CULTURALMENTE INCORRECTO

Monday, December 18, 2017

"Bellini: I Puritani". Teatro Real de Madrid. Blu-ray Review

Por

Javier Mitchell

Trailer

Naxos USA lanzó al mercado americano la edición en formato blu-ray de la ópera “I Puritani” de Vincenzo Bellini, una co-producción del Teatro Real de Madrid y el Teatro Municipal de Chile. Con dirección escénica de Emilio Sagi, la producción fue, sin duda, uno de los hitos operísticos de la temporada pasada. Conocida como una de las joyas de Romanticismo se representó, por primera vez en el Teatro Real, con un reparto excepcional, encabezado, entre otros, por Miklós Sebestyén, Nicolas Testé, Javier Camarena, Ludovic Tézier, Antonio Lozano, Annalisa Stroppa y Diana Damrau, junto a la Orquesta y Coro del Teatro Real, dirigida por el maestro Evelino Pido. Ha sido uno de las puestas que más público ha convocado en la historia del Teatro Real. Fue grabada en vivo en Julio del 2016.

Es ésta la última ópera de Bellini, prematuramente muerto a los 34 años, cuando había logrado que la sociedad parisina se rindiera a sus pies en un panorama musical dominado por los italianos (desde Rossini a Donizetti, su gran rival) y finalmente le encargaran una obra que se estrenaría en el Théâtre Italien en 1835. El compositor siciliano optó por una obra histórica que, sobre el fondo de la guerra civil inglesa que enfrentó a Cromwell y los puritanos con los eduardianos, desarrolla una apasionada historia de amor salpicada por la pasión, la traición y la locura. La ópera se centra en una heroína romántica, Elvira, que sufre la experiencia de sentirse traicionada incomprensiblemente por su prometido, el mismo día de su boda. Este hecho le provoca un sentimiento tan doloroso e insoportable que su entendimiento no lo puede resistir y enloquece. La locura era una fórmula característica del Romanticismo: la fragilidad física y la marginalidad social de los personajes eran un recurso para hacer más expresiva la fuerza incontenible de los sentimientos. En la estilizada puesta en escena de Emilio Sagi, los personajes aparecen sumidos en la melancolía.

La trama se desarrolla hacia 1650, en un castillo en los alrededores de Plymouth, Inglaterra, con el trasfondo de la guerra civil entre los puritanos, partidarios de Oliver Cromwell y los realistas que apoyaban a la casa de los Estuardo. Arturo Talbo, cuando por fin consigue que el padre de Elvira, Gualtiero Valton, consienta su mutuo amor y autorice su (boda gracias a la mediación de Giorgio, hermano de Gualtiero y tío por tanto de Elvira), hundiendo en la miseria al pretendiente oficial Riccardo Forth, descubre que una prisionera enemiga en manos de su futuro suegro Gualtiero a la que espera la muerte inminente, es ni más ni menos que la reina Estuardo, Enrichetta di Francia. Decide entonces que en función de las preferencias políticas de su familia, su deber es liberarla aunque sea al precio de abandonar a su prometida al pie del altar. Elvira enloquece, Arturo regresa a los tres meses, consiguen reencontrarse, pero son apresados y cuando el desertor va a ser ajusticiado y Elvira recupera de golpe la razón para morir a su lado, llega el perdón parlamentario y todo termina bien.

La dirección artística de Emilio Sagi opta por una producción sencilla, sin alardes escenográficos ni situaciones complejas, una caja negra con tres aberturas laterales y tres ventanales al fondo por donde irrumpe luz blanca que inunda el negro escenario, acompañando siempre a la pobre Elvira, en su ciclo amoroso atravesando despecho, dolor y locura. Apariciones en los ventanales que se abren a media altura y tan sólo una docena de actores acompañan a menudo a los protagonistas, casi siempre en poses estáticas y en lentas entradas y salidas del escenario.

Trailer 2

Es muy acertada la escenografía simbolista de Daniel Bianco en la que hay arena en un hangar, rosas sobre el suelo, un sillón aristocrático y sobre todo un movimiento espectacular de dos docenas de lámparas de araña que ascienden y descienden a lo largo de la trama sin que se pueda captar si lo hacen por simple estética o algún significado conceptual. La iluminación de Eduardo Bravo es muy sutil, casi perfecta para esta puesta en escena. La dirección musical de Evelino Pidò está en absoluta consonancia, en un gran entendimiento entre batuta y escena. El director italiano se convierte en un gran protagonista de esta producción, destacándose su presencia en vez de ocultarla en el foso, pues su forma de dirigir, su entrega a la partitura, su expresivo gesticular, son muy llamativos a la par que adecuados.

La presente producción de “I Puritani” nos remonta a puestas en escena clásicas, una ópera como las de antes. Deja al espectador convencido de haber vivido una gran experiencia. Los devaneos amorosos entre Elvira y Arturo se enmarcan en la guerra civil entre los puritanos, partidarios de Cromwell y los realistas defensores de la casa Estuardo. Esa lasitud le da la coartada a Emilio Sagi para eludir una escenografía y un vestuario realista. Su planteamiento estético apuesta por una ambigüedad hipnótica, laberíntica y sensual. No es necesario subrayar la dificultad que conlleva, especialmente hoy día, reunir un reparto que haga mínima justicia a esta ópera pero el Teatro Real ha logrado congregar a algunas de las mejores voces. El gran triunfador es el tenor mexicano Javier Camarena, que cumple con creces en un papel muy difícil y en el que pocos tenores han logrado no ya brillar, si no simplemente salir airosos. Lo que hace de “I Puritani” una ópera extraordinaria es el esfuerzo de Bellini en convertir la trama y la locura en pura música y no sólo en puro canto, como hacía ya muy bien el compositor siciliano. Se dice que Bellini realizó aquí su mejor orquestación, fruto del compromiso que adquirió de realizar un producto del más alto nivel para triunfar en París. Sin dudas, este “I Puritani” de Bellini del Teatro Real de Madrid es un espectáculo operístico intenso y ampliamente disfrutable que ningún amante de la buena ópera puede dejar de ver.

CALIDAD DE IMAGEN:

Resolución de Video: 1080i /60
Codificación de Video: AVC / MPEG-4
Aspect Ratio: 1.78:1
Región: 0 (Todas)

CALIDAD DE AUDIO:

Codificación de Sonido: Dos Canales: PCM 2.0 & DTS-HD Master Audio 5.1
Idioma: Italiano
Subtítulos: Español, Inglés, Alemán, Francés, Japonés y Coreano

EXTRAS:

CALIFICACION: MUY BUENO

Puedes adquirir este blu-ray en

Título: “Bellini: I Puritani” (2017)
Género: Opera
Duración: 181 minutos
Estudio: Bel Air Classiques
Distribuidor: Naxos USA
Nro. de discos: 1 BD-50
Blu-ray SRP: $39.99
Fecha de Lanzamiento: Noviembre 03, 2017

Friday, December 15, 2017

"So is my love". Ensemble 96. Audio Blu-ray Review

Por

Javier Mitchell

Naxos USA lanzó al mercado americano en formato blu-ray audio el nuevo álbum del grupo noruego Ensemble 96, “So is my love”. Mari Skele Ljones participa como solista en violin y Nina T. Karlsen es la directora musical. El álbum se grabó en la Iglesia Uranienborg de Noruega en septiembre del 2017 y fue realizado con la última tecnología de audio: Inmersive Audio. Está producido por el sello discográfico 2L. Los dos álbumes anteriores producidos por 2L con Ensemble 96 fueron honrados por The Recording Academy con nominaciones a los premios Grammy.

“So is my love” es un álbum acerca del amor y ser amado Y esto incluye el sentido del amor que despierta la fe religiosa y la naturaleza. En obras de Dyrud, Ødegaard, Havrøy, Daniel-Lesur y Stockhausen, las innumerables facetas del amor están pintadas en la música y en las palabras: nos encontramos con la pasión, la lujuria, la oración y el anhelo, pero también encontramos humor, diversión y alegría. El coro de cámara Ensemble 96

es un grupo de 24 cantantes altamente calificados que ha ganado

reconocimiento tanto en Noruega como en el extranjero a través de sus conciertos, sus interpretaciones de música contemporánea, muchos de ellos estrenos, y no menos importantes son sus grabaciones premiadas.

Sus dos álbumes previos, “Immortal Nystedt” y “Kind” fueron, como mencionamos, nominados al Grammy en las categorías Best Choral Performance y Best Surround Sound Album.

“So is my love” tiene un doble significado: "Para mí, el amor es como

este " y " Así es mi amado ". Las obras que se han elegido aquí abordan ambos: el amor en si mismo y el ser amado. En estos trabajos nos encontramos con sentimientos dominantes, pasión y lujuria, oración y anhelo; pero también nos encontramos con el humor y la alegría. El rico lenguaje figurativo del Cantar de los Cantares de la Biblia, del cual tanto "Lovesongs" de Dyrud Torbjørn como "Le Cantique des Cantiques" de Jean-Yves Daniel-Lesur toman en sus textos, se ejecutan como un hilo conductor a través de este álbum completo. Es un lenguaje que se llena con la afinidad entre el amor y la naturaleza. Encontramos la misma afinidad en los poemas de Henrik Wergeland y William Blake, ambos con música de Dyrud. Arthur Rimbaud y Paul Verlaine, cuya poesía inspiró a Frank Havrøy y Karlheinz Stockhausen, también toman sus imágenes del mundo de la naturaleza cuando describen, respectivamente, la alegría de un beso y el miedo al mismo.

Immersive Audio es una escultura sónica en la que puedes literalmente moverte y relacionarte espacialmente; rodeado de música puedes moverte en el espacio auditivo y elegir ángulos, puntos de vista y posiciones. Dolby Atmos y el Auro-3D en este Pure Audio Blu-ray ofrecen un nuevo estándar en inmersión, que envuelve por completo al público en una cápsula de audio realista. Fue grabado en discreto 9.0 a resolución DXD.

Auro-3D® se basa en una nueva tecnología innovadora que ofrece audio sin comprimir calidad con un nivel de flexibilidad inigualable. La información de altura, capturada en la grabación o creada durante el proceso de mezcla, se mezcla en una transmisión estándar PCM 5.1. Cualquier dispositivo que contenga el decodificador Auro-Codec® será capaz de decodificar el mezcla original de Auro-3D®. Auro 9.1 no solo ofrece una nueva experiencia de audio en 3D, sino también ofrece la mayor eficacia en 5.1. Dolby Atmos® es una nueva y revolucionaria tecnología de audio que te transporta a las más extraordinarias experiencias de entretenimiento. Dolby Atmos tiene la asombrosa habilidad de tener provocar sonidos provenientes desde puntos ubicados sobre uno mismo.

La compania grabadora 2L (Lindberg Lyd) realiza sus grabaciones en espacios acústicos espaciosos; grandes salas de conciertos, iglesias y catedrales. Allí es donde se pueden lograr las grabaciones más íntimas. Las cualidades que buscamos en los lugares grandes no son necesariamente una gran reverberación, sino que al ser abiertas no existen reflejos cercanos de paredes. Una buena grabación debe poder mover físicamente al oyente. Esta calidad central de producción de audio se da eligiendo el lugar adecuado para el repertorio y equilibrando la imagen en la ubicación de micrófonos y músicos relacionados entre sí en ese lugar. No hay un método disponible hoy para reproducir la percepción exacta de asistir a una presentación en vivo. Eso nos deja con el arte de la ilusión cuando se trata de grabar música. Como ingenieros de grabación y productores se necesita hacer exactamente lo mismo que cualquier buen músico: interpretar la música y las intenciones del compositor y adaptarse a los medios donde se actúa. El audio inmersivo es una concepción completamente nueva de la experiencia musical. La música grabada ya no es una cuestión de una configuración bidimensional fija, sino más bien una situación envolvente tridimensional. Stereo se puede describir como un lienzo plano, mientras que el audio inmersivo es una escultura que puedes mover literalmente y relacionar espacialmente; rodeado de música el oyente puede elegir los lugares y ángulos desde los que desea escuchar, la cercanía con determinados instrumentos, tener experiencias diferentes cada vez que lo escucha.

Programa:

1 Martin Ødegaard: Love me 7:14

2 Torbjørn Dyrud: Lovesongs I 4:25

3 Jean-Yves Daniel-Lesur: La Voix du Bien-Aimé 3:44

4 Karlheinz Stockhausen: Armer junger Hirt 4:26

5 Torbjørn Dyrud: Med en bukett 2:07

6 Torbjørn Dyrud: Lovesongs II 4:52

7 Jean-Yves Daniel-Lesur: La Sulamite 3:55

8 Frank Havrøy: Rêve pour l’hiver 3:21

9 Torbjørn Dyrud: Laughing song 4:53

10 Torbjørn Dyrud: Lovesongs III 4:21

CALIDAD DE AUDIO:

Disco 1:

Hybrid SACD
MCH 5.0 DSD
Stereo DSD
RedBook PCM: MQA CD

Disco 2:

Pure Audio Blu-ray
2.0 LPCM 192/24
5.0 DTS HDMA 192/24
9.0 Auro-3D
Dolby Atmos
mShuttle: MQA + MP3
Region: 0 (todas)

CALIFICACION: MUY BUENO

Puedes adquirir este álbum en:

Título: “So is my love” (2017)
Intérpretes: Ensemble 96; Ljones, Mari Skeie; Karlsen, Nina T.
Compositores: Anónimos; Biblia; Daniel-Lesur, Jean Yves; Dyrud, Torbjorn; Havroy, Frank; Odegaard, Martin; Stockhausen, Karlheinz; Thymich, Paul; Verlaine, Paul-Marie
Género: Coral
Región: 0 (todas)
No. de Discos: 1 Pure Audio Blu-ray + 1 Hybrid SACD
Estudio: 2L
Distribuidor: Naxos USA
Blu-ray SRP: $34.99
Item #: 2L-140-SABD
Barcode: 7041888523123
Fecha de Lanzamiento: Septiembre 29, 2017

Thursday, December 14, 2017

"Lulu", ópera de Alban Berg. Amor, obsesión y muerte. Blu-ray Review

Por

Javier Mitchell

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Naxos USA lanzó al mercado americano la edición en formato blu-ray de la ópera “Lulú” de Alban Berg, producción de la Bayerische Staatsoper (Opera de Bavaria) de Munich y protagonizada por la gran Marlis Petersen en el rol homónimo, junto a Bo Skovhus, Daniela Sindram, Matthias Klink, rainer Trost, Martin Winker, Pavlo Hunka, Christian Reieger y Rachel Wilson en los papeles principales. El maestro Kirill Petrenko dirige a la Orquesta del Estado de Bavaria y la dirección artística y escenografía pertenece a Dmitri Tcherniakov. El vestuario fue diseñado por Elena Zaytseva, el diseño de iluminación es de Gleb Filshtinsky y la coreografía fue realizada por Tatiana Baganova. La presente producción fue filmada en vivo en Mayo del 2015. “Lulú” es una ópera en un prólogo, dos actos y un epílogo y el libreto, del propio compositor, está basado en las tragedias Erdgeist y Die Büchse der Pandora (“Espíritu de la Tierra” y “La caja de Pandora”), de Frank Wedekind. Aparte de “Lulú”, Berg compuso otra conocida ópera, “Wozzeck”.

La trama de la ópera se centra en el ascenso y la caída de la joven Lulú, una fascinante y controvertida “femme fatale”, que desempeña los papeles de esposa infiel, amante caprichosa, objeto de deseo, artista de cabaret, asesina, fugitiva y prostituta. La estructura dramática es claramente simétrica ya que los tres esposos a los que destruye o asesina en su ascenso encuentran reflejo inverso en los tres clientes que tiene como prostituta en su declive; el asesinato del Dr. Schön, su verdadero amor, funciona como elemento bisagra de una historia que culmina con el brutal homicidio de la protagonista a manos de Jack el Destripador.

Dos artistas rusos en plena madurez de sus carreras, uno director musical y el otro director de escena, están al frente de esta nueva producción de Lulú en la Bayerische Staatsoper. Nos referimos a Kirill Petrenko, titular del teatro y a Dmitri Tcherniakov. Petrenko disecciona la partitura con energía, milimétricamente, con un estilo único, de rara emotividad. Un enfoque que cuadra como anillo al dedo precisamente con el estilo compositivo de Berg, con esa amalgama entre el dodecafonismo y un romanticismo que se evoca en la distancia. Estamos ante una gran tragedia, la que representa el fatal destino de Lulu y Petrenko sabe encontrar el punto exacto entre el discurso analítico y el patetismo de lo que vemos en escena, haciendo de la disección un arte consumado.

Tcherniakov comparte también esa misma óptica que marca el trabajo del foso, con una interpretación tan clásica como vanguardista del libreto, al que plasma con un seguimiento literal. Interviene Tcherniakov tan sólo en el final de la ópera, en el que da a entender que es la propia Lulú la que termina con su vida antes de que pueda acabar con ella Jack el destripador. Y no es una intervención banal; al contrario, es el cierre necesario a un retrato de la protagonista que se niega a ser victimista. Tcherniakov propone una Lulú mucho más fuerte y dueña de su destino, que de algún modo es responsable de sus miserias. Esto acrecienta y relativiza al mismo tiempo su tragedia. El resultado es de una frialdad raramente poética y de un distanciamiento curiosamente descriptivo. No por causalidad parte además de una escenografía única, obra del propio Tcherniakov, compuesta por una sucesión de espejos y cristales, que generan constantes reflejos, jugando una y otra vez con la silueta dibujada y desdibujada de la propia Lulú. En líneas generales el trabajo de Tcherniakov es de una realización impecable, no ya por la detallada y rica dirección de actores, sino porque todo el concepto de su propuesta, desde la escenografía al vestuario (Elena Zaytseva) pasando por la estupenda iluminación de Gleb Filshtinsky contribuye a subrayar ese lenguaje minimalista que encaja tan bien con el enfoque analítico de Petrenko en el foso.

Marlis Petersen realiza un trabajo muy elogiable con el papel protagonista, desde cualquier punto de vista. No sólo resuelve la exigente partitura sin problema alguno, sino que su trabajo escénico es de una entrega irreprochable. Comprende y asume perfectamente el retrato que pretende Tcherniakov y se brinda a resolverlo con verdadera y elogiable entrega. Todo el resto del extenso reparto rinde a un buen nivel, aunque por debajo de la protagonista, en líneas generales. Sobresalen la calidad vocal de Daniela Sindram como la Condesa Geschwitz y un buen ejercicio de teatralidad y resolución musical de Bo Skovhus como Dr. Schon y como Jack el destripador.

Amor, obsesión y muerte son algunos de los elementos presentes en “Lulú”, ópera de Alban Berg, que se enmarca en la corriente del dodecafonismo musical, en un estilo de extrema vanguardia y de alcances psicológicos. En su temática domina la corrupción y la decadencia moral. El sexo y la prostitución son ingredientes predominantes de la trama. El argumento puede mirarse en forma simple y lineal, pero tras él hay un trasfondo de enorme simbolismo y crítica social. De las dos docenas de personajes que forman parte del libreto, sólo seis poseen un protagonismo considerable.

Hoy “Lulú” ya no es simplemente una ópera escandalosa o polémica sino uno de los títulos dramáticamente más intensos del repertorio operístico y que mejor refleja la complejidad de nuestra sociedad. Un viaje de amor salvaje, obsesión y muerte. La presente producción de Lulú” es impecable, una de esas raras ocasiones en que se dan la mano el trabajo de dirección musical y dirección de escena, compartiendo un mismo y logrado concepto y con interpretaciones vocales y actorales excelentes.