Tomas Tranströmer: Nobel de Literatura 2011

Por

Javier Mitchell

 

El Premio Nobel de Literatura 2011 fue para el candidato local. Fue otorgado al poeta sueco Tomas Tranströmer . Quizás sea controversial que la Academia Sueca entregue el premio a un sueco, pero hace 45 años que no sucede", reconocieron los encargados de entregar la distinción. "La Academia entrega el premio a Tranströmer porque a través de sus imágenes condensadas y translúcidas nos da un fresco acceso a la realidad", explicó el vocero de la institución en conferencia.

 "Uno nunca se siente pequeño tras leer la poesía de Tranströmer. Y es exquisito en el lenguaje", afirmó la Academia, tras aclarar que Tranströmer no realizará ningún discurso ya que su capacidad de habla está limitada por un paro que sufrió hace ya 20 años".

"Es un poeta, pero no es un escritor a tiempo completo y se ha dedicado a la psicología. Escribe poesía desde 1951 y tiene una producción muy pequeña, que se puede incluir en un solo libro de tamaño no muy grande. Escribe sobre grandes preguntas de la vida, como los recuerdos, la muerte, la vida.

Tranströmer nació en Estocolmo en 1931, hijo de un periodista y una maestra. Su vocación por la escritura comenzó ya desde adolescente, aunque su debut literario no tuvo lugar hasta los 23 años, en 1954, con el poemario "17 dikter" ("17 poemas"), escrito en su mayoría en verso libre.

Durante muchos años, combinó la escritura con su profesión como psicólogo, hasta que en 1990 sufrió una hemiplejía que lo dejó semiparalizado y por la que padece una pérdida progresiva de la capacidad de hablar (afasia).

Sin embargo, tres años más tarde regresó con la publicación de un breve volumen de memorias, "Minnera ser mig" ("Visión de la memoria"), que escribió gracias a la ayuda de su mujer. En 2006 salió a la luz una versión revisada con motivo de su 75 cumpleaños, y entre tanto ha publicado también varios poemarios, la mayoría siguiendo la métrica minimalista japonesa del haiku.

La obra de Tranströmer, que se caracteriza por la economía del lenguaje, la concreción y el uso de conmovedoras metáforas, ha sido traducida a unos 50 idiomas Entre sus libros más conocidos se encuentran "Para vivos y muertos", "El cielo a medio hacer" y "Gran enigma", "Postales negras", "El bosque en otoño", "Góndola fúnebre" y la antología "El cielo a medio hacer".

 El Nobel de Literatura está dotado de diez millones de coronas suecas (1,47 millones de dólares). La entrega del galardón tendrá lugar el próximo 10 de diciembre en Estocolmo, día en que se conmemora la muerte del fundador de los premios,

Si hubiera que empezar por alguno de sus libros, según la Academia, se recomienda leer "El cielo a medio hacer". Un poema proveniente de "El Cielo A Medio Hacer":

De Marzo Del '79

“Cansado de todos los que llegan con palabras, palabras, pero no lenguaje

parto hacia la isla cubierta de nieve.

Lo salvaje no tiene palabras.

¡Las páginas no escritas se ensanchan en todas direcciones!

Me encuentro con huellas de pezuñas de corzo en la nieve.

Lenguaje, pero no palabras.”

"Habemus Papam". Conversación con Nanni Moretti

Por Javier Mitchell

 Un Papa recientemente electo sufre de ataque de pánico ante el hecho de tener que aparecer en el balcon de San Pedro a saludar a los feligreses. Sus consejeros, imposibilitados de convencerlo que él es el hombre indicado para ser Papa, buscan ayuda en un reconocido psicoanalista, que es ateo. Nanni Moretti es el director de “Habemus Papam”, film ítalo-francés presentado en el Festival de Cannes y la Bienale de Venecia. 



Culturalmente Incorrecto habló con el director:

CI: Cómo nació la idea de este film?

NM: Junto a Federica Poltremoli y Francesco Piccolo comenzamos trabajando sobre diferentes ideas. Luego, después de un tiempo, decidimos desarrollar la historia de “Habemus Papam”. Hubo una escena sobre la que giró todo el desarrollo: un nuevo Papa electo que no puede afrontar el hecho de salir al balcón a saludar a sus feligreses.

CI: El film está construído en dos partes: algunas secuencias se focalizan en el confinamiento y otras en la libertad. Que existe detrás de este balance y simetría en su escritura?

NM: Queria mezclar comedia y drama en un solo film, mezclar el tono grotesco y el realista. El cónclave de los cardenales nace en nuestra imaginación pero hemos respetado los ritos y liturgias de un cónclave real. El Papa se escapa del Vaticano y se enfrenta con el mundo real en una ciudad donde se encuentra en situaciones con las que no se ha enfrentado en mucho tiempo. El caminar por Roma lleva a Melville (el Papa) y a la audiencia a hacerse ciertas preguntas. Mientras tanto el psicoanalista permanence en el Vaticano donde luego de sentirse desorientado comienza a sentirse cómodo.

CI: Qué piensa de los ataques que le han hecho últimamente?

NM: No han existido ataques contra el film en sí mismo, sólo algunos hechos aislados que no reflejan al mundo católico.

CI: Recibió Ud. Educación religiosa? Cree en Dios?

NM: Mis padres eran creyentes y recibí una educación católica, pero no me considero un creyente.

CI: Podemos aplicar el tema de este film al terreno politico?

NM: Yo he dado mi versión precisa de un mundo en particular, el del Vaticano, pero considero que muchos de los temas que trata el film y la angustia del protagonista podrían aplicarse a otros terrenos, pueden conmover a miembros de la audiencia que están bien lejos de los personajes que muestro.

CI: Cree Ud. que existe una relación entre la confesión del rito eclesiástico católico con la confesión del psicoanálisis?

NM: No creo que exista ninguna relación.

CI: Pudiéramos decir que Ud. es más critico del psicoanálisis que de la Iglesia?

NM: En mis films siempre me he tomado a broma a la izquierda política, a mi generación, a las relaciones entre padres e hijos, a mi medio social, a la escuela, al mundo del cine, en “Caro Diario” incluso me burlé del cáncer del que había sufrido veinte años antes. Entonces, creo, es simplemente justo tomarme a broma también al psicoanálisis.

CI: Cuál es la relación entre Melville, que rehúsa el rol al que se le ha asignado, y el actor, que desea interpreter todos los roles, incluyendo la dirección en “La Gaviota”, obra que representan en el film?

NM: Tiene uno que convertirse realmente en el intérprete de sí mismo, de las propias elecciones? A veces es difícil para mí teorizar acerca de mi trabajo.

CI: Por qué Chejov?

NM: Mientras escribíamos el guión queríamos que la obra de teatro fuera de un autor reconocible. Chejov era el autor que más se asemejaba a los sentimientos expresados en el film y a sus protagonistas.

CI: Qué parte de este film es autobiográfica?

NM: Como siempre, es el sentimiento detrás del film el que es autobiográfico. Pero si quieres ir más a fondo, hay una parte de mí en los dos personajes: tanto en el psicoanalista como en Melville, el Papa y su sentimiento de no estar a la altura del rol que se le ha asignado.

Cate Blanchett en “Tío Vanya”, de Anton Chéjov

Por

Javier Mitchell

A partir de hoy y hasta Agosto 27 del corriente, la ciudad de Washington tendrá el placer de recibir en el Kennedy Center a una de las actrices más talentosas de los últimos tiempos: la australiana Cate Blanchett. El Sydney Theatre Company (quien ya la había traído en el 2009 con gran  suceso en “Un Tranvía Llamado Deseo” de Tennesee Williams) presenta en esta oportunidad “Tío Vanya”, de Anton Chéjov.

En una dilapidada y remota granja, el Tío Vanya (Richard Roxburgh) y su sobrina Sonya (Hayley McElhinney) han trabajado incansablemente para mantener una propiedad en pleno deterioro. El Profesor Serebryakov (John Bell) y su mucho más joven esposa Yelena  (Cate Blanchett) vienen de visita provocando el caos en el lugar. Las constantes apariciones del carismático Astrov (Hugo Weaving –The Matrix Trilogy) tampoco ayudan nada. El almuerzo ya no se sirve a horario, ahora se demora hasta casi el atardecer, el trabajo se descuida y las frías noches se han tornado insomnes. De estas situaciones nacen tres apasionadas historias de amor, cada una de ellas condenadas a finalizar antes de que puedan florecer. Es en este clima de frustración y falsas expectativas que el Profesor Serebryakov decide anunciar un plan explosivo.

Dirigida por el húngaro Tamás Ascher y usando una adaptación de Andrew Upton, esposo de Blanchett en la vida real, “Tío Vanya” está ambientada usando ropa vagamente moderna pero la escenografía evoca el mundo caballeresco de la Rusia zarista antes del fin de siglo. El Daily Telegraph llama a “Tío Vanya” “Un triunfo teatral… Se respeta la intensidad de la escritura gloriosamente libre de Chéjov y al mismo tiempo se deleita en el humor a veces absurdo, a menudo brutal .... Cada una de las actuaciones son excelentes...”. Jason Blake, del Sydney Morning Herald llamó a  "la producción de una exploración clara, flexible y dinámica de declive terminal". En cuanto a Blanchett, el crítico escribió que "su forma de actuar el conjunto de sentimientos  contradictorios de Yelena es delicadamente gradual y divertida, caracterizada especialmente por el momento en que en silencio apunta una pistola imaginaria en la parte posterior de la cabeza de Serebriakov. Su escena de despedida con Astrov es una mini-clase magistral de actuación".  John McCallum, del Australian, describió a la producción como "excelente" y al elenco como "estelar". Sostiene que "Cate Blanchett y Hugo Weaving tienen una química maravillosa representando a las únicas dos personas en el mundo de este juego que pueden coincidir y considerarse iguales entre sí”.

Blanchett, que sigue haciendo malabares para compatibilizar su carrera cinematográfica con las responsabilidades teatrales (es actriz de raza), está programada para aparecer en la Sydney Theatre Company a finales del 2011 en una producción de Botho Strauss "Grande y Pequeño", dirigida por Luc Bondy.

Cate Blanchett y Andrew Upton, esposos en la vida real, son Co-Directores Artísticos del  Sydney Theatre Company.

Aballay, un western gauchesco.

Aballay Trailer from agvisual on Vimeo.
  Se acaba de estrenar en Argentina (06/23/2011) “Aballay”, un estilizado western gauchesco, dirigido por Fernando Espiner. La historia gira en torno al personaje que da nombre al film, un gaucho mal llevado, resentido, ladrón, asesino. Luego de matar salvajemente a un hombre, la mirada aterrorizada del hijo de su víctima le dio conciencia de su salvajismo, de su falta de humanidad. Y ese golpe llenó a Aballay de confusión, de horror por sí mismo.

 En ese estado, Aballay oyó hablar de los “estilitas”: gente que, para alejarse de la tierra en que ha pecado y acercarse a Dios, decidía hacer una particular penitencia: subirse a una columna, y no volver a bajarse de ahí por el resto de su vida. En el campo argentino del 1900 no había columnas. Entonces Aballay decidió no volver a bajar de su caballo. Pasan los años. Aballay cumple su promesa. No toca el suelo. No vuelve a asesinar, ni a robar. Hace rigurosa su penitencia. La gente empieza a hablar de “El Pobre”, de “El hombre-caballo”, y su imagen empieza a tomar ribetes legendarios. Se convierte, ante la mirada de la gente, en una especie de santo. Pero la mirada de ese niño no lo abandona, y él sabe que en cualquier momento lo va a buscar. Y lo va a encontrar.

Aballay es también un nuevo abordaje a la “gauchesca”, redescubriendo al gaucho como personaje, con la liturgia de sus armas, su relación con la ley y su íntima vinculación con el caballo, protagonista fundamental de la colonización. Aballay retoma un género con una tradición que, entre otros títulos, abarca "Nobleza Gaucha" (1915), primer éxito del cine Argentino; "Pampa bárbara" (1945), de Lucas Demare y Hugo Fregonese; y "Juan Moreira" (1973), de Leonardo Favio. La estética del western es en este caso muy acertada, ya que hay coincidencias geográficas y sociales entre la vida rural del lejano oeste norteamericano y la pampa sudamericana: grandes extensiones no conquistadas, hombres que viven a caballo y una ley ausente, que deja lugar al culto de las armas y la pelea; el relato agrega los componentes de la venganza y el duelo, que es una problemática propia del género humano, abordando así una temática de alcance global.

 

Las Locaciones:

Cuenta Fernando Spiner, el director: “Cuando conocimos Amaicha del Valle en la Provincia de Tucumán, hubo varias cosas que nos sedujeron de ese lugar. El hecho de que lloviera muy poco durante el año era un elemento importante para un film como el nuestro, donde abundan los exteriores. Los lugares que encontramos nos gustaban y se adecuaban a lo que buscábamos. La localidad de Amaicha contaba con la infraestructura necesaria para alojar a los setenta integrantes de nuestro equipo. En esa ocasión supimos que las tierras pertenecían a la Comunidad de los Indios Amaicha, poseedores de una cédula real de 1716 que se las adjudica.”

“Tuvimos el tino de pedirles su permiso para filmar allí, y ahí se nos abrió un nuevo universo. El primer encuentro fue entre el Cacique Eduardo Nieva y su Consejo de Ancianos, y el director de fotografía, la directora de arte, el director asistente, el productor ejecutivo y el director de la película. Muchas fueron las coincidencias, y el entusiasmo que provocó este encuentro hizo que nos llevaran a conocer lugares secretos de increible belleza, pero de muy difícil acceso. Hicimos un acuerdo para arreglar los caminos de acceso a esos lugares de manera que a ellos les permitiera explotarlos turísticamente en su pequeña escala, y a nosotros nos permitiera acceder con todos nuestros equipos.”

“En ese lugar construimos una pulpería que luego de la filmación se transformó en un centro cultural de la Comunidad Amaicha, llamado Aballay. Alquilamos sus caballos, aperos, y ranchos de adobe para el rodaje de la película, y muchos de ellos actuaron en la película como habitantes de “La Malaria”, “peregrinos de la procesión” y también como actores en la “banda de Aballay”. El indio de la película llamado Pastrana es el heredero del mítico Juan Pastrana que en 1872 viajó a caballo hasta Buenos Aires a pedir al poder ejecutivo nacional que interviniera para que los indígenas de Amaicha no fueran desalojados.”

“Al iniciar el film, la gente de la comunidad hizo una fiesta de la Pacha mama para bendecir la película. De ambos lados cumplimos con los acuerdos pactados, y disfrutamos de una vivencia cultural que nos enriquecía mutuamente. Al terminar la película sabíamos que esa experiencia sería inolvidable para todos. Las palabras del Cacique en su saludo de despedida fueron muy conmovedoras para nosotros. Nos dijo muy emocionado: “Después de esta experiencia, volvemos a creer en la palabra.”  El 27 de octubre de 2010, inaugurando el Festival de Cine de Tucumán, “Aballay” fue proyectado en la Plaza de Amaicha ante los habitantes del pueblo y los miembros de la Comunidad que participaron de la filmación, muchos de los cuales nunca vieron una película.”

Aballay (El cuento)

El cuento Aballay fue escrito en la época en que Antonio di Benedetto (1922-1986) (periodista y escritor nacido en Mendoza, Argentina) estaba preso por la dictadura militar, y luego publicado en el libro Absurdos, en 1978. Adelma Petroni, una escultora amiga del escritor, cuenta que, como no lo dejaban escribir, ideó un sistema para eludir la vigilancia. Le escribía cartas a ella, en las que ponía: “Anoche tuve un sueño muy lindo”, y a continuación redactaba un cuento en letra microscópica. De ahí salieron los cuentos de Absurdos, y gracias al adelanto que le diera el editor, una vez que salió de la cárcel pudo viajar por Europa, y luego instalarse en España.

En la crítica que hace el diario El País de España, en ocasión de la edición en el 2007 de una antología de Di Benedetto, el crítico E. Dobry anota: “Aballay -35 páginas que se leen con sorpresa indeclinable- (...) es la suma del Simeón de Buñuel y del Quijote, es el heredero de Martín Fierro, cruzado con el Sísifo de Camus”.

Julio Cortazar opinó sobre este cuento: “En ‘Aballay’, esta presencia desde el pasado se da como un juego óptico alucinante: el personaje se sitúa en el tiempo mental y místico de los estilitas, y el autor en el tiempo del personaje, la pampa argentina del siglo diecinueve. Un pasado próximo se hunde así en otro pasado remoto; de ese juego de ecos temporales nace, creo, la intensa reverberación de “Aballay”, su caracol ahondando en el oído del lector, una interminable teoría de retrocesos; y la gran maravilla es que se retrocede hacia delante, hacia cada uno de nosotros mismos con nuestras culpas y con nuestras muertes, con la esperanza de un rescate que hace del gaucho Aballay uno de tantos argentinos de hoy, de ahora”.

Por último, tras leer Aballay, Jorge Luis Borges le envió una carta a Di Benedetto, en la que decía: "Querido amigo: María Kodama me leyó su cuento en Madrid. Usted no se ha limitado a evitar victoriosamente los riesgos arqueológicos de una ficción que ocurre en otro tiempo. Usted ha escrito páginas esenciales que me han emocionado y que siguen emocionándome. Espero reanudar, aquí o en Europa, nuestro diálogo.”

Nuevo update Octubre 03, 2011: "Argentina presenta "Aballay" para los Oscars 2012":

http://www.culturalmenteincorrecto.com/p/noticias.html

Para más información, videos y fotos de la película visita su sitio oficial:

http://www.aballaypelicula.com.ar/ 

PREMIOS TONY 2011

Por 

Javier Mitchell

12 de junio de 2011. Nueva York fue nuevamente el escenario de la entrega de los premios a la labor teatral más importante de Estados Unidos: la ceremonia de entrega de la 65ª edición de los premios Tony, galardones concedidos por The Broadway League y American Theatre Wing, que reconocen el trabajo de los profesionales de la pasada temporada teatral en Broadway. Este año la gala de entrega tuvo lugar , por primera vez, en el Beacon Theatre de Broadway. THE BOOK OF MORMON y THE SCOTTSBORO BOYS eran los espectáculos que habían recibido más nominaciones en esta edición, con 14 y 12 candidaturas respectivamente. Otros de los musicales más nominados han sido los revivals de ANYTHING GOES, con nueve nominaciones; y de HOW TO SUCCEED IN BUSINESS WITHOUT REALLY TRYING, con ocho.

Poco antes de el comienzo de la ceremonia de los premios principales, Laura Benanti (WOMAN ON THE VERGE) y Katie Finneran (PROMISES,PROMISES) presentaron los Creative Arts Tony Awards, en una gala previa en la que se han anunciado los ganadores de estas categorías creativas. 



THE BOOK OF MORMON, el nuevo musical escrito por Trey Parker y Matt Stone (creadores de ‘South Park’) junto con Robert Lopez (co-creador y compositor de AVENUE Q), obtuvieron los cinco primeros premios de la noche: Mejores Orquestaciones (Larry Hochman y Stephen Oremus), Mejor Partitura Original (Trey Parker, Robert Lopez y Matt Stone), Mejor Diseño de Sonido en un Musical (Brian Ronan), Mejor Diseño de Escenografía (Scott Pask) y Mejor Diseño de Iluminación (Brian MacDevitt). 

El revival de ANYTHING GOES, otro de los favoritos de la noche, se ha alzado con el galardón a la Mejor Coreografía, para Kathleen Marshall, que ha logrado así el tercer Tony de su carrera; y PRISCILLA QUEEN OF THE DESERT THE MUSICAL ha recogido el Tony al Mejor Diseño de Vestuario (Tim Chappel y Lizzy Gardiner).



Neil Patrick Harris, presentador de esta edición de los Tony, inició la velada con el número de apertura escrito para la ocasión "Not Just For Gays Anymore", saludando a los invitados, entre ellos Brooke Shields y Bobby Cannavale.

Tras entregarse el premio a la Mejor Actriz de Reparto de una Obra de Texto, que ha sido para Ellen Barkin por ‘The Normal Heart’, Matthew Broderick y Finches Robert Morse presentaron el segundo número musical de la noche: Daniel Radcliffe y el elenco de HOW TO SUCCEED IN BUSINESS WITHOUT REALLY TRYING, revival que contaba con ocho nominaciones, interpretando magistralmente el tema "Brotherhood of Man".

Luego de una breve intervención de John Leguizamo y de la entrega del Tony al Mejor Actor de Reparto en una Obra de Texto, que ha sido para John Benjamin Hickey por ‘The Normal Heart’, tuvo  lugar una nueva actuación musical: Aaron Tveit y Norbert Leo Butz interpretaron un fragmento de CATCH ME IF YOU CAN, nuevo musical que contaba con cuatro nominaciones, en una interpretación por momentos fascinante.



David Hyde Pearce presentó luego el Tony a la Mejor Dirección de un Musical, que recayó en Casey Nicholaw y Trey Parker por THE BOOK OF MORMON. Nicholaw agradeció el galardón a su compañero Trey Parker, "Gracias por el maravilloso tiempo que he pasado contigo"; y también a todo el equipo técnico y artístico del espectáculo. Acto seguido tuvo lugar la actuación del segundo musical más nominado de esta edición, THE SCOTTSBORO BOYS de Kander y Ebb, musical que tan sólo realizó 78 funciones en el Lyceum Theatre de Broadway a finales de 2010. El elenco interpretó el tema "Commencing in Chattanooga".

Harry Connick Jr presentó el Tony a la Mejor Actriz de Reparto en un Musical, que fue para Nikki M. James por el personaje de Nabulungi en THE BOOK OF MORMON. La joven actriz, visiblemente emocionada y nerviosa, afirmó que no se esperaba este premio en el que competía con artistas consagradas como Patti Lupone o Laura Benanti. Tras este galardón, Andrew Rannells cantó el tema "I Believe" de THE BOOK OF MORMON, que es una canción mediocre y reflejo de este nuevo Broadway que odia importar musicales del West End inglés pero estea a siglos de componer verdaderos “standarts”.

Uno de los mejores momentos de la noche fue el que Neil Patrick Harris y Hugh Jackman -presentador de anteriores ediciones de los Tony- mantuvieron una divertida "pelea musical” en el escenario sobre quién presenta mejor la gala utilizando populares melodías del género con las letras adaptadas para la ocasión.

Brooke Shields, que próximamente se incorporará al elenco de THE ADDAMS FAMILY en Broadway fue “silenciada” por decir malas palabras al aire y  presentó el premio al Mejor Actor de Reparto en un Musical que fue para John Larroquette por HOW TO SUCCEED IN BUSINESS WITHOUT REALLY TRYING, revival que ha conseguido así su primer premio de la noche. Larroquette agradeció el Tony a los productores del musical "que dieron vida a este espectáculo,  y al director Rob Ashford por su talento y visión", así como a todo el elenco, en especial a Daniel Radcliffe, ya que gracias a él se venden entradas al espectáculo (“…si no fuera por él, ahora estaría viendo los Tonys en calzoncillos en mi casa…”).



A continuación, e inaugurando, a mi entender, peligrosa tendencia, Bono y The Edge, miembros de la banda irlandesa U2 y compositores del malogrado musical SPIDER-MAN TURN OFF THE DARK, hicieron una especie de promo del musical, bromeando sobre la polémica que lo rodea tras varios meses de funciones previas, accidentes, posibles cancelaciones y su próximo estreno el 14 de junio, presentando la olvidable canción "If The World Should End" interpretado por Reeve Carney y Jennifer Damiano.
Todo este segmento olió a promoción decarada en torno a salvar una inversión millonaria al borde del colapso.

Un rato más tarde, 
Robin Williams entregó el octavo galardón a THE BOOK OF MORMON, Tony al Mejor Libreto de un Musical, Luego, Whoopi Godlberg  apareció en escena para presentar la siguiente actuación, a cargo de la "increíblemente talentosa Patina Miller", según palabras de la actriz y productora, y del resto del elenco de SISTER ACT, que han cantado uno de los mejores temas de la noche, "Raise Your Voice".

Y después de la entrega del Tony al Mejor Revival de una Obra de Texto que fue para ‘The Normal Heart’, tuvo lugar otra promoción impensable años atrás, del musical triunfador del pasado año, MEMPHIS, interpretando un fragmento del espectáculo que obtuvo cuatro premios Tony en el 2010.
Perdón? Los Tony Awards están realizando publicidad tipo “integración de producto” 
ahora? Recortan la presentación de premios “no tan importantes” que dejan fuera del aire para hacer promociones pagas…?

Joel Grey presentó la actuación del segundo musical nominado al Mejor Revival: ANYTHING GOES, que acumulaba un total de nueve nominaciones. Una Sutton Foster técnicamente perfecta pero carente de emoción y el elenco del espectáculo interpretaron la canción clásica que da nombre al musical de Cole Porter, "Anything Goes". Un gran número, pero que me hizo añorar la versión de Patti LuPone de 1987 en el Lincoln Center y en la ceremonia de los Tonys de ese año.

Después de un nuevo intervalo, Vanessa Redgrave y James Earl Jones recibieron la aclamación del público al presentar un año resumido en obras teatrales. La compañía que protagonizó los conciertos de COMPANY el pasado mes de abril en el Lincoln Center de Nueva York, liderada por el mismo Neil Patrick Harris, interpretaron el tema "Side By Side".

Kelsey Grammer, uno de los protagonistas en Broadway del reciente revival de LA CAGE AUX FOLLES presentó el Tony al Mejor Revival de un Musical, al que tan sólo estaban nominados este año dos espectáculos: HOW TO SUCCEED IN BUSINESS y ANYTHING GOES. Éste último fue  el ganador, y el productor Todd Haimesagradeció el galardón a la Roundabout Theater Company, al "brillante elenco encabezado por el legendario Joel Grey, a la magnífica Sutton Foster" y a todos los que han hecho posible esta producción.



Daniel Radcliffe (Harry Potter)  presentó el Tony a la Mejor Actríz en una Obra de Texto (que que recayó en una  Frances McDormand despeinada y vestida como para ir al Walmart, por ‘Good People) y a la Mejor Actriz en un Musical. Este premio fue para Sutton Foster por ANYTHING GOES, para quien éste es su segundo Tony tras haberlo conseguido en el 2002 por THOROUGHLY MODER MILLIE, agradeciendo el galardón a sus compañeros de reparto, a sus profesores y a su marido.

Tras el emotivo discurso de Sutton Foster, presenciamos uno de los grandes papelones de la noche: el músico canadiense Paul Shaffer (director de la banda de Letterman, de la cadena que emitía los premios) apareció en escena para presentar uno de los temas compuestos por él varios años atrás y que ahora forma parte de la banda sonora de un "juke-box" musical. Se trata de la popular canción "It´s Raining Man" que ha sido interpretada por el elenco de PRISCILLA QUEEN OF THE DESERT THE MUSICAL.

La actriz galardonada con el Tony a la Mejor Actriz en un Musical el pasado año, una impecable Catherine Zeta-Jones presentó el Tony al Mejor Actor en una Obra de Texto (Mark Rylance por ‘Jerusalem’) y al Mejor Actor en un Musical que ha sido para Norbert Leo Butz por CATCH ME IF YOU CAN, musical que consiguió así su primer Tony de la noche. Chris Rock fue  el encargado de otorgar el Tony al Mejor Nuevo Musical que también ganó THE BOOK OF MORMON.



La 65ª edición de los premios Tony finalizó con Neil Patrick Harris interpretando un rap (es que también en el teatro hay que rendirle pleitesía a esta música? Este es el target de la gente que paga 120 dólares para ver un show?) que resumió humorísticamente toda la ceremonia.

Rossie O’Donnell: te extrañamos.

Sin ninguna duda, el nuevo musical THE BOOK OF MORMON ha sido el gran triunfador de estos Tony al conseguir un total de nueve galardones. Tras él se sitúa el revival de ANYTHING GOES producido por la Roundabout Theater Company, con tres premios. El listado completo de ganadores de la 65ª edición de los premios Tony es el siguiente (los ganadores en negrita):


Mejor Musical


THE BOOK OF MORMON


CATCH ME IF YOU CAN


THE SCOTTSBORO BOYS


SISTER ACT



Mejor Libreto de un Musical

Alex Timbers , BLOODY BLOODY ANDREW JACKSON


Trey Parker, Robert Lopez y  Matt Stone, THE BOOK OF MORMON


David Thompson, THE SCOTTSBORO BOYS


Cheri Steinkellner, Bill Steinkellner y Douglas Carter Beane, SISTER ACT

Mejor Partitura Original (Música y/o letras) escrita para teatro

Trey Parker, Robert Lopez y Matt Stone (Música y Letras), THE BOOK OF MORMON


John Kander y Fred Ebb (Música y Letras), THE SCOTTSBORO BOYS


Alan Menken (Música) y Glenn Slater (Letras), SISTER ACT


David Yazbek (Música y Letras), WOMEN ON THE VERGE OF A NERVOUS BREAKDOWN



Mejor Revival de un Musical

ANYTHING GOES


HOW TO SUCCEED IN BUSINESS WITHOUT REALLY TRYING



Mejor Actuación de un Actor Principal en un Musical

Norbert Leo Butz, CATCH ME IF YOU CAN


Josh Gad, THE BOOK OF MORMON
J

oshua Henry, THE SCOTTSBORO BOYS


Andrew Rannells, THE BOOK OF MORMON


Tony Sheldon, PRISCILLA QUEEN OF THE DESERT



Mejor Actuación de una Actriz Principal en un Musical

Sutton Foster, ANYTHING GOES


Beth Leavel, BABY IT´S YOU!


Patina Miller, SISTER ACT


Donna Murphy, THE PEOPLE IN THE PICTURE



Mejor Actuación de un Actor de Reparto en un Musical


Colman Domingo, THE SCOTTSBORO BOYS


Adam Godley, ANYTHING GOES


John Larroquette, HOW TO SUCCEED IN BUSINESS WITHOUT REALLY TRYING


Forrest McClendon, THE SCOTTSBORO BOYS


Rory O´Malley, THE BOOK OF MORMON



Mejor Actuación de una Actriz de Reparto en un Musical

Laura Benanti, WOMEN ON THE VERGE OF A NERVOUS BREAKDOWN


Tammy Blanchard, HOW TO SUCCEED IN BUSINESS WITHOUT REALLY TRYING


Victoria Clark, SISTER ACT


Nikki M. James, THE BOOK OF MORMON


Patti LuPone, WOMEN ON THE VERGE OF A NERVOUS BREAKDOWN



Mejor Dirección de un Musical

Rob Ashford, HOW TO SUCCEED IN BUSINESS WITHOUT REALLY TRYING


Kathleen Marshall, ANYTHING GOES


Casey Nicholaw y Trey Parker, THE BOOK OF MORMON


Susan Stroman, THE SCOTTSBORO BOYS



Mejor Coreografía

Rob Ashford, HOW TO SUCCEED IN BUSINESS WITHOUT REALLY TRYING


Kathleen Marshall, ANYTHING GOES


Casey Nicholaw, THE BOOK OF MORMON


Susan Stroman, THE SCOTTSBORO BOYS


Mejores Orquestaciones


Doug Besterman, HOW TO SUCCEED IN BUSINESS WITHOUT REALLY TRYING


Larry Hochman, THE SCOTTSBORO BOYS


Larry Hochman y Stephen Oremus, THE BOOK OF MORMON


Marc Shaiman & Larry Blank, CATCH ME IF YOU CAN



Mejor Diseño de Escenografía de un Musical


Beowulf Boritt, THE SCOTTSBORO BOYS


Derek McLane, ANYTHING GOES


Scott Pask, THE BOOK OF MORMON


Donyale Werle, BLOODY BLOODY ANDREW JACKSON



Mejor Diseño de Vestuario de un Musical


Tim Chappel & Lizzy Gardiner, PRISCILLA QUEEN OF THE DESERT


Martin Pakledinaz, ANYTHING GOES


Ann Roth, THE BOOK OF MORMON

Catherine Zuber, HOW TO SUCCEED IN BUSINESS WITHOUT REALLY TRYING



Mejor Diseño de Iluminación de un Musical


Ken Billington, THE SCOTTSBORO BOYS


Howell Binkley, HOW TO SUCCEED IN BUSINESS WITHOUT REALLY TRYING


Peter Kaczorowski, ANYTHING GOES


Brian MacDevitt, THE BOOK OF MORMON



Mejor Diseño de Sonido de un Musical

Peter Hylenski, THE SCOTTSBORO BOYS


Steve Canyon Kennedy, CATCH ME IF YOU CAN


Brian Ronan, ANYTHING GOES


Brian Ronan, THE BOOK OF MORMON

"PINA 3D": Entrevista a Wim Wenders

Por Javier Mitchell

 Culturalmente Incorrecto entrevista al cineasta alemán Wim Wenders en ocasión del estreno europeo de su documental "Pina", homenaje en 3D a la bailarina y coreógrafa Pina Bausch. Los que conocen a Pina Bausch y su trabajo, se reencontrarán, en “PINA”, de Wim Wenders, con la coreógrafa fallecida en 2009. Para los que no, “Pina” será un descubrimiento. O mejor, un viaje iniciático.

CI: Ud. Ha experimentado una de las peores cosas que le puede pasar a una película, la muerte de su protagonista. Como influyó esto en el desarrollo del proyecto?

WW: Pina Bausch era mucho más que la protagonista. Ella era la razón de hacer este film. Estábamos en el medio de las preparaciones , justo antes de los tests en 3D con el equipo en Wippertal, cuando nos enteramos de la muerte repentina de Pina. Si, en ese momento paramos todo, parecía no tener sentido continuar con el proyecto. Después de todo, Pina y yo habíamos soñado esta película durante veinte años. Yo se lo había sugerido a mediados de los años ochenta, hacer una película sobre danza, pero no sabía cómo hacerla,  aún habiendo estudiado muchas películas sobre ballet. Hasta que en el 2007 ví la nueva tecnología del 3D Digital. Fué entonces que llamé a Pina, desde la misma sala cinematográfica y le dije: “Ya se cómo!”. No tuve que agregar nada más, ella entendió.

CI: Y comenzaron inmediatamente?

WW: Tomó un poco de tiempo. Si bien la tecnología estaba OK para las películas de animación, los movimientos humanos no quedaban perfectos. Comenzamos a planear el film recién en el 2009 ya que antes era técnicamente imposible. E inmediatamente Pina murió y yo cancelé el todo el proyecto. Después de todo, todo el film estaba escrito con y para Pina. Queríamos filmarla en los ensayos, en los tours con su compañía… ella en su propio reino. Semanas después, los  bailarines de la la compañía nos dijeron: “Estamos por comenzar los ensayos de las selecciones que tú y Pina eligieron para filmar y que haremos en el show. Uds. Deben filmar esto! No pueden dejarnos solos!” Y tenían razón, después de todo, Pina estaba ahí todavía en su propio trabajo! Así que recomenzamos todo con el anhelo de poder filmar en 3D al menos  "Café Müller", "Le Sacre du Printemps" y "Vollmond".

CI: Y había alguna filmación con Pina?

WW: No, nunca filmamos nada juntos. Ella murió el 30 de junio; y recién dos días después teníamos nuestra cita con el equipo de 3D para hacer pruebas de ella con sus bailarines. Nunca tuve oportunidad de tenerla frente a una cámara 3D. Mi esposa Donata le sacó algunas fotos, pero eso es todo. No obstante, Pina está omnipresente en toda la película.

CI: Ud. Se coloca por tercera vez al frente del desarrollo tecnológico. Primero con “Hammett” junto al estudio electrónico de Coppola, luego con “Buena Vista Club Social”, su primer film digital en alta definición. Es esta brecha tecnológica  la más radical de todas?

WW: Oh sí! “Buena Vista Club Social” fue el primer documental totalmente digital estrenado en cines, pero para mi, desde el punto de vista estético y metodológico no significó ningún cambio radical excepto el hecho que es imposible filmar música acústica en 16 mm o 35 mm ya que las cámaras hacen demasiado ruido. La tecnología nos dio alas pero no era fundamentalmente un método diferente de trabajo.

CI: Por qué trabajar hoy en 3D significa para Ud. un gran adelanto?

WW: Estuve entusiasmado desde el primer fotograma que filmé. Podríamos decir que esta tecnología comenzó con el pie izquierdo. Sólo conocíamos extravaganzas de animación o generadas por computadoras en 3D. Películas filmadas en escenarios reales no existían. Creo que el futuro de esta tecnología no reside justamente en el tipo de films fantásticos en que se la usa estos días. Lo mismo pasó con el film digital: primero se lo usó en publicidad, luego para segmentos de efectos especiales en films americanos que podían costearlo. En ese momento nadie sabía que el formato digital iba a reinventar al film documental y salvarlo. Creo que algo similar va a pasar con la tecnología 3D. Una vez que logre establecerse y aparezcan cámaras más livianas y baratas, y esto es sólo una cuestión de tiempo, creará todo una nueva aproximación al cine basado en la realidad.

                                                                                              
El filme recorre los míticos Café Müller o la Consagración de la Primavera, dentro y fuera del teatro fundado por Bausch, en Wuppertal, y les extrae en formato tridimensional toda la fuerza generada desde la aparente fragilidad extrema de la coreógrafa. Los ojos que todo lo veían y taladraban, incluso cuando los tenía cerrados, son parte del espectáculo, grabado con dos cámaras por Wenders. Una de ellas, en una grúa en formato dinosaurio”, explicó el realizador- y convertido en documental en tres dimensiones.

Es un homenaje a la coreógrafa, a la ciudad de Wuppertal y, por extensión, a la colindante Cuenca del Ruhr, la nada coqueta región minera alemana, cuna de algunos de los talentos innovadores del país, como Bausch, Wenders y el cineasta y dramaturgo Christoph Schlingensief, muerto el pasado año de cáncer. “Wuppertal estaba en una situación inusual: lucía el sol, lo que no suele ocurrir. Una buena manera de presentarla al mundo”, ironizó el director, respecto a las partes del filme rodadas en sus calles. Wenders conmovió en la pasada edición de la Berlinale con un filme que repasa los cuerpos permanentemente expuestos a caer exhaustos de Pina y los suyos. Ya ha sido estrenada en algunos países europeos.

 100 min, Digital 3D

Dirigida por: Wim Wenders

Coreografía: Pina Bausch
Productorr: Gian-Piero Ringel
Stereografía: Alain Derobe
Supervisor de 3D: François Garnier
Consultores Artísticos: Peter Pabst, Dominique Mercy, Robert Sturm

Co-Productores: Claudie Ossard, Chris Bolzli
Productor de 3D: Erwin M. Schmidt
Productor Ejecutivo: Jeremy Thomas
Edición: Wolfgang Bergmann, Dieter Schneider, Gabriele Heuser
Producida por: Neue Road Movies (Berlin)
Co-producida por: Eurowide (Paris)

IEn colaboración conel  Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, ZDF,
ZDF theaterkanal y ARTE