THE GREETS, banda de rock and roll argentina, ha sido seleccionada entre las diez finalistas del certamen “Battle Of The Bands” organizado a nivel mundial por el “Hard Rock Café”. Los ganadores compartirán el escenario junto Bon Jovi, Rod Steward y Stevie Nicks entre otros. Integrada por Rodrigo Castiñeira (teclados y voz), Gonzalo Castiñeira (bajo y voz), Facundo De Rosa (guitarra y voz) y Matías Sabagh (batería y coros), la banda realiza su primera presentación oficial en mayo de 2001 en The Cavern Buenos Aires con motivo de la preselección de la Primera Semana Beatle de Latinoamérica, obteniendo gran repercusión debido a la edad de sus integrantes (un promedio entre 10 y 14 años). A partir de allí comienzan a participar intensamente del circuito musical como banda beatle, actuando en diferentes teatros y pubs. Ese mismo año comparten escenario con el prestigioso cantante y compositor Lito Nebbia y meses más tarde se presentan como banda soporte de Attaque 77.
En diciembre de 2008, The Greets queda elegida como la Mejor Banda Beatle De Latinoamérica, en el marco de la 8va. Beatle Week realizada en The Cavern Club Bs. As, siendo también premiado Gonzalo como “Mejor Bajista” del certamen. Dicha mención los lleva a realizar una serie de 10 conciertos en la Beatle Week 2009 de Liverpool, destacándose los shows en el Mathew Street Festival ante miles de personas y en la mítica caverna donde tocaron los mismos Beatles y legendarios artistas como Queen, Pink Floyd, Elton John, The Who, Jimi Hendrix, entre otros. “…fueron 10 shows en 6 días!!! En los cuales recibimos una devolución del público muy efusiva. Nos gritaban "we want more", incluso los ingleses llegaron a gritar "Argentina, Argentina…"A partir del éxito conseguido en la famosa ciudad portuaria, la banda comienza una gira europea que incluye las ciudades de Madrid, Barcelona, Roma, París e Ibiza.
Actualmente THE GREETS se encuentra presentando el espectáculo internacional "The Sixties Today" (Los sesenta hoy), un recorrido por la música de aquella década a partir de una estética personal y moderna. En dicho show repasan la vasta obra de The Beatles, The Beach Boys, Rolling Stones, The Kinks entre otros artistas, e incorporan las composiciones originales del grupo. Un nuevo CD composiciones de su propia autoría, las cuales saldrán al mercado a mediados de 2011, en el marco de la gira "Beautiful World Tour". Para escuchar estas canciones, así como ver videos e información de la banda y sus shows visita:
Desde el 11 al 22 de Mayo del 2011 se llevará a cabo, como todos los años el Festival de Cannes. El Festival Internacional de Cine fue creado por iniciativa de Jean Zay, ministro de al Educación Pública y Bellas Artes, que deseaba implantar en Francia un evento cultural internacional capaz de rivalizar con la Mostra de Venecia.
Faye Dunaway es la estrella del nuevo poster del Festival de Cannes 2011 (fotografía tomada por Jerry Schatzberg en 1970)
Organizado en primera instancia en 1939 bajo la presidencia de Louis Lumière, no fue finalmente hasta un año después del final de la guerra, el 20 de septiembre de 1946, cuando tuvo lugar en Cannes la primera edición del Festival. Se celebró anualmente en septiembre (excepto en 1948 y 1950) antes de trasladarse al mes de mayo a partir de 1952. El Festival de Cannes, una asociación regida por la ley francesa de 1901 y gestionada por un Consejo de Administración, fue reconocido como de utilidad pública en 1972.
Si bien las primeras ediciones del Festival lo convirtieron en un evento mundano durante el cual casi todas las películas recibían un premio, la llegada de estrellas de todo el mundo a sus escaleras y su mediatización siempre en aumento contribuyeron a forjar rápidamente un renombre internacional y legendario. En los años 50, el Festival ganó en popularidad gracias a la presencia de celebridades como Kirk Douglas, Sophia Loren, Grace Kelly, Brigitte Bardot, Cary Grant, Romy Schneider, Alain Delon, Simone Signoret, Gina Lollobrigida.
Cary Grant y Kim Novak en una fiesta en Cannes. Mayo 1959
Sofia Loren y Grace Kelly, Cannes
Concedida por primera vez en 1955 a la película Marty de Delbert Mann, la Palme D’or sucedió al Grand Prix que se entregaba hasta entonces a la mejor película en Competición.“El objetivo del Festival es fomentar el desarrollo del arte cinematográfico bajo todas sus formas y crear y mantener un espíritu de colaboración entre todos los países productores de películas” (extracto del reglamento, 1948).
En los años 60, al margen de la Sección oficial, nacieron dos secciones independientes: la Semaine Internationales de la Critique (Semana Internacional de la Crítica) en 1962 y la Quinzaine des Realizateurs (Quincena de Realizadores) en 1969. Hasta 1972, las películas que podían acceder a la selección eran designadas por su país de origen. A partir de esa fecha, el Festival afirmó su independencia convirtiéndose en el único responsable de decidir sobre la Selección oficial de las películas.
En 1978, Gilles Jacob fue nombrado Delegado General. Ese mismo año, creó la sección Un Certain Regard (Una Cierta Mirada) y el premio de la Caméra d’Or, que recompensa la mejor película novel, incluyendo todas las secciones. La Clase Magistral fue inaugurada en 1991 por Francesco Rosi. Prestigiosos directores se sucedieron para ofrecer un repaso de su trayectoria como artistas y su visión del cine. Basándose en el mismo principio, la primera Clase de Música tuvo lugar en 2003 con Incola Piovani y la primera Clase de Interpretación lo hizo en 2004 con Max Von Sydow.
En 1997, con ocasión de la Ceremonia del 50e aniversario del Festival de Cannes, los directores más importantes del mundo se reunieron en el escenario para conceder la Palme de Palmes a Ingmar Bergman.
Ingmar Bergman, Ingrid Thulin, Kari Sylwan en el Festival de Cannes
En 1998, Gilles Jacob creó la Cinéfondation, una selección de cortometrajes y mediometrajes de escuelas de cine de todo el mundo. La entidad se desarrolló en 2000 con la inauguración de la Résidence, donde jóvenes directores acuden para llevar a buen puerto la escritura de su guión. Y más adelante, en 2005, con el Atelier, que ayuda a una veintena de directores al año a encontrar financiación para su película.
Proyectadas en el marco de retrospectivas temáticas hasta 2004, a partir de esa fecha las obras del patrimonio se presentan en Cannes Classics, una selección que reúne las copias restauradas, los homenajes a las cinematografías y los documentales sobre el cine. En 2007, para celebrar los 60 años del Festival de Cannes, se invitó a 33 de los más destacados directores de todo el mundo a participar en la película aniversario Chacun son cinéma (A Cada Uno Su Cine), dirigiendo cada uno en 3 minutos un cortometraje sobre el tema de la sala de cine.
Desde 2010, la nueva entidad Cannes Court Métrage reúne en una dinámica complementaria la Competición de los cortometrajes y el Short Film Corner para ofrecer un panorama completo de la creación mundial en formato corto.
Con la creación de su Marché du Film en 1959, el Festival adquirió una dimensión profesional que explotó para fomentar los encuentros y los intercambios entre los diferentes miembros de la industria cinematográfica. En concreto, en 2004, lanzó el Producers Network, que permite a los productores de todo el mundo compartir sus puntos de vista sobre sus proyectos. En sus inicios, el Marché solo atraía a unas cuantas decenas de participantes y sólo disponía de una sala de proyección. Actualmente, 10.000 compradores y vendedores de todo el mundo se reúnen anualmente en Cannes, lo que lo convierte en el primer mercado profesional mundial.
Inaugurado en el año 2000, el Village International, el escaparate de las cinematografías internacionales, recibió entonces a 12 países y ocupó 14 pabellones. Diez años más tarde, recibe a 50 países en 58 pabellones organizados en torno al Palais Des Festivals.
En 2000, los miembros del Consejo de Administración nombraron a Gilles Jacob como Presidente del Festival. Sucedió a Pierre Viot, que ocupaba ese puesto desde 1985 en sustitución de Robert Favre-Le Bret. De 2001 a 2005, Gilles Jacob fue respaldado en su puesto por Véronique Cayla, Directora General, y por Thierry Frémaux, Director Artístico. En julio de 2007, el Consejo de Administración nombró a Thierry Frémaux como Delegado General del Festival.
La 83ra. entrega de los premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood se desarrolló con una previsibilidad asombrosa. Fue una noche sin sorpresas, sin demasiados lujos visuales y como siempre, haciendo justicia en algunos casos y regalando también un puñado de decepciones.
La 83rd Annual Academy Awards® televisada por la ABC Television Network desde el Kodak Theatre en Hollywood
El Discurso Del Rey fue la gran ganadora de la 83º Edición de los Oscar®. Aún sin ser una obra maestra era lo mejorcito de un puñado de films en su mayoría mediocres, salvo raras excepciones, quedándose con los rubros más importantes: Mejor Película, Mejor Guión Original (David Seidler), Mejor Director (Tom Hoope) y Mejor Actor (un Colin Firth magnífico que merecía desde hace tiempo este reconocimiento).
Colin Firth
Los presentadores de este año, en este desesperado intento de Hollywood de acercarse a las audiencias más jóvenes, estuvo a cargo de James Franco y Anne Hathaway, que abrieron el show con un montaje de las películas nominadas en una parodia de Inception. Frescos, talentosos y divertidos trataron de llevar a cabo la difícil tarea de conducir unos de los eventos más mirados del mundo y sobrellevar, una vez más, pésimos scripts. Uno creería que siendo Hollywood (en teoría y dejando de lado a Bollywood) la industria más poderosa del cine mundial debiera a su vez tener los mejores escritores… pues no: año a año nos muestra que los textos del evento siguen siendo el costado más débil del show.
Una correcta y relativamente sobria escenografía y tecnología digital bien aplicada dieron marco a esta constelación de estrellas y starletts que pisaron el escenario para entregar los premios Oscar® en su mayoría de manera monótona. El único consuelo es que al menos los premios más importantes no recayeron (como amenazaban) en un film mediocre como “La Red Social”, que está más cerca de la película de TV que del cine y que no aporta nada más que una cronología de hechos y retratos de personajes que son menos importantes que los productos que crearon. Para ese tipo de conocimiento no hace falta ir al cine sino a Google.
El ganador del Oscar (por “Crazy Heart”) Jeff Bridges fue el encargado de presentar la categoría de Mejor Actriz Protagónica en la que se consagró como triunfadora Natalie Portman por su interpretación en “Cisne Negro” (Black Swan”). Aunque Portman brindó una estupenda interpretación esto no dejó de provocar cierta decepción ya que la elección de Annette Bening hubiera sido más justa. Su actuación en “The Kids Are All Right” es excepcionalmente profunda, llena de matices aunque más minimalista y sutil que la de Portman. Esto provoca que sea más difícil de percibir por el gran público pero apreciada como una clase de actuación por los profesionales. Fue doloroso ver la cara de Benning en la pantalla al escuchar que “otra vez” no se lo concedían.
Annette Bening sonriente, minutos antes de recibir la mala noticia.
La gala intento nuevamente a apelar a la emotividad a través de flash backs al pasado de Hollywood. Efectos virtuales, la invitación a una gloria del cine como Kirk Douglas para entregar un premio, la aparición de Billy Cristal (que desde 2004 no volvía al escenario de los Oscar®), un (casi) lastimoso homenaje a Lena Horne a cargo de Halle Berry y Celine Dion cantando mientras proyectaban la imagen de los profesionales desaparecidos este año no llegaron a conmover como en años anteriores.
Celine Dion Halle Berry
No hubo discursos que toquen el corazón de la audiencia, tampoco ninguna apelación política salvo la de Charles Ferguson (ganador de Mejor Largometraje Documental), que comenzó diciendo: “Perdónenme, pero debo decir esto: a tres años de esta horrible crisis financiera causada por fraude masivo, aún ni un solo ejecutivo financiero ha ido a la cárcel y eso está muy mal”. Excepto esto último todo el resto fue como algo quirúrgicamente desinfectado. Coloquial, fresco, un poco monótono y apto para todo público. No en vano Godard rehusó viajar a Hollywood a recibir ese Oscar® "casi" consuelo que le fue entregado. Y si los discursos sobre el escenario fueron aburridos no quieran saber lo que fueron las respuestas a la prensa debajo del escenario: entenderían muy bien por que muchos actores son premiados por recitar textos de otras personas!
Charles Ferguson y Audrey Marrs, ganadores al Mejor Documental de Largometraje por “Inside Job”, posan backstage con Oprah Winfrey
En lo personal sigo sin entender cómo “La Red Social” ganó el Oscar® al Mejor Guión Adaptado, Banda Sonora y Edición. “Alicia En El País De Las Maravillas” ganó con justicia Dirección de Arte y Vestuario e “Inception” se llevó casi todos los rubros técnicos, como Cinematografía, Efectos Especiales, Edición y Mezcla de Sonido. Y tampoco puedo explicarme aún por qué una película como “Shutter Island” de Martin Scorsese careció de toda nominación, excepto el hecho que su productora Phoenix Pictures produjo también “Black Swan” y decidió invertir los cinco millones (mínimo) que cuesta una campaña al Oscar a esta ultima (“Shutter Island” además ya termino su recorrido comercial y en el mercado de dvd y blu-ray).
En la categoría de Mejor Canción no había grandes trabajos, y la única (a excepción de “Tangled”) que merecía ser nominada, Cher’s “You Haven't Seen The Last Of Me” (de “Burlesque” y ganadora del Golden Globe) fue misteriosamente omitida. El resto fueron canciones sumamente olvidables y el Oscar® recayó en Randy Newman por “We Belong Together” de “Toy Story 3”.
Alan Menken, Zachary Levi y Mandy Moore cantando la canción nominada de "Tangled"
Hubo un tiempo cuando la ceremonia de la entrega de los Premios Oscar® de la Academia era el evento del año, visualmente insuperable, divertido, emotivo e imperdible para los amantes del cine. Hoy todo eso ha cambiado. Quizás se deba al paso del tiempo, a los grandes cambios tecnológicos que hacen que ya nada nos sorprenda o simplemente a la falta de originalidad. Si Hollywood continua priorizando la cuestión demográfica al arte, si en lugar de premiar los verdaderos logros cinematográficos esta preocupado por venderle a los adolescentes mas entradas, si ya no importa el contenido del film sino la cantidad de minutos de efectos especiales, entonces, una vez más, para poder apreciar ceremonias de entregas de premios al cine de calidad tendremos que poner nuestra mirada en Festival de Cannes o en la Berlinale. Una vez más.
Steven Spielberg posa backstage para los medios junto a Iain Canning, Emile Sherman y Gareth Unwin, ganadores del Oscar® a la Mejor Película del Año por “The King's Speech,” producida por Iain Canning, Emile Sherman y Gareth Unwin.
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Cuando los Premios de la Academia se entregaron por primera vez el 16 de mayo de 1929, recién comenzaban a aparecer las películas sonoras. Esa primera ceremonia tuvo lugar durante un banquete de la Academia realizado en la Sala Blossom del Hotel Hollywood Roosevelt. Asistieron 270 invitados y los boletos costaron $5. Fue un banquete extenso y lleno de discursos, pero la entrega de las estatuillas fue llevada a cabo rápidamente por el Presidente de la Academia, Douglas Fairbanks.
El suspenso que en la actualidad se siente en la mayor parte del mundo en el momento de la entrega de los Oscars®, no siempre fue una característica de esta ceremonia de entrega de Premios. En el primer año, los beneficiarios fueron anunciados al público tres meses antes de la ceremonia. En la década siguiente, los resultados se entregaban por adelantado a los periódicos para ser publicados la noche de la entrega a las 11 p.m. Pero en 1940, con gran consternación de la Academia, Los Angeles Times rompió el acuerdo y anunció a los ganadores en su edición de la tarde, que ya estaba disponible para los invitados que arribaban a la ceremonia. En consecuencia, al año siguiente la Academia adoptó el sistema de los sobres sellados, que sigue en vigencia en la actualidad.
Desde sus comienzos, los Premios de la Academia han generado gran interés, si bien no se llegaba hasta el extremo del delirio actual. La primera entrega fue la única que no contó con el público de los medios; en el segundo año, el entusiasmo por los Premios era tal, que una estación de radio de Los Angeles realizó una transmisión del evento de una hora en directo. De ahí en adelante, la ceremonia siempre ha tenido cobertura mediática.
Durante 15 años las entregas de los Premios de la Academia se realizaron durante banquetes, en los hoteles Ambassador y Biltmore, después de la primera entrega en el Hollywood Roosevelt. La costumbre de entregar las estatuillas durante un banquete fue interrumpida luego de los Premios de 1942. El aumento de la asistencia del público y la guerra hicieron que los banquetes resultaran poco prácticos y, a partir de ese año, las ceremonias han sido organizadas en teatros. La 16ta entrega de los Premios fue realizada en el Teatro Chino de Grauman. Tuvo la cobertura de una red radial por primera vez y transmitida al exterior para las tropas estadounidenses. Los premios permanecieron tres años en el Teatro Chino de Grauman y luego se trasladaron al Auditorio Cívico Shrine. Dos años después, en marzo de 1949, se realizó la vigésimo primera ceremonia de entrega en el propio teatro de la Academia, el Teatro de la Avenida Melrose. Durante los 11 años siguientes, la entrega anual de los Premios de la Academia se realizó en el Teatro RKO Pantages, de Hollywood. Fue allí donde, el 19 de marzo de 1953, la entrega de los Premios de la Academia fue televisada por primera vez. La red de radio y televisión NBC transmitió la 25ta Ceremonia de Entrega de los Oscars en vivo desde Hollywood, con Bob Hope como maestro de ceremonias y desde el NBC International Theatre, en Nueva York, con Fredric March a cargo de las presentaciones.
En 1961 la entrega de Premios se trasladó al Auditorio Cívico de Santa Monica y cambió de emisoras, comenzando un período de 10 años a cargo de la red de TV ABC. En 1966, los Oscars® fueron emitidos por primera vez a color. Desde 1971 hasta 1975, la cadena de TV NBC estuvo a cargo de la transmisión de los Premios. ABC ha emitido el espectáculo desde 1976 y, por contrato, lo continuará haciendo hasta el año 2014.
El 14 de abril de 1969, la cuadragésimo primera ceremonia de los Premios de la Academia se trasladó al Pabellón Dorothy Chandler del Centro de Música del Condado de Los Angeles. Fue el primer evento de gran envergadura para este centro cultural ahora famoso en todo el mundo.
Los Premios continuaron en el Centro de Música hasta 1987, y luego las ceremonias volvieron al Auditorio Shrine para su sexagésima y sexagésimo primera entrega. Durante doce años, el evento alternó sus sedes: la 62da, 64ta, 65ta, 66ta, 68va y 71ra entregas se realizaron en el Centro de Música; mientras que la 63ra, 67ma, 69na, 70ma, 72da y 73ra entregas tuvieron lugar en el Shrine. Desde 2002, la entrega de los Premios de la Academia se ha realizado en el Teatro Kodak de Hollywood y Highland Center® de Hollywood.
El primer año se entregaron 15 estatuillas (todas recibidas por hombres excepto para la categoría de Mejor Actriz, que ganó Janet Gaynor), pero el segundo año la cantidad se redujo a siete estatuillas, dos por Actuación y el resto a Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Guión, Mejor Cinematografía y Mejor Dirección de Arte. Desde ese entonces, el número de categorías ha crecido en forma lenta pero constante.
Desde el comienzo se reconoció la necesidad de entregar premios especiales más allá de las categorías clásicas. Dos fueron otorgados en el año 1927/28: uno para Warner Bros. por la producción de la innovadora primera película sonora, “The Jazz Singer”, y el otro a Charles Chaplin, por la Producción, Dirección, Guión e Interpretación en “The Circus”.
En 1934, se agregaron tres nuevas categorías regulares: Mejor Edición, Mejor Banda Sonora y Mejor Canción. Ese año además fue testigo de una campaña vocal para que se incluyera a la no nominada Bette Davis por su actuación en “Of Human Bondage” entre las nominadas a Mejor Actriz, que hizo que la Academia aceptara agregados para la votación final. Dos años después, esta práctica fue específicamente desautorizada en las reglas de la Academia.
La compañía Price Waterhouse firmó un contrato con la Academia en 1934 y, desde entonces, ha trabajado para tabular los resultados y asegurar su confidencialidad. La votación de la 82da entrega será tabulada por PricewaterhouseCoopers, nombre que adoptó la compañía en 1998.
En 1936, se entregaron por primera vez los Premios para las categorías de Mejor Actriz de Reparto y Mejor Actor de Reparto. Los honores fueron para Walter Brennan por su actuación en “Come and Get It” y para Gale Sondergaard por “Anthony Adverse”.
En 1937, se hizo la primera entrega del Premio Honorífico Irving G. Thalberg y lo recibió Darryl F. Zanuk.
En 1939 se agregó el Premio de la Academia a los Efectos Especiales y los primeros en recibirlo fueron Fred Sersen y E. H. Hansen de 20th Century-Fox por “The Rains Came”. En 1963, la categoría de Efectos Especiales se dividió en dos: Efectos de Sonido y Efectos Visuales, ya que los mejores efectos de sonido y los mejores efectos visuales no necesariamente provenían de la misma película.
En 1941, apareció por primera vez en la votación la categoría Documental. En 1947, incluso antes de que aumentara el interés del resto del mundo en las ceremonias de los Oscars a través de la televisión, la Academia insertó países de habla no inglesa en el terreno del reconocimiento de los Oscar. Ese año, la película italiana “Shoe-Shine” fue la primera en ser galardonada con el premio a la mejor película en idioma extranjero. Antes de que la categoría Mejor Película Extranjera se convirtiera en una categoría anual en 1956, se entregaron siete premios especiales más. En 1948 la Academia colocó en la votación la categoría Mejor Diseño de Vestuario. En 1956 se hace entrega por primera vez del Premio Humanitario Jean Hersholt a Y. Frank Freeman. El premio regular a Mejor Maquillaje y el premio Gordon E. Sawyer por Contribuciones Tecnológicas se establecieron en 1981. En el año 2001 se agregó una nueva categoría: Mejor Película Animada.
En sólo tres circunstancias la Presentación de los Premios de la Academia no se pudo realizar según lo programado. La primera fue en 1938, cuando terribles inundaciones arrasaron con Los Angeles y demoraron la ceremonia una semana. En 1968, la ceremonia planeada para el 8 de abril se postergó hasta el 10 de abril por respeto al Dr. Martin Luther King Jr., quien había sido asesinado unos días antes y cuyo funeral se llevó a cabo el 9 de abril. En 1981, la entrega se postergó 24 horas a causa del intento de asesinato del Presidente Ronald Reagan.
En el año 2003, luego de que las fuerzas armadas estadounidenses invadieran Irak el jueves previo a la transmisión, el espectáculo siguió adelante, pero la alfombra roja se redujo al área que se encuentra inmediatamente frente de la entrada del teatro, se eliminaron las gradas de la alfombra roja y la mayoría de la prensa del mundo no pudo fotografiar ni entrevistar a los invitados a medida que llegaban. En 2004, la alfombra volvió con toda su maravilla y encanto.
La asistencia a la entrega de los Premios de la Academia es sólo por invitación. No se venden entradas al público.
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Baterías que se “mueren” a los 18 meses de ser estrenadas, impresoras que se bloquean al llegar a un número determinado de impresiones, bombillas que se funden a las mil horas (cuando podrían durar más de cien años). ¿Por qué, pese a los avances tecnológicos, los productos de consumo duran cada vez menos?
Por cortesía de la 2 de Televisión Española y RTVE Culturalmente Incorrecto presenta integralmente (por tiempo limitado: 15 días) "Comprar, tirar, comprar" un documental que nos revela el secretode la obsolescencia programada: "Esta práctica empresarial se ha convertido en la base de la economía moderna, a pesar de las terribles consecuencias medioambientales de un sistema que genera toneladas de residuos inútilmente", asegura la directora del documental, Cosima Dannoritzer. El documental tuvo su estreno mundial por el Canal 2 de Televisión Española el 01/09/2011.
Rodado en Cataluña, Francia, Alemania, Estados Unidos y Ghana, “Comprar, Tirar, Comprar” hace un recorrido por la historia de una práctica empresarial que consiste en la reducción deliberada de la vida de un producto para incrementar su consumo porque, como ya publicaba en 1928 una influyente revista de publicidad norteamericana, "un artículo que no se desgasta es una tragedia para los negocios".
El documental, dirigido por Cosima Dannoritzer y coproducido por Televisión Española, es el resultado de tres años de investigación, hace uso de imágenes de archivo poco conocidas, aporta pruebas documentales y muestra las desastrosas consecuencias medioambientales que se derivan de esta práctica. También presenta diversos ejemplos del espíritu de resistencia que está creciendo entre los consumidores, se recuperan voces como la de Thomas Edison y Brooke Stevens y recoge el análisis y la opinión de economistas, diseñadores e intelectuales que proponen vías alternativas para salvar economía y medio ambiente. Un documental imperdible. Duración: 52:16".
FICHA TÉCNICA
Producción: MEDIA 3.14 / ARTICLE Z
En coproducción con: ARTE FRANCE / TELEVISIÓN ESPAÑOLA / TELEVISIÓ DE CATALUNYA
En colaboración con: NRK (Noruega) / RTBF (Bélgica) / SBS-TV (Australia) / TG4 (Irlanda) / Television Suisse Romando (Suiza) / YLE (Finlandia)
Cosima Dannoritzer, Directora.
Culturalmente Incorrecto desea agradecer nuevamente a RTVE (Radio y Televisión Española) por permitirnos difundir el presente documental.
"En algún momento tenemos que optar entre ser uno mismo o ser lo que los demás quieren que seamos. Y esa decisión es cruel."
Javier Mitchell entrevista a Gabriel Molinelli, actor y director argentino. Como actor ha participado en cine en los siguientes films: Nueve Reinas, Plata Quemada, Pyme, Dos amigos y un ladrón, Amigos de la Infancia, Solo un Ángel, El sur de una pasión. En teatro: Cartas a Moreno (Jorge Goldenberg), Moockimpott (Peter Weiss), Calígula (Albert Camus), Cuerpos, El viejo Criado (Roberto Cossa), Un tranvía Llamado Deseo (Tennessee Williams), Secretos para ser contados después de la muerte. En teatro dirigió, entre otras: Noches Blancas (Dostoievski), La dama del Perrito (Chejov), Pedido De Mano Y Un Trágico Pesar (Chejov), La cantante Calva (Ionesco), Secretos para ser contados después de la muerte. Filmó aproximadamente cincuenta comerciales para tv. y la misma cantidad para radio. Radicado en la ciudad de Buenos Aires.
CI: Tu curriculum como actor y director demuestra una trayectoria muy seria en la elección de proyectos. Cuán difícil es para un artista independiente hoy llevar a cabo este tipo de elecciones frente a un público cada vez mas mediatizado con contenidos superficiales?
GM:Creo que uno debe elegir lo que uno quiere, en el momento en que se le ocurre, después las dificultades se irán disolviendo sobre la marcha. De alguna manera, no fue muy diferente la decisión de ser actor, partiendo del interior de Córdoba. En la apuesta al deseo hay algo de rebeldía en el sentido de que no todo lo que uno quiere es lo que teóricamente se puede. Uno tiene que querer lo que uno quiere y después, de las dificultades, de los imposibles, nos encargaremos en algún momento. Hay además un compromiso con mi crecimiento, puedo elegir proyectos de los que formo parte como un profesional, que va a dar todo de si. Y hay otros proyectos en los que participo desde la gestación misma. Así como Coppola es un artista independiente, la independencia trae dificultades a cualquier nivel y en cualquier lugar.
CI: ¿Cómo evolucionó tu mirada como director? ¿Fue este proceso conflictivo con respecto a tu labor actoral?
GM: En algún momento pensé en dejar de actuar. También es cierto que el trabajo del director es mucho más estresante. Pero cuando volví a actuar después de un tiempo de dirigir solamente, me di cuenta que estaba muchísimo mejor. Creo que en mi caso la docencia, la actuación y la dirección forman parte de un todo, que se retroalimentan. En las clases, hago una reflexión constante, acerca de los mecanismos que como seres humanos usamos y que son indispensables a la hora de actuar. Me preocupa fundamentalmente, que los alumnos puedan usar su experiencia en la actuación. No es tan sencillo. Cuando actúo en cine, en general, disfruto bastante, ahí me siento como pez en el agua y me encanta, actuar en cine es lo más parecido a ser otra vez un niño irresponsable. Llegas, te dan la ropa, la letra y por un rato, te olvidás del mundo, por ese otro mundo imaginario. En teatro es un poco mas engorroso por el proceso de ensayos, pero me divierte porque confío, conozco la clase de actor que soy, entonces trato de aliarme con los mecanismos que me sacan a flote, y me hacen sentir vivo. Como director, sufro; apenas dirigí diez obras y a veces siento la responsabilidad del todo de manera inquietante. Pero todo lo que tenga que ver con el teatro, incluida la dramaturgia me interesa (escribí y dirigí algunas obras, en el 2011 voy a reestrenar “ Esposos & Esposas” ) y también la música, que es una asignatura pendiente pero que ocupa gran parte de mi tiempo libre, a veces escuchando, a veces componiendo algunas canciones.
CI: Estas dirigiendo “Casa de Muñecas”, de Ibsen, una obra estrenada en 1879, pero también has dirigido obras de Chejov, Dostoievski… Por que consideras que es importante poner en escena este tipo de obras de teatro clásicas? Es necesario un proceso de adaptación de contemporaneidad para atrapar la atención de la audiencia o consideras que los textos de estos clásicos son lo suficientemente atemporales y universales? Crees que se menosprecia a veces el intelecto de la audiencia?
GM: El teatro clásico tiene obras extraordinarias, entre ellas “ Casa de Muñecas“. Nora podría haber sido cualquiera de nosotros. Cualquiera de nosotros que en algún momento de su vida tuvo que optar entre ser uno mismo, o ser lo que los demás quieren que seamos. Y esa decisión es cruel, abiertamente cruel en determinadas épocas. Pensemos en la forma que Oscar Wilde pagó su homosexualidad. Ibsen es un genio, Chejov también, sus obras aún hoy laten con mayor veracidad que muchos pastiches contemporáneos. El tema es encontrar su vibración, porque no están muertas para nada, y me dan mucha risa los que creen que los que hacen teatro del siglo diecinueve están pasados, o no tienen nada que decir. El tema es encontrar ese latido y si, definitivamente, en Casa de muñecas (la versión que yo hago), el personaje es Norita es argentina, es morocha y la obra esta ambientada en los años cincuenta, no porque crea que ha perdido vigencia, sino porque a pesar de ser grandes textos, no los respeto tanto, he quitado escenas, y cambiado cosas sin dañar la estructura que es monumental. Porque por empezar, no sé demasiado cómo se vive en Noruega, ni me interesa reconstruir eso. Pero si sé que aquí, debe haber habido Noras, y traté de meterme en esa historia, también por el paralelismo con la vida personal de una de las actrices, y así terminó esta versión que estamos dando los viernes en el teatro La tertulia.
Creo que los artistas tienen que formarse y preocuparse por que ese proceso sea un continuo. Si lo único que hay para mostrar es algo que existe solo en términos de redituabilidad monetaria, es malo y no lleva a nada, ni a pensar, ni a una pequeña experiencia de vida, la proliferación de productos vacíos y un estilo de vida divorciado del compromiso de los valores, está dando como resultado un ser humano ya descripto por Ionesco o por Camus. Un personaje que ya no es personaje, porque no desea. Entonces es un hombre sin conflicto, como si ser un hombre sin conflicto sea algo que lleva a la felicidad, más bien creo que lleva a algo muy parecido a la nada. De eso me espanto, cuando encuentro gente en mis talleres, ansiosa por aprender a actuar en no más que en tres lecciones, o sin ningún entusiasmo por nada.
CI: Como fue tu experiencia de trabajar junto a Imanol Arias en Calígula, de Albert Camus?
GM: Muy buena, Imanol es un actor con mucha experiencia, generoso, muy talentoso, inteligente. Hicimos muchas funciones y resultó ser un muy buen compañero.
CI: Se dice comúnmente que uno puede calificar el nivel cultural de un país o una ciudad respecto a la extensión de su cartelera teatral. Según estos parámetros la oferta teatral de Buenos Aires es a veces incluso mayor a la de New York. Qué opinas al respecto?
GM: Lamentablemente no veo todo el teatro que quisiera, pero he visto cosas muy buenas, regulares, buenas y muy malas. Creo que Buenos Aires es un fenómeno especial. Hay salas, hay actores, los directores y los dramaturgos no llegaron al nivel de los actores, pero es una suerte vivir en una ciudad como Buenos Aires. Y hay de todo, y todo movimiento teatral, necesita de todo para reproducirse y crecer.
CI: En cine has participado en películas de gran éxito internacional, como “Nueve Reinas” y “Plata Quemada”. Como repercutió esto en tu carrera profesional?
GM: En “ Plata Quemada “ mi participación fue demasiado breve, pero en “Nueve Reinas “, además del gusto de trabajar con Fabian Bielinsky y Darin, me dio la posibilidad de que mucha gente me viera, y tengo la suerte de haber trabajado bastante en cine. Creo que ayudó, que me generó otras posibilidades de trabajo.
CI: Continuando con el cine, has participado este año en dos producciones nacionales. Cuéntanos más al respecto. Como ves la producción cinematográfica en Argentina hoy. Como calificas la intervención del Instituto Nacional de Cinematografia y las políticas gubernamentales al respecto.
GM: Trabajé en “ Rouge Amargo “ con Gustavo Cova con producción de Horacio Maldonado, con el que hice por lo menos cinco películas. En ese policial hice un Ministro del Interior corrupto, y me di el gusto de ser corrupto por un rato y hacer muchas cosas que yo jamás haría, ja ja. Fue un placer porque las escenas tenían contexto y estructura, y porque Gustavo me dio mucha libertad para componer.
Después hice “ El Dedo “ dirigida por Sergio Teubal, en Cerro Colorado, Córdoba, un pueblo de 500 habitantes, los pagos de don Atahualpa Yupanqui. Me encantó porque yo no había hecho nunca de cordobés en pantalla, hice un policía de pueblo, muy pachorriento, muy acomodaticio con el poder de turno. El guión me gusto y dije que sí enseguida porque no me quería perder la posibilidad de recuperar el acento cordobés ni de actuar de habitante de un pueblo minúsculo. Además casi todas las escenas eran con el Puma Goyti con el que tengo muy buena química, así que fue una experiencia feliz (todavía aclaro, no vi ninguna de las dos películas).
En Argentina en este momento se filman alrededor de sesenta películas por año, el Instituto (INCAA, Instituto Nacional de Cinematografía y Artes Audiovisuales, Argentina) cumple, han demorado algunos pagos en algunas circunstancias especiales, pero cumple, las películas se hacen y el cine como industria, tiene el ritmo que tiene que tener. La predisposición hacia la cultura, del Gobierno de los Kirchner (Presidencia de la Nación), es total. No así de Macri (Jefe de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires), que es todo lo contrario.
CI: Consideras que debieran hacerse más programas de ficción en la televisión nacional?
GM:Seguro. Estamos padeciendo un mal, que es monstruosamente dañino. Hoy un actor firma un contrato que no sabe cuanto le va a durar, porque si el rating no va, el programa se cae. El segundo a segundo del rating es demencial, y da mucho mejor resultado o es más barato hacer un programa de chimentos, o hacer dieciocho programas alrededor de Videomatch. Son modas espantosas. Se extraña la ficción en televisión. En general, se extraña ver cosas buenas en televisión aunque siempre las hay. Pero la ficción se encuentra con cuentagotas. El siete (canal de television oficial nacional) esta tomando el toro por las astas y esta empezando a producir y la ley de radiodifusión va a mejorar eso en algún sentido.
CI: Otro aspecto importante en tu vida ha sido tu sólida formación como actor. En mercados como Miami, por ejemplo, la mayoría de los actores no han tomado ni siquiera un taller de actuación, limitándose a repetir textos dictados, no memorizados, en esta escuela de telenovela mediocre que nos ha invadido desde México. Que les aconsejarías a estos aspirantes a actores?
GM: El mal que ha producido las casas del Gran Hermano, es que hay gente que se hizo famosa sin saber hacer nada, solo hablando. Y eso es mortal para cualquier sociedad. Imaginemos por un momento un tipo que fue solo cuatro o cinco días a la facultad. El arte o la cultura no es una estupidez, lleva una vida desarrollar un oficio, una profesión. Yo estudié quince o diecisiete años sin parar. Y sigo estudiando, claro. La actuación es maravillosa cuando se ocupa de la conducta del hombre, de su alma, de sus deseos, del misterio que significa serlo, y del periplo que afrontamos, de la cárcel que suele ser nuestra propia personalidad y los grandes interrogantes que afrontamos con nada, con lo que tenemos puesto. Y es una pesada estupidez cuando se trata solo de vanidad y de mostrarse.
En mis cursos trato de que el teatro, como la vida, sea una experiencia. No se trata solo de leer, ni de repetir, se trata de transitar, de poder encarnar, de descubrir los mecanismos que llevan implícitos, el crear la vida de un personaje en escena.
CI: Crees que es importante realizar ficciones que puedan ser exportadas a toda Latinoamérica? Qué opinas del doblaje del español nacional por el teóricamente “español neutro” (que en realidad no es neutro sino mexicano o venezolano puro). Como ves la destrucción de la labor actoral original por estas maratónicas y monótonas actuaciones de doblaje al MISMO idioma? Las consideras necesarias?
GM: Una vez vi, un viernes a la noche, en Córdoba, hace muchísimos años, Fiebre del sábado por la noche, doblada al español, terminó siendo una comedia, pero por cinco minutos, después nos fuimos. También toleré dos minutos una película de Brando doblada al español. Me parece que eso no tiene nada que ver con lo artístico, y que es una fábrica de productos de muy baja calidad. No creo que un actor que necesite dinero no tenga que no hacerla, pero de arte, eso no tiene nada.
CI: En que otros proyectos estás trabajando actualmente?
GM: Como actor voy a hacer Kadish, una obra de Patricia Suárez que vamos a reestrenar y hacer temporada el año que viene. Voy a hacer seis funciones de “Fueron los griegos “ de Alfredo Allende, también como actor. Y estoy ensayando una versión que escribí de “ La señorita Julia “ de Strindberg para marzo o abril en el Korinthio. Es una versión que transcurre también en los años cincuenta en el interior de Argentina, donde el Conde es un Gobernador, de esos que conocemos muy bien en Argentina, con poder omnímodo, paternalista y feudal.
CI: “Culturalmente Incorrecto” te pone dentro de una “Burbuja Atemporal Perfecta” donde todo lo que tu creatividad imagine se hará realidad: Cual sería tu proyecto ideal?
GM: Que Brando resucite, también llamamos a Bob de Niro y a Al Pacino. Que la dirija Scorsese y que la música la hagan los Beatles, con John inclusive. Sobre un guión de Billy Wilder, con la participación de Gloria Swanson, Meryl Streep, Charles Lotton y Spencer Tracy, y yo claro.
En teatro dirigir a Kate Blanchet y Jeremi Irons en Hedda Gabler de Ibsen.
Como actor, que me dirija Peter Brook en El rey se muere de Ionesco.
Mauro Giaconi, artista plástico argentino nos habla de su ultima exhibición: “Paralelo Inmenso” que podemos ver en Dot Fiftyone Art Gallery de la ciudad de Miami, en el Wynwood Arts District. En esta entrevista exclusiva conducida por Javier Mitchell para Culturalmente Incorrecto nos cuenta acerca de sus comienzos, sus influencias, el arte latinoamericano hoy y la importancia de participar en las Ferias y Exhibiciones de Arte Internacionales.
