Les Martin,
ayudante del sheriff, tiene que resolver en un pueblo fantasma el
asesinato
del propietario de una mina de oro que había descubierto que le estaban
robando. Martin se da cuenta de que las últimas palabras del difunto,
"bailando en el cubo", hacen referencia a los vagones del teleférico
que cruzan el cañón por medio de cables. Twilight Time lanzó al mercado
americano la edición en formato blu-ray de “Edge Of Eternity” (“Al Límite de la
Eternidad”), fim del año 1959 dirigido por Don Siegel y protagonizado por un
actor típico del cine de aventuras de esos años, Cornel Wilde, como un valiente ayudante de sheriff,
la australiana Victoria Shaw, Mickey Shaughnessy, Edgar Buchanan, Dabbs Greer y
uno de los grandes actores secundarios de la época: Jack Elam, siempre excelente
en sus papeles de villano (además de ser un excelente actor cómico).
“Edge Of
Eternity” es una película poco relevante dentro de la filmografía del
norteamericano Don Siegel. Recordemos que en los años ‘40s y ‘50s la totalidad
de los cineastas eran contratados por los estudios (en ocasiones casi obligados) para asumir proyectos que podían o no ser de su agrado, lo que no conducía necesariamente buenos resultados. Esta producción de la Columbia,
probablemente destinada a la experimentación con el CinemaScope, es no obstante una propuesta atractiva con algunos de los
elementos que años después se insertarían con más precisión en el mundo
temático del cine de Siegel.
Don Siegel
practicó un estilo directo, siempre centrado en la esencia del relato y un
ritmo enérgico e impactante que aprendió a modelar en la sala de montaje. En
1949, emprende una carrera de free-lance que lo llevó sucesivamente a la RKO, a
la Universal y a la Columbia. En 1956, realizó “Invasion of the Body
Snatchers”. Dirigió algunos de los filmes fundamentales de los denominados Clase B y fue un
renovador del cine policial de los años ‘60s y ‘70s. El éxito de crítica y de
público le permitió trabajar en proyectos más importantes con
actores como Lee Marvin, Steve McQueen, Richard Widmark y Clint Eastwood.
Realizó películas tan importantes como “Escape From Alcatraz” (1979), “Dirty
Harry” (1971), “Two Mules For Sister Sara” (1970) y “Riot On Cell Block 11
(1954), entre otras.
A qué se
refiere el título con lo de “eternidad”? El borde de la eternidad tiene que ver
con estar cerca de la muerte, o fugarse con un montón de oro a México, que es más o menos lo mismo. El precio puede ser
muy caro, hasta puede constituir la muerte misma. El film comienza con una
muerte en un desfiladero en los cañones del desierto de Mojave en Arizona. Tras
una fuerte pelea uno de los empleados de una empresa extractora de materiales
minerales, éste morirá al caer al vacío mientras pretendía acabar con un individuo que se encontraba en coche del cablecarril/telesférico. Esto producirá consecuencias en un poblado fantasma (antes minero) y provocará que
todo se revolucione en ese rocoso paisaje enmarcado por bordes cortantes y
senderos polvorientos.
El film se
centra en las investigaciones realizadas por Les Martin (Wilde) y
producidas a
partir de la muerte inicial, correlativa con otros dos asesinatos descriptos
impactantemente: uno de ellos muestra al asesinado colgado y con las manos
atadas a la espalda, la otra describe el apuñalamiento de la víctima desde el
punto de vista subjetivo del criminal. Junto a esto se encuentra el no
demasiado acabado retrato de un hombre viudo de mediana edad (el ayudante del
protagonista), quien se verá envuelto en una investigación que levantará la
rutina con la que se desarrolla su labor profesionaly en la que se cruzará con la bella Janice Kendon (Victoria Shaw), hija del propietario de la minera del
entorno de Arizona en donde se desarrolla la acción. A ese contexto se suman las
cercanas elecciones a sheriff que ponen en jaque al veterano Edwards (el siempre magnífico Edgar Buchanan), produciendo una investigación que
transcurrirá con altibajos.
“Edge Of
Eternity” se destaca más en lo puramente visual que en su escaso planteamiento
dramático, pero que aún así despliega en todo momento un atractivo que no
desentona de otras obras más importantes de su director. Grandiosamente
fotografiada en Cinemascope en pleno Gran Cañón de Colorado (hasta el punto de
que se abusa un poco de las escenas panorámicas, lo que atrasa un poco la
acción) por el dos veces ganador del Oscar ® Burnett Guffey. La ambientación de
pueblo minero abandonado en el Desierto de Mojave está muy bien lograda (casi
todo el film está filmado en exteriores). “Edge Of Eternity”es una correcta película de suspense con
buenas escenas de acción, algunas de ellas, las finales por ejemplo, casi
épicas.
CALIDAD DE
VIDEO:
Resolución
de Video:1080p / 60
Codificación
de Video: AVC / MPEG-4
Aspect
Ratio: 2.35:1
Zona: 0
(Todas)
La calidad
de transferencia de imagen en la presente edición en blu-ray de Twilight Time
es muy buena. Carece de impurezas o rayas propias de este tipo de material. La
cinematografía en Cinemascope pertenece a Burnett Guffey, luce espectacular y
permite resaltar cada detalle de los protagonistas así como también los
detalles de las fantásticas locaciones exteriores del Gran Cañón del Colorado e
interiores. Perfecto balance de negros. Guffey ganó dos premios Oscar ®, por
“Bonnie and Clide” (1967) y “From Hero to Eternity” (1953) y fue nominado al
premio de la Academia por los siguientes films: “Birdman Of Alcatraz”” (1962, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2014/12/birdman-from-alcatraz-blu-ray-review.html),
“The Harder They Fall” (1956) y “King Rat” (1965).
CALIDAD DE
AUDIO:
Codificación
de Audio: DTS-HD Master Audio 1.0
Idioma:
Inglés
Subtítulos:
Inglés
La
transferencia de audio es cuidada y se escucha muy bien a través del canal
DTS-HD Master Audio 2.0. Los diálogos son claros y la música compuesta por
Daniele Amfitheatrof acompaña la historia otorgando el clima justo a las
escenas. Amfitheatrof fue nominado al premio Oscar® de la Academia de Hollywood
por las bandas de sonido de “Song Of The South” (1946) y “Guest Wife” (1945. Es
un acierto por parte de Twilight Time incluirla en un track separado dentro de
los extras de esta edición en blu-ray.
EXTRAS:
Comentario
de Audio: a cargo de los historiadores cinematográficos C. Courtney Joyne y
Nick Redman
Banda
Sonora del Film, en track separado, DTS-HD Master Audio 2.0
Booklet con
notas sobre el film, escritas por Julie Kirgo
Nick Bianco
(Victor Mature) es un joven delincuente que es arrestado tras cometer un robo
en una joyería.Se le ofrece la
posibilidad de ser liberado si delata a sus compañeros pero tras rechazarlo
ingresa en prisión. Después de pasar tres años en la celda, se entera de que su
mujer se ha suicidado y que sus hijas se encuentran en un orfanato, por lo que
decide rehacer su vida de nuevo. Esta vez colaborará con la policía. Esto le
llevará a un enfrentamiento directo con un asesino psicópata, que va en su
busca para acabar con su vida.
Twilight
Time lanzó al mercado americano la edición en formato blu-ray de “Kiss Of
Death” (“El Beso de la Muerte”), film del año 1947 de Henry Hathaway, director
de “Niagara” (1953), “How The West Was Won (1963), “True Grit” (1969), “Garden
Of Evil” (1954, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2016/06/garden-of-evil-blu-ray-review.html),
entre otros. La película está basada en un relato de Eleazar Lipsky y el guión
pertenece a Ben Hecht y Charles Lederer.Está protagonizada por Victor Mature, Richard Widmark, Coleen Gray y
Brian Donlevy.
“Kiss Of
Death” fue rodada en escenarios naturales con el propósito de mostrar lo más
fielmente posible los hechos y situaciones descriptas. Este afan verista y
documental de Hathaway tiene una marcada influencia neorrealista, lo que
resulta comprensible si tenemos en cuenta la influencia que ejerció el neorrealismo italiano en Hollywood durante 1947 y explica la crudeza y realismo que
imprime el director en las situaciones y personajes del film. Hathaway muestra
de manera penetrante la psicología del criminal que desea apartarse del mundo
de la delincuencia para desarrollar una nueva vida al lado de su familia.
Hathaway
posee agudeza para mostrar las tensiones entre los personajes y para tratar
relaciones personales basadas en la angustia. Uno de estos personajes es el
delator, una de las figuras sobre las que se articula el relato, un relato que,
aunque pueda parecer sólo un cuento moralista sobre la redención (causado por el
amor paternal) a través del mecanismo de la delación, trata en realidad de
una delación nada cómoda, que deja en tan mal lugar al delator como a su
protector legal.
Victor
Mature ofrece una actuación convincente, aunque desprovista de histrionismo o
matices, ya que se trata de un actor bastante inexpresivo en todas sus
películas. Por otro lado, es excelente la interpretación que Richard Widmark
hace (en su debut cinematográfico) de Tommy Udo, el psicópata asesino, que le
valió una nominación al Oscar como Mejor Actor Secundario. Widmark crea uno de
esos personajes que estereotiparían este tipo de roles en el cine: el asesino
desequilibrado, desalmado, sanguinario y sádico, rol que veremos copiado
posteriormente por actores en films de toda procedencia, estilo y calidad.
Cargada de
tensión de principio a fin, “Kiss Of Death” alcanza su clímax en el esperado
último encuentro entre Nick y Udo, perfectamente concebido y una lección de
interpretación por parte de Widmark, quien más adelante demostraría su talento
y versatilidad encarnando todo tipo de papeles. Lo que subyace en el fondo del
film es una apología de la delación, pero cuenta a su favor con la doble
ventaja de disponer de uno de los personajes más brillantes de la galería del
cine negro y tratarse de un relato de suspenso elaborado con habilidad, en el
que Hathaway consiguió que lo malicioso de los detalles prevaleciera sobre el
moralismo del conjunto.
En “Kiss Of
Death” el fatalismo es clarísimo dada la construcción circular del film, que
comienza y termina con el mismo plano, creando un clímax irreversible y
trágico, mostrandola imposibilidad de
redención y de reinserción de su protagonista en una sociedad marcada por el
determinismo social y sus injusticias. Un film honesto y comprometido
ideológicamente, escéptico,desencantado
en su comprensión de la realidady
reacio a cualquier cliché comercial, tan habitual en los films de Hollywood.
CALIDAD DE
VIDEO:
Resolución
de Video:1080p / 60
Codificación
de Video: AVC / MPEG-4
Aspect
Ratio: 1.33:1
Zona: 0
(Todas)
La calidad
de transferencia de imagen en la presente edición en blu-ray de Twilight Time
es muy buena. Carece de impurezas o rayas propias de este tipo de material. La
cinematografía en blanco y negro pertenece a Norbert Brodine, luce espectacular
y permite resaltar cada detalle de los protagonistas así como también los
detalles de las locaciones e interiores. Perfecto balance de negros. Brodineg
fue nominado al Oscar por los siguientes films: “The Frogmen” (1951), “Lady of
The Tropics” (1939) y “Merrily We Live” (1938).
CALIDAD DE
AUDIO:
Codificación
de Audio: dos canales: DTS-HD Master Audio 2.0 & DTS-HD Master Audio 1.0
Idioma:
Inglés
Subtítulos:
Inglés
La transferencia
de audio es cuidada y se escucha muy bien tanto a través del canal DTS-HD
Master Audio 2.0 como del DTS-HD Master Audio 2.0. Los diálogos son claros y la
música compuesta por David Buttolph es excelente, no sólo acompaña la historia
sino que otorga el clima justo a las escenas. Buttolph es responsable de la
música de films como “Gun For Hire” (1942), “House Of Wax” (1953), y “The Horse
Soldiers” (1959), entre otros. Ha sido un acierto por parte de Twilight Time
incluirla en un track separado dentro de los extras de esta edición en blu-ray.
EXTRAS:
Comentario
de Audio: a cargo de los historiadores cinematográficos Julie Kirgo y Nick
Redman
Comentario
de Audio: a cargo de los historiadores cinematográficosJames Ursini y Alain Silver
Trailer
Original
Banda
Sonora del Film, en track separado, DTS-HD Master Audio 2.0
Booklet con
notas sobre el film, escritas por Julie Kirgo
Twilight
Time lanzó al mercado americano en formato blu-ray “Interiors” (“Interiores”),
film del año 1978 que constituyó un giro en la carrera de Woody Allen, dejando
la comedia a un lado y metiéndose de lleno en el melodrama en un claro
ejercicio fílmico que emula a su ídolo, el cineasta sueco Ingmar Bergman y con
una gran elenco femenino, como acostumbra el director.
La trama de
“Interiores” se desarrolla en el seno de una familia neoyorquina cuyos
miembros, gente intelectual e insegura, sufren intensamente debido a sus
respectivos conflictos existenciales. Eve (Geraldine Page), una exitosa y
perfeccionista decoradora de interiores y Arthur (E.G. Marshall), un abogado
adinerado que le debe todo a su esposa, conforman un matrimonio longevo que ha
procreado tres hijas ya adultas: Renata (Diane Keaton), una poetisa talentosa
que vive angustiada con la idea de la muerte; Joey (Mary Beth Hurt), la hija
más inteligente, consentida del padre pero herida por sus propias inseguridades
y el desafecto de la madre; y Flynn (Kristin Griffith), la actriz de la
familia, tan hermosa como vacía. Eve ama obsesiva y posesivamente a su marido,
pero comienza a tener problemas en su salud mental, lo que motiva la decisión
de Arthur de separarse, conllevando graves repercusiones en las relaciones
familiares. Todo esto conducirá a situaciones trágicas para algunos y la
oportunidad de un comienzo doloroso para otros.
Son
estupendas las actuaciones del trío de hermanas protagonistas: Diane Keaton,
Kristin Griffith y Mary Beth Hurt, pero sobre todo cabe destacar la interpretación
de Geraldine Page, fantástica actriz norteamericana, que compone el personaje
de la madre rechazada con mucha sensibilidad, registros y una
emotividad y dignidad que conmueve en cada plano. Woody Allen interviene en
este film como guionista y director. Se rodó en exteriores y escenarios reales
de New York (Southampton, Westchester, NYC) y en estudio, con un presupuesto de
sólo diez mil dólares. Fue nominado a cinco premios Oscar de la Academia de
Hollywood: Actriz Principal, Actriz Secundaria, Diseño de Arte, Director y
Guión Original.
“Interiors”
está fotografiada en gloriosos claroscuros por el maestro de la Gordon Willis
(fotógrafo principal de “The Godfather”), y carece de banda sonora
alguna salvo una melodía durante un baile después de una boda. Este
es un film muy existencialista, de sentimientos exacerbados, de muerte
omnipresente, donde la naturaleza adquiere sentimientos y toma parte en los
conflictos de los personajes, además de un tono de voz por parte de los
protagonistas que los hace hablar como si estuvieran en un confesionario.
El film es
un drama que explora la soledad y las frustraciones de una familia acomodada
que ha vivido profundamente marcada por la frialdad de la madre y la ausencia
de manifestaciones de cariño. Movidas por inseguridades, celos, resentimientos
y envidias, las tres hermanas dialogan sobre los temas que les preocupan.
Estamos ante una película con tintes tristes y dramáticos que aborda la
situación de una familia en crisis. Es también la historia de una madre que no
pierde la esperanza de reconciliarse algún día con su marido, esperanza que es
alimentada por una de las hijas y negada por otra. La película es estéticamente bella, con pocos exteriores y muchos interiores: interiores de hogares e
interiores humanos. Es un film lento, meditativo, lleno de grandes silencios y
reflexiones sobre la vida. Aborda el tema de los golpes inesperados que a veces
nos depara sorpresivamente la vida. El amor de su marido, que Eve lo tenía como
un valor seguro, eterno y sin riesgo de perderlo.... inesperádamente lo pierde.
“Interiors”
es básicamente una película de reflexiones y conversaciones entre mujeres,
entre hermanas con caracteres bien diferentes y entre éstas con su madre.
Reflexiones tristes, intensas y con mucha tensión contenida en sus diálogos.
Una catarsis emocional donde todos sus personajes tienen largas charlas en el
interior de las viviendas donde habitan, mientras la vida queda del lado de
afuera de sus grandes ventanas. “Interiors” es una aguda disección del
comportamiento humano, sumamente provocativa y que marcó un punto de inflexión
en el cine de Woody Allen.
CALIDAD DE
VIDEO:
Resolución
de Video:1080p
Codificación
de Video:AVC / MPEG-4
Aspect
Ratio: 1.85:1
La calidad
de transferencia de imagen en la presente edición en blu-ray de Twilight Time
es muy buena, con buen balance de colores y negros. Se observa la granosidad
original del celuloide y reproduce con fidelidad y exactitud la perfecta
cinematografía de Gordon Willis. Willis es el responsable de la cinematografía
de films como “Klute” (1971), “El Padrino I” (1972), “El Padrino II” (1974),
“Annie Hall” (1977), “Manhattan” (1979), “La Rosa Púrpura del Cairo” (1985) y
“El Padrino III” (1990), entre otras. Latransferencia de esta edición en blu-ray permite disfrutar de cada
pequeño detalle tanto de los interiores, escenografía y vestuario como así
también las locaciones.
CALIDAD DE
AUDIO:
Codificación
de Audio: DTS-HD Master Audio 1.0 (Mono)
Idioma:Inglés
Subtítulos:
Inglés
El canal
DTS-HD Master Audio 1.0 (Mono) provee impecable transferencia tanto de los
diálogos, brindando los tonos perfectos de los diálogos así como también
captando la “profundidad” de los silencios o los sonidos naturales de las
locaciones exteriores.
EXTRAS:
Trailer
Booklet:
con fotos, poster del film y ensayo a cargo de la historiadora cinematográfica
Julie Kirgo.
“Edge Of
Eternity” se destaca más en lo puramente visual que en su escaso planteamiento
dramático, pero que aún así despliega en todo momento un atractivo que no
desentona de otras obras más importantes de su director. Grandiosamente
fotografiada en Cinemascope en pleno Gran Cañón de Colorado (hasta el punto de
que se abusa un poco de las escenas panorámicas, lo que atrasa un poco la
acción) por el dos veces ganador del Oscar ® Burnett Guffey. La ambientación de
pueblo minero abandonado en el Desierto de Mojave está muy bien lograda (casi
todo el film está filmado en exteriores). “Edge Of Eternity” es una correcta película de suspense con
buenas escenas de acción, algunas de ellas, las finales por ejemplo, casi
épicas. 
