Simon
Andrews se ha ganado la reputación de ser un creador de música elocuente que
combina complejidad armónica y lirismo, introversión, timbres delicados y
declaraciones audaces. Aquí, en su debut discográfico, “And That Moment When
The Bird Sings” (Y Ese Momento En Que El Pájaro Canta”), editado por Parma Recordings
y Navona Records y distribuido por Naxos USA, ofrece once composiciones
realizadas en una variedad de configuraciones, desde dúos hasta tríos y
quintetos, todas las cuales enfatizan su habilidad en la música vocal e
instrumental. La canción
de apertura, “Violin Diálogos I y II”, presenta al violín y al piano en una
especie de conversación. El primer Diálogo contrasta dos conjuntos de ideas,
las voces individuales de cada instrumento suben y bajan hasta que las dos se
unen en un consenso ganado con esfuerzo. Si el “Diálogo I” es confrontacional,
el “Diálogo II” es conversacional; su narración trata acerca de dos personajes
que acuerdan el destino y difieren sólo en la mejor manera de llegar a él.
Simon
Andrews
La canción
principal del álbum, tomada del poema "Song" de Seamus Heaney, es a
su vez lírica y apasionada, íntima y robusta, mientras los instrumentos de los
cinco intérpretes se abren camino a través de varias combinaciones. Los cuatro
movimientos de “Por La Tierra Son Huecos Y Toqué El Cielo”, interpretado por
The Newstead Trio, es una respuesta musical a un concierto al que el compositor
asistió en la American Composers Orchestra of Music de Frank Zappa. Una
referencia aún más pop-cultural es la canción principal y el cuarto movimiento
de la composición, que es una representación musical de una cita de un episodio
de la serie televisiva “Star Trek”, que decia: “... Porque el mundo es
hueco y he tocado el cielo…”.
La primera
canción del álbum que presenta una voz solista es “My Dove, My Covey”, un poema
lírico de W.H. Auden, interpretado por un trío de oboe, violoncello y piano
(interpretado por Andrews,) Después de un solo de violoncello extendido, el
piano presenta un flujo continuo de notas, dando la sensación de tiempo
suspendido sobre el cual flota la voz de la soprano Celeste Godin. De manera
similar, “El Corazón Tiene Orillas Estrechas”, un bello poema escrito por Emily
Dickenson, fue elegido por el compositor porque le permitió crear un lenguaje
armónico más flexible que podía expresar letras como “monotonía azul” mientras
mantiene un hilo musical consistente.
Inspirado
por una visita a Nuevo México, “Abiquiu Trio”, ejecutado por el Trío Clavino,
muestra cómo impactaron en Andrews el paisaje del desierto y el trabajo de
Georgia O'Keeffe. El lenguaje de los tres movimientos es una respuesta a
diferentes facetas de esas dos influencias. La música del movimiento final de
la pieza, iniciada durante una corta estadía en “Cristo en el Desierto”, un
monasterio viviente donde se entonan los servicios de la iglesia mediante
cantos gregorianos, es un fuerte recordatorio de que, además de su trabajo más
secular, Andrews también es conocido por su composiciones de la música de la
iglesia. Simon
Andrews
Simon
Andrews es un compositor inglés que ha vivido y trabajado en USA
durante más de tres décadas. Ganador del Premio Benjamín Britten en 1985, la
música de Andrews ha sido comisionada e interpretada con gran éxito de crítica
en ambos lados del Atlántico. Su carrera multifacética como compositor,
director de orquesta y profesor lo llevó a llevar a cabo su propia edición y
finalización del Réquiem de Mozart, que también ha sido muy bien recibido.
Andrews también ha compuesto música para dos documentales, “The Amish and Us” y
“Saving Pennsylvania”, para PBS. “And That Moment When The Bird Sings” es un
álbum absolutamente recomendable, exquisitamente ejecutado y que nos ofrece la
oportunidad de escuchar estas nuevas partituras compuestas por Simon Andrew.
El Festival
de Salzburgo, uno de los eventos musicales más importantes del mundo de la
música clásica. Para la temporada 2011/2012 fueron convocados el (considerado)
conductor del momento, el maestro Christian Thielemann, la soprano americana
Renée Fleming y la Orquesta Filarmónica de Viena, que brindaron un programa de
canto, ópera y poemas tonales, géneros centrales de la carrera
extraordinariamente creativa de Richard Strauss, de Hugo Wolf y Anton Bruckner.
Naxos USA lanzó al mercado americano la edición en formato blu-ray de “Renée
Fleming in Concert”, un set de dos (2) discos blu-ray que contienen el
exquisito concierto que la soprano y el maestro Thielemann brindaron durante
dos jornadas en el Festival de Salzburgo yen Dresden. Renée Fleming interpreta cuatro canciones con la orquesta,
incluyendo un emocionante “Befreit”, y conmueve en el que fue tal vez su mejor
papel del repertorio de óperas de Richard Strauss: “Arabella”.
A
continuación, Christian Thielemann y la Filarmónica de Viena, nos transportarán
a ese viaje de montaña imaginario y espectacular creado por el compositor en su
“Sinfonía Alpina, Opus 64” (“Eine Alpensinfonie, Opus 64”).La “Eine Alpensinfonie, Opus 64”, cubre un
día completo en las montañas de los Alpes, comenzando en la mañana y terminando
por la noche, reflejando variadas escenas así como también algunos de los
peligros de una caminata de montaña: una obra “de atmósferas”, como es el caso
de la mayoría de los poemas sinfónicos de Strauss, que incluye hasta una
máquina de viento en el momento de la tormenta en la montaña y un órgano para
una de las secciones finales. La Sinfonía Nº 7 (WAB 107) de Anton Bruckner,
compositor austríaco, es una de sus sinfonías más conocidas. Fue escrita entre
1881 y 1883, y revisada en 1885. Está dedicada al rey Luis II de Baviera. El
estreno tuvo lugar en la ópera de Leipzig, en 1884, fue dirigido por Arthur
Nikisch, y constituyó el mayor éxito de toda la carrera de Bruckner.
El director
musical Christian Thielemann está en el centro de todas las miradas, tras haber
sido nombrado sustituto de Simon Rattle a partir de 2013 en el Festival de
Pascua de Salzburgo. Thielemann ha sido elegido el mejor director musical del
año, por encima de Muti y Claudio Abbado, por la revista Festspiele.Por su
parte, en 2010, Renée Fleming fue nombrada la cantante de ópera número uno por
el Salzburger Festspiele Magazin, el periódico oficial del festival. En 2008,
grabó un álbum de canciones y arias de Richard Strauss, con el mismo Christian
Thielemann, que fue aclamado por la crítica.
El programa
completo incluye:
Richard
Strauss:
5 Lieder,
Op. 39, TrV 189: No. 4. Befreit (version for voice and orchestra)
5 Lieder,
Op. 48, TrV 202: No. 5. Winterliebe (version for voice and orchestra)
3 Lieder,
Op. 29, TrV 172: No. 1. Traum durch die Dämmerung (arr. for voice and
orchestra)
Eine
Alpensinfonie (An Alpine Symphony), Op. 64, TrV 233
Hugo Wolf:
Gedichte
von Eduard Morike: No. 6. Er ist’s / No. 12. Verbogenheit / No. 16. Elfenlied
Gedichte
von J.W. v. Goethe: No. 9. Mignon (second version) / No. 29. Anakreons Grab
Anton
Bruckner:
Symphony No. 7 in E Major, WAB 107 (1885 original version, ed. R.
Haas)
El presente
concierto fue grabado en vivo en el Festival de Salzburgo, en Agosto del 2011
(Strauss) / y en Dresden, Septiembre del 2012 (Wolf, Strauss, Bruckner). El
concierto está magistralmente dirigido para la pantalla por Michael Beyer
(Salzburgo) y Henning Kasden (Dresden) y producido para la edición en blu-ray
por Janes Whitbourn. Ambos han puesto especial esfuerzo y creatividad para
brindar un concierto visualmente ágil y detallado, que nos lleva a través de
los músicos, el conductor y la soprano en un recorrido íntimo y perfecto que
nos permite vivir tanto la música como su ejecución de manera magistral. Cada
pequeño detalle, cada pequeño gesto es captado con increíbles detalles. Reneé
Fleming no sólo canta sino que interpreta actoralmente con excelencia y
commueve en cada una de sus canciones. La “Eine Alpensinfonie, Opus 64” es un
placer en sí mismo. Interpretada a la perfección por la Orquesta Filarmónica de
Viena en este homenaje no sólo a su autor, Richard Strauss sino a los Alpes
mismos y desde su mismo seno: Salzburgo. Y como si esto fuera poco, la Sinfonía
Nº 7 (WAB 107) de Anton Bruckner magistralmente interpretada. Qué más se puede
pedir?
CALIDAD DE
VIDEO:
Resolución
de Video:1080i/60
Codificación
de Video:MPEG-4 / AVC
Aspect
Ratio:1.77:1
Región: 0
(Todas)
La
tranferencia de video de esta edición en blu-ray es impecable brindando una
excelente calidad de imágenes que se traducen en una claridad de detalles
perfecta. Permite no sólo disfrutar del espectáculo sino vivir y sentir cada
emoción que se manifiesta sobre el escenario por parte de los protagonistas.
Cabe mencionar no sólo la expresividad de Renée Fleming sino incluso la energía
conductora del maestro Christian Thielemann
(y como
ejemplo tomemos el final de la “Eine Alpensinfonie, Opus 64”, donde podríamos
hasta contar las gotas de sudor sobre su rostro!)
CALIDAD DE
AUDIO:
Codificación
de Audio: Dos Canales: PCM 2.0 Estéreo &DTS-HD Master 5.1
Subtítulos:Inglés, Francés, Alemán & Español.
El canal
DTS-HD Master 5.1 nos da la posibilidad de escuchar las diferentes partituras
musicales y voz con una ecualización perfecta, que permiten disfrutar al máximo
los diferentes “tempos” y climas musicales del programa. La perfección de la
voz de la soprano Renée Fleming es captada en toda su integridad y matices, y
esto es fundamental ya que se trata de una de las intérpretes más importantes
de Strauss. El canal PCM 2.0 Estéreo, si bien más modesto en la ecualización,
brinda también una muy buena transferencia de audio para aquellos que no poseen
equipo de sonido. Esta es una edición en blu-ray para no perdernos y disfrutar
plenamente.
Naxos USA
lanzó al mercado americano un set de lujo compuesto por un libro y dos audio
CDs, “Charles Gounod – Cantates et musique sacrée”, perteneciente a la serie
“Prix de Rome” of the Palazzetto Bru Zane, de Ediciones Singulares. Es el
volúmen VI de esta serie. El libro de tapas duras es bilingue (inglés-francés)
y consta de 146 páginas. Los dos CDs de audio están interpretados por el Coro
de la Filarmónica Flamenca de la Radio de Bruselas, conducido por el maestro
Hervé Niquet, Gabrielle Philiponet, Chantal Santon-Jeffery, Judith van Wanroij,
Caroline Meng, Artavazd Sargsyan, Sébastien Droy, Yu Shao, Alexandre Duhamel y
Nicolas Courjal.
Charles
Gounod (1818- 1893), compositor polivalente e imaginativo es, sin duda, un ícono musical absolutamente representativo del romanticismo francés del siglo
XIX con todos sus componentes sociales y estéticos, que dio muestras de su
genio prácticamente en todos los campos, aunque nada puede igualar su éxito
con “Faust” y “Roméo et Juliette”. Gounod compitió en tres ocasiones en el
prestigioso Prix de Rome, entre 1837 y 1839. Como resultado de ello tenemos tres
cantatas inéditas para solistas y orquesta, incluyendo “Marie Stuart et Rizzio”
y “La Vendetta”, obras que el compositor nunca tuvo la oportunidad de de
escuchar en vivo sobre un escenario. Publicadas hoy por primera vez, estas tres
cantatas revelan a un joven Gounod ya totalmente consciente de los códigos
inherentes del Romanticismo y con un olfato muy fino a la hora de construir
personajes de corte operístico. Finalmente fue la partitura “Fernand” la que le
hizo alzarse con el codiciado premio, que conllevaba una estancia privilegiada
por tres años en la Villa Medici de Roma, donde residió hasta 1840.
Charles
Gounod
En ese
entorno Gounod dio a luz un buen número de piezas sacras, también desconocidas
por el gran público. Su espléndida “Messe vocale para coro sin acompañamiento
instrumental” cierra esta grabación, convirtiéndose en un ejemplo que ilustra a
la perfección hasta qué punto el compositor francés era capaz de reelaborar y
actualizar estilos de escritura en pro de un nuevo lenguaje expresivo. Gounod nace en
París, donde su madre le enseña a tocar el piano, y en la misma ciudad acude al
Conservatorio. Con 21 años gana el Gran Premio de Roma de 1839, donde queda
impresionado por la música de Palestrina en la Capilla Sixtina. A su vuelta,
pone en práctica su programa artístico para la música sacra. Más tarde ocupará
el cargo de director de Orpheón de Paris, entre 1852 y 1860. Su éxito llegará
con la ópera “Fausto” en 1859.
Su
influencia en otros compositores franceses como Bizet, Saint-Saëns y Jules
Massenet es indudable. Hasta el propio Debussy llegó a declararlo “necesario”
en cuanto a que su estética representó para aquella generación de franceses un
poderoso contrapeso ante el avasallador empuje wagneriano. Gounod compuso el
himno de la Ciudad del Vaticano. Se destacó tanto en su obra operística como en
la religiosa. De la primera producción sobresale su “Fausto” y de la religiosa
su inmortal “Ave María”, en esta última faceta se encuadra el himno. En lo
personal fue de gran religiosidad hasta el punto de querer convertirse en
sacerdote.
Curiosidades:
“Marche funebre d’une marionette” (Marcha fúnebre por una marioneta), fue
utilizada por el cineasta Alfred Hitchcock como tema musical de su programa
“Alfred Hitchcock Presenta”.
Este nuevo
álbum doble y libro, “Charles Gounod – Cantates et musique sacrée”, nos permite
disfrutar esta música religiosa a través de la impecable interpretación del Coro de
la Radio Flamenca, interpretando con extrema austeridad la Misa vocal, a cappella (acompañado sólo por un órgano). Las partituras con orquesta son
más obviamente atractivas y el “Christus factus” seduce inmediatamente con su
melodía más teatral y donde Judith Van Wanroij deleita una vez más. En el
“Himno Sagrado”, la mayor parte del texto se confía al solo barítono, un muy
convincente Alexandre Duhamel, precedido por el tenor Artavazd Sargsyan. Y la
misa de “Saint-Louis-des-Français” nos deleita con el hermoso timbre de voz de
Caroline Meng. “Charles Gounod – Cantates et musique sacrée”, de la serie “Prix
de Rome of the Palazzetto Bru Zane” (Ediciones Singulares) es un set
imperdible, una obra para coleccionistas exquisitos pero a un precio accesible
a todos. Es uno de esos pequeños lujos que no debemos eludir y que no puede
faltar en nuestra colección. Una edición imperdible!
Título:
“Charles Gounod – Cantates et musique sacrée" (2018)
Intérpretes:
Coro de la Filarmónica Flamenca de la Radio de Bruselas, conducido por el
maestro Hervé Niquet, Gabrielle Philiponet, Chantal Santon-Jeffery, Judith van
Wanroij, Caroline Meng, Artavazd Sargsyan, Sébastien Droy, Yu Shao, Alexandre
Duhamel y Nicolas Courjal.
Naxos USA
lanzó al mercado americano la edición en formato de audio CD “Piazzolla: Las
Cuatro Estaciones Porteñas – Ginastera: Estancia, Transcripciones para dos
clavicordios”, interpretado por el dúo Podeur-Bass y la participación del
cantante Didier Henry. Fue grabado por el estudio Maguelone. El dúo de
clavicordio formado por Mireille Podeur y Orlando Bass nos ha acostumbrado a
las sorpresas agradables. Basta recordar sus versiones de composiciones para
clave en concierto de Rameau (2013) y el Concerti Grossi, opus 6 de Handel
(2015). Estas interpretaciones formaban parte de la música del siglo XVIII y revelaron,
o nos permitieron encontrar, una particular ejecución de estas partituras bajo
una patina de renovación. En esta oportunidad estos talentosos músicos
reinciden, con una audacia singular, con composiciones de Piazzolla y
Ginastera, cuyos lenguajes son obviamente mucho más cercanos, contemporáneos.
Astor Piazzolla
Apenas transcurren los
primeros segundos de las Cuatro Estaciones Porteñas nos olvidamos del sonido del bandoneón
tan típico, aunque reconocemos los acentos del tango que impregna el trabajo de Piazzolla.
Los ritmos toman un impulso singular: las referencias permanentes al baile y
los guiños al barroco son pura felicidad. La alegría musical es permanente, luminosa,
con pasajes líricos y poéticos. Estamos ante una nueva lectura de Piazzolla que seduce, que nos invita a un
disfrute pleno, total. Menos popular, "Estancia" de Alberto
Ginastera, música de ballet, nos induce a transportarnos a las pampas
argentinas a través de su métrica irregular, baile febril y su búsqueda de armonías.
En él se entremezclan las melodías de sabor popular, la poesía y los ritmos
cautivantes en un universo que que se va revelando a través del clavicordio. Los
temas cantados por Didier Henry (Pampeano Triste y Nocturno), con un
acompañamiento excelente, traen una nota de la diversidad que es bienvenida.
Mireille
Podeur y Orlando Bass
Mireille
Podeur es una clavecinista barroca reconocida en todo el mundo por sus
numerosas intervenciones y creaciones, su enseñanza en los conservatorios de
Niza y Limoges, pero también a través de programas de radio. Estudió en el
Conservatorio Nacional de París, para luego perfeccionarse en Canadá y los
Estados Unidos. Orlando Bass pasó por el Conservatorio de Limoges y París antes
de unirse al Conservatorio de la misma ciudad atraído tanto por el piano, el
clavecín, la composición, la música contemporánea, la improvisación y el jazz.
El dúo de clavicordio Podeur & Bass ya ha grabado dos álbumes para el sello Maguelone.
Para esta
grabación se utilizaron dos clavicordios franceses (Marc Ducornet y Van Nagel)
y uno flamenco (Gérard Fonvielle). “Las Cuatro Estaciones Porteñas” de Astor
Piazzola, fueron compuestas originariamente para quinteto (violín, piano, guitarra eléctrica,
contrabajo, bandoneón). Tal vez son menos conocidas las obras de su
contemporáneo Alberto Ginastera, un poco más europeo, un poco menos
folklorizante. “Estancia” (una de sus partituras más conocidas), es un ballet
de cinco actos compuesto en 1941 para el American Ballet Caravan de George
Balanchine.
Alberto Ginastera
Para
realizar este proyecto discográfico, el dúo Podeur & Bass utilizó las
partituras originales para quinteto y las grabaciones de Piazzolla y
establecieron una línea general para la transcripción al clavicordio. Para Giastera en cambio,
trabajaron desde la partitura orquestal y la transcripción para piano. El
resultado es sorprendente. Esta grabación es un evento que no puede
pasar desapercibido. Ciertamente que el tango (Piazzolla) pierde aquí su
original y particular furia, violencia, impulso y deseo para ser refrenado,
moderado en esta nueva reinterpretación, pero ganando a su vez un brío
diferente, como una leve y agitada ternura que genera nuevos universos y una
relectura diferente a las acostumbradas sobre estas partituras. En “Piazzolla:
Las Cuatro Estaciones Porteñas – Ginastera: Estancia, Transcripciones para dos
clavicordios” de Mireille Podeur y Orlando Bass estamos frente a un mundo
conocido y, sin embargo, nunca escuchado, inaudito y de una belleza vigorosa.
Acompaña la grabación un cuidado booklet trilingüe (francés-inglés-español).
CULTURALMENTE RECOMENDABLE!
