e incapaz de expresar sus sentimientos debido a su
diferencia de clase. Después de la muerte de su esposa, Hindley atraviesa una
etapa hedonista pero finalmente se libera de ella. Al final de la película,
quizás la más controvertida de todas las diferencias, Hindley logra matar
fatalmente a Heathcliff y sigue siendo el dueño de Wuthering Heights. Al presentar por primera vez
a Heathcliff, la película sugiere sutilmente que Heathcliff podría ser el hijo
ilegítimo de Earnshaw y, por lo tanto, el medio hermano de Cathy.
La película
fue filmada en Blubberhouses, Weston Hall, cerca de Otley y Brimham Rocks. El
productor Lous Heyward dijo en ese momento: “Soy el único estadounidense aquí.
Por primera vez en 30 años, Hollywood me dijo: No hay grandes nombres, no hay
gran publicidad, sólo una buena película que se basa en sus propios méritos.
Esto es muy alentador. Tiene que ser un film realmente bueno ya que tiene dos o
tres millones de dólares invertidos. La última versión, con Laurence Olivier como
Heathcliff y Merle Oberon como Cathy, lo retrató como un buen tipo normal y
a ella como una mujer dulce y llena de luz. Esa no era la verdad y Hollywood
ahora apuesta por esa verdad. Heathcliff era un bastardo y Cathy una verdadera
zorra y así es como serán retratados en esta película”.
Con el fin
de incluir la mayor cantidad posible de la trama del libro, y con un tiempo de
duración de menos de dos horas, la película toma la historia con bastante
amplitud. El desarrollo de algunos personajes se pierde pero la intensidad de
sus relaciones (particularmente el triángulo de Cathy-Heathcliff-Hindley) está
bien retratada, y los tres actores principales cumplen sus roles muy bien
(Julian Glover puede insinuar profundidad y emociones ocultas con gran
sutileza). Timothy Dalton y Anna Calder-Marshall interpretan a los amantes con
eficacia pero a menudo esto también depende en gran medida de los ángulos de la cámara que los tomen. Dalton,
bajo ciertas condiciones, tiene un notable parecido con el joven Laurence
Olivier para quien la versión de Wyler fue consagratoria. Calder-Marshall no es
una gran belleza, pero su rostro a veces expresa una ferocidad casi de bruja,
que, a menudo, es neutralizada de inmediato por un tiro largo que revela una
figura baja, con una silueta poco delineada. Sólo Ian Ogilvy difiere en su
interpretación como Edgar, quien debería ser una persona débil. Ogilvy parece
capaz de enfrentarse al Heathcliff de Dalton sin necesidad de pedir ayuda. El
elenco secundario está formado por sólidos actores británicos. Aubrey Woods
hace un correcto Joseph y Judy Cornwell una leal pero triste Nelly Dean.
La película en locaciones donde los páramos son sombríos y románticos tal como Emily Brontë podría
haber deseado, verdes exuberantes contrastados sobre rocas negras. Es excelente
la banda de sonido compuesta por Michel Legrand, que puede presentarse como una
obra de arte por derecho propio, usando una combinación de cuerdas para el
romance y de instrumentos de viento para sugerir el fondo natural de los
páramos.
Existen más
de una docena versiones de “Wuthering Heights” y esta versión británica de
principios de los setenta puede no ser la favorita de todos, aunque es una
película sorprendentemente buena. Dirigida por el poco conocido director Robert
Fuest , esta versión se ve beneficiada por un fantástico rodaje que
captura el sabor sombrío, casi gótico del libro, así como un reparto que está a la altura de las circunstancias. Particularmente notable es un joven Timothy Dalton que interpreta un Heathcliff muy convincente. También sobresale, como ya mencionamos, la música de Michel
Legrand que complementa perfectamente todas las atmósferas del film.
CALIDAD DE
VIDEO:
Resolución
de Video: 1080p / 60
Codificación
de Video: AVC / MPEG-4
Aspect
Ratio: 1.85:1
Zona: 0
(Todas)
La calidad
de transferencia de imagen en la presente edición en blu-ray de Twilight Time
es buena. Carece de impurezas o rayas propias de este tipo de material. La
cinematografía pertenece a John Coquillon y luce en bien, permitiendo resaltar
cada detalle de los protagonistas así como también los detalles de las
locaciones. No obstante no es todo lo nítida y pristina que hubiésemos deseado.
Coquillon es responsable de films como “Straw Dogs” (1971) y “The Changelling”
(1980), entre otras.
CALIDAD DE
AUDIO:
Codificación
de Audio: DTS-HD Master Audio 1.0
Idioma:
Inglés
Subtítulos:
Inglés
La
transferencia de audio es cuidada y se escucha correctamente a través del canal
DTS-HD Master Audio 1.0. Los diálogos son claros y la música compuesta por
Michel Legrand no sólo acompaña la historia sino que otorga el clima justo a
las escenas tanto de interiores como de exteriores. Estamos frente a una banda
de sonido exquisita que ha sido un acierto por parte de Twilight Time incluirla
en un track separado dentro de los extras de esta edición en blu-ray. Legrand
fue tres veces ganador del premio Oscar y compuso la música de películas como
“Yentl” (1983), “The Thomas Crown Affair” (la original,1968), “Les Parapluies
de Cherbourg” (1964), “Les Demoiselles de Rochefort” (1967), “007 Never Say
Never Again” (1983), “Les Miserables” (1995), “The Happy Ending” (1969, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2016/02/the-happy-ending-blu-ray-review.html),
entre otras.
EXTRAS:
Comentario
de audio a cargo del historiador fílmico Justin Humphreys
Banda
sonora del film, en track separado, DTS-HD Master Audio 2.0
Trailer
Booklet con
notas sobre el film, escritas por Julie Kirgo
Inglaterra,
siglo XVII. Amber St. Clair es una campesina sin escrúpulos, capaz de cualquier
cosa por formar parte de la corte del rey. Con tal de convertirse en noble está
dispuesta a sacrificar lo que sea, como por ejemplo, su gran amor. Twilight
Time lanzó al mercado americano la edición limitada (sólo 3.000 copias) en
formato blu-ray de “Forever Amber”, film del año 1947, adaptación de la exitosa
novela de Kathleen Winsor. Está protagonizada por Linda Darnell, Cornel Wilde,
Richard Greene, George Sanders, Glenn Langan, Richard Haydn, Jessica Tandy,
Anne Revere y Robert Coote. Fue dirigida por Otto Preminger (“Laura”, Anatomy
of a Murder”, “The Cardinal”, “Carmen Jones”, “Where The Sidewalk Ends”, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2016/03/where-sidewalk-ends-blu-ray-review.html),
que sustituyó a John M. Stahl, el director que había empezado a rodar.
Preminger tuvo varios desencuentros con Darryl F. Zanuck, el productor. Exigió
al productor que se reescribiera el guión por completo y que se cambiara a Peggy
Cummings, que iba a ser la protagonista (y que según Preminger era una
amateur), por Linda Darnell.
“Forever
Amber” es una costosa e incluso suntuosa superproducción de época, que sin duda
podríamos destacar entre las más valiosas de la década del cuarenta. Incluso
cabe destacar que sus características anticiparían otros exponentes de este
tipo de cine, que hasta años después no tendrían una mayor frecuencia en la
pantalla (títulos tan relevantes como “War and Peace”, 1956, de King Vidor, por
ejemplo). Al mismo tiempo esta reconstrucción histórica posee enorme riqueza,
aunando la visión de diversos episodios de la historia de la Inglaterra del
siglo XVII. Por ello, sus imágenes logran trasladar diversos escenarios,
combinando contextos suntuosos junto a otros en los que se describirán los
lugares más míseros y las situaciones más terribles de aquel tiempo (la peste o
el enorme incendio que asolará los alrededores de Londres). Es decir, que
partiendo de una reconstrucción realizada casi en su totalidad en estudio,
Preminger logra articular la apasionante visión de un periodo complejo, que
poco a poco va erosionando los conceptos y valores que hasta ese entonces se
habían mantenido como inalterables.
La Fox
buscaba un éxito similiar a “Gone With the Wind” o “Jezabel”, una película
donde una heroína de carácter fuerte fuera la protagonista, con suficientes
dosis de aventura, melodrama y sobre todo historia de amor imposible. El film
posee dos constantes en carrera cinematográfica del director: un material polémico
que chocaba con los principios del Código Hays y tener un personaje principal
que juega a la ambigüedad, enriqueciendo los matices del personaje.
Diseñadores
de arte, responsables de vestuario y todo el equipo de producción, se empeñaron
a fondo a la hora de plasmar con gran fidelidad la realidad histórica a la
película. Debemos destacar el inapreciable aporte de Leon Shamroy, aplicando
una fotografía en color que se alejaba de sus registros habituales en las
producciones de Henry King, buscando una mayor veracidad en lo narrado y, ante
todo, un contraste manifiesto entre la ostentación de la aristocracia y sus
mansiones palaciegas, y ese lado oscuro, mísero y siniestro que coexistía en el
Londres de la época.
“Forever
Amber” es un film plagado de momentos memorables y giros inesperados que
permiten un ritmo constante en la narración posibilitando esa desoladora
conclusión mostrada en el primer plano de una Amber abatida, cuando ha perdido
todo aquello que realmente era importante en su vida, no por el hecho de haber
preferido introducirse en un ámbito social carente de valores sino, sobre todo,
por la sensación de haber fracasado a la hora de anteponer su amor por Bruce y
no haber sabido esperar el momento oportuno para consolidarlo de manera plena.
La película mezcla momentos intimistas como el primer encuentro entre Linda y
Cornel durante la noche en una taberna o el proceso de enfermedad de Cornel (la
peste) donde Amber le cuida día y noche en una casa abandonada, con otros
espectaculares que transcurren en el teatro, en los bailes de la corte o
escenas dramáticas como un Londres asolado por la peste o por un gran incendio.
No hay un sólo momento para el aburrimiento.
El cine
norteamericano de la época no estaba muy abierto en sus mentes para contemplar
relatos de la audacia y complejidad como el que nos formula aquí Preminger, y
quizá por ello su recepción económica y crítica fue más bien menguada en el
momento de su estreno, permaneciendo inalterable dicha maldición hasta nuestros
días. Pero “Forever Amber” es una película magnífica, dominada por una densidad
y visión desencantada de la búsqueda de la felicidad suprema y, sobre todo,
como una demostración de la maestría del equipo de producción de la 20th
Century Fox comandado por el imprescindible Zanuck, al tiempo que una prueba
más del hecho de considerar a Otto Preminger como uno de los grandes nombres
del cine norteamericano.
“Forever
Amber” posee un gran conjunto de aciertos cinematográficos que otorgan una
extraña vitalidad a un film en el que los ecos de una época pasada en modo
alguno impiden que nos encontremos ante un relato extrañamente sereno, ágil en
su trazado, expresándose con claridad como un alegato en torno a la dificultad
de conciliar el sentimiento amoroso con cualquier otro deseo material. Una de
las obras más olvidadas y menos valoradas del director Otto Preminger que
merece ser vista y revalorada.
Codificación
de Audio: English DTS-HD Master Audio Mono
Idioma:
Inglés
Subtítulos:
Inglés SDH
La
transferencia de audio es cuidada y se escucha muy bien a través del canal
DTS-HD Master Audio Mono. Los diálogos son claros y la música se disfruta
perfectamente. La música fue compuesta por David Raskin, nominado a dos premios
Oscar® por “Separate Tables (1959) y este film que nos convoca, “Forever
Amber”. Compuso también la banda de sonido para el film “Laura” (1944), entre
muchísimas otras. Como siempre, la banda se sonido es incluída en canal
separado DTS-HD Master Audio 2.0. en los extras para posibilitar disfrutarla
por sí misma.
EXTRAS:
Linda
Darnell: Hollywood’s Fallen Angel: featurette
Banda
Sonora del Film, en track separado, presentada en DTS-HD Master Audio 2.0
estéreo.
Booklet con
fotos, póster original y notas sobre el film, escritas por Julie Kirgo
