El coreógrafo
residente del Royal Ballet de Londres, Liam Scarlett, ha escogido la novelaclásica gótica de Mary Shelley, "Frankenstein",
como base para su primer ballet narrativo para el escenario principal del
Covent Garden. Una historia de traición, curiosidad, vida, muerte y, sobre
todo, amor, que sirve de inspiración a Scarlett para explorar en los abismos de
la naturaleza humana y la necesidad de encontrar aceptación y un lugar en el
mundo. Para este fascinante nuevo ballet Scarlett vuelve a la música de Lowell
Liebermann, a quien solicitó una nueva partitura.
Naxos USA
lanzó al mercado americano la edición en formato blu-ray del ballet
“Frankenstein”, producción del Royal Opera House londinense y la Opera de San francisco (USA) y grabado en vivo
en el mes de mayo del 2016. Esta adaptación respeta los temas originales de la
novela de Shelley, pero lejos de los estereotipos de terror asociados con el título,
Scarlett se sumerge hasta el alma del drama y presenta una historia de amor.
Impulsado por el dolor ante la muerte de su madre, Victor Frankenstein hace lo
imposible y da vida a la materia no viviente. Aterrorizado por lo que ha
creado, Victor abandona la criatura, condenando a una vida de soledad, lo que
le cuesta su prometida, Elizabeth, y en última instancia su propia vida. Está
protagonizado por los bailarines principales del Royal Ballet, Federico
Bonelli, Steven McRae y la española Laura Morera. El maestro Koen Kessels
dirige a la Orquesta de la Royal Opera House, el vestuario y la escenografía están diseñados
por John McFarlane, el diseño de iluminación es de David Finn, el diseño de
proyecciones pertenece a Finn Ross y está dirigido para la pantalla por Ross
McGibbon.
El coreógrafo Liam
Scarlett se ha dado a conocer por ballets
que combinan movimientos de gran fuerza expresiva, con una propuesta musical
sofisticada y una profundidad psicológica oscura (como es el caso de obras
anteriores como “Asphodel Meadows”, “Sweet Violets” y “The Age of Anxiety”).
Ahora nos presenta su primer trabajo para el escenario principal de la
Royal Opera House de Londres con "Frankenstein", y esta grabación constituye su estreno mundial. Liam
Scarlett parte de una historia poco convencional: “A cualquiera que se lo
decía, pensaba que estaba bromeando”, recuerda divertido. “Pero Frankenstein
habla del amor en sus múltiples facetas: el que tienes, el que deseas, el que
se ha roto… y de aspectos como la responsabilidad o el abandono”. Todo eso fue
descubriendo que “formó parte de la vida de Shelley: cuanto más averiguaba
sobre su vida, más me encontraba con ella en Frankenstein. Escribir debió de
ser un desahogo para ella".
Los diseños
de John Macfarlane son espectaculares, combinando detalles naturalistas con
manchas estilizadas de color, acentuando el drama y creando conceptos estéticos
dramáticos y poderosos. Laura Morera le da profundidad moral y emocional a
Elizabeth. Steven McRae es magistral, transmitiendo exitosamente los dolorosos
sentimientos del monstruo por el amor y la aceptación, aunque su virtuosismo
como bailarín excede lo que debieran ser los movimientos rudimentarios de una Criatura
construída en base a diferentes partes de cuerpos humanos, pero esto, al final
de cuentas, es un ballet y no un film realista. Federico Bonelli baila
magníficamente y dota de una elegancia únicasu Victor Frankenstein. Sobre el final, Frankenstein y su criatura
bailan en un pas de deux de agresión de horror y mutua dependencia que evoca
ese fantastico horror gótico de la novela.
Este es un
ballet teñido de modernidad pese a la temporalidad de su historia. Posee una
temática diferente que quizás no agrade del todo al público más clasicista.
Pero este “Frankenstein” cautiva y atrapa tanto desde lo coreográfico como
desde lo estético. Es, además, excelente para atraer las nuevas y más jóvenes
audiencias que este tipo de espectáculos necesita desesperadamente. En mi caso,
aplaudo las nuevas propuestas cuando están embebidas de talento y
profesionalismo, y en el caso de “Frankenstein”, éste cumple estas premisas con
amplia holgura. Un estreno mundial que merece ser visto (ya se transmitió a
cines de todo el mundo) con el placer adicional que causa el hecho de
presenciar el increíble arte de un bailarín excepcional como Steven McRae.
CALIDAD DE
VIDEO:
Resolución
de Video: 1080i/60
Codificación
de Video: AVC/MPEG-4
Aspect
Ratio: 1.78:1
Región:
Todas
CALIDAD DE
AUDIO:
Codificación
de Audio: Dos Canales: PCM Stereo / DTS-HD Master Audio 5.1 y Dolby Atmos 7.1
Idioma:
Inglés
Subtítulos:
No
EXTRAS:
Introducción
a Frankenstein
El casting
del ballet
Lowell
Liebermann y Liam Scarlett hablan sobre la música de la obra
John
Macfarlane habla acerca del diseño de Frankenstein
Darcey
Bussell en el estudio junto a Liam Scarlett y Laura Morera
“Alexander's
Feast” es un oratorio con música de Georg Friedrich Händel y libreto de Newburgh
Hamilton. Hamilton adaptó su libreto de la oda de John Dryden's “Alexander's
Feast, or the Power of Music” ("La fiesta de Alejandro, o El poder de la
música", 1697) que escribió para celebrar el día de Santa Cecilia.
Jeremiah Clarke (cuya partitura está ahora perdida) también puso música a la
misma oda original.
Naxos USA
lanzó al mercado americano una edición limitada de 2 audio CDs de “Alexander’s
Feast” de Händel, grabado en vivo en el 2015 en la Montforthaus de la ciudad de
Feldkirch, Austria, e interpretado por la soprano Miriam Feuersinger, el tenor Daniel Johansen
y el barítono Matthias Helm, junto al Coro de Cámara de Feldkirch y la orquesta
Concerto Stella Matutina, bajo la batuta del maestro Benjamin Lack.
Montforthaus de la ciudad de
Feldkirch, Austria
Haciafinales de la década de 1720 había empezado a decaer
el interés por la ópera italiana en Londres y se comenzaba a demandar óperas en
inglés. La ópera italiana parecía muerta y Händel se orientaría entonces en
dirección al Oratorio en inglés. Pero porque Händel da un paso atrás y se vuelca al
oratorio? Händel era un compositor profesional que en general dependía de sí
mismo. Era un empresario compositor. Si la ópera italiana se había agotado,
estaba dispuesto a orientarse en otra dirección. Descubrió que el público
acudía en tropel a escuchar los oratorios. Algunos estudiosos de Händel insisten en que sus oratorios no son en absoluto obras religiosas; son más
bien obras dramáticas acerca de temas bíblicos y están totalmente divorciadas
de la Iglesia. Pero el caso es que si bien Händel que no fue músico de Iglesia, dotó no
obstante a la música de varios monumentos religiosos imperecederos: obras en
latín y los vastos oratorios en inglés.
Händel
compuso la música en enero de 1736, y la obra se estrenó en el Covent Garden
Theatre, Londres, el 19 de febrero de 1736. La obra describe un banquete celebrado por Alejandro Magno y su
amante Tais en la ciudad persa de Persépolis, durante el cual el músico Timoteo
canta y toca su lira, suscitando diversos estados de ánimo en Alejandro hasta
que finalmente se ve incitado a quemar la ciudad en venganza por sus soldados
griegos muertos. La pieza tuvo gran éxito y animó a Händel a hacer la
transición de las óperas italianas a las obras corales en inglés. Los solistas
del estreno fueron las sopranos Anna Maria Strada y Cecilia Young, el tenor
John Beard, y un bajo llamado Erard (nombre de pila desconocido).
Los
oratorios son la contribución esencial de Händel a la música del siglo XVIII.
Ellos constituyen un momento único en la historia de la música. En este género de concierto, que fue una de sus más geniales creaciones, Händel
alcanza su mayor grandeza y su máxima potencia y nos da la medida de su fuerza
épica. Y sobre todo, esta parte de su obra es la que permaneceadmirada universalmente y a la que su nombre
está unido para siempre. La presente producción discográfica de "Alexander's Feast" es exquisita, perfectamente interpretada por la la orquesta
Concerto Stella Matutina, bajo la batuta del maestro Benjamin Lack y magníficamente interpretada vocalmente por los solistas: la soprano Miriam Feuersinger, el tenor Daniel Johansen
y el barítono Matthias Helm, junto al Coro de Cámara de Feldkirch. "Alexander's Feast" es una edición austríaca limitada, compuesta por dos discos CD que deleita no sólo a los fanáticos de Händel sino a cualquier amante de la música clásica en general.
Un viaje
desde Londres a la Riviera francesa hará que Joanna y su marido Mark revivan
los románticos comienzos de su relación, los primeros años de su matrimonio y
sus respectivas infidelidades. Con el paso del tiempo los dos han cambiado, por
lo que tendrán que enfrentarse a un dilema: separarse o aceptarse mutuamente
tal como son. Twilight Time lanzó al mercado americano la edición limitada
(sólo 3,000 copias) en formato blu-ray de “Two For The Road”, film del año
1967, dirigido por Alan J. Pakula, protagonizado por Audrey Hepburn, Albert
Finney, Eleanor Bron, William Daniels, Nadia Gray, Claude Dauphin, Georges
Descrières, Jacqueline Bisset, Judy Cornwell, Irène Hilda, Dominique Joos, Olga
Georges-Picot y Patricia Viterbo.
Stanley
Donen volvió a contar con Audrey Hepburn diez años después de la deliciosa
“Funny Face” (1957); el resultado fue uno de los dramas románticos más
incisivos y arriesgados jamás realizados. La película narra la relación entre
Joanna (espléndida Hepburn) y Mark Wallace (Albert Finney), desde que se
conocen hasta que su matrimonio está a punto de desmoronarse. Donen no se ajusta
a las cómodas reglas del género, sino que fragmenta su narración en varias
líneas argumentales, correspondientes a diversos momentos en la vida de sus
protagonistas; el montaje intercala sabiamente fragmentos de cada época, unos
felices y otros tristes, provocando una constante sensación de inestabilidad,
ansiedad en el espectador. Un atípico retrato sobre la progresiva
descomposición de una pareja.
“Two For
The Road” comienza con los títulos de crédito creados por Maurice Binder, en los
que se nos muestra una serie de animaciones basadas en todo tipo de señales de
tráfico y direcciones que se entrecruzan, mostrando la relación metafórica que
se desplegará a continuación entre el viaje, la carretera, y el devenir del
matrimonio protagonista a través de los años. La melancólica música de Henry
Mancini que los acompaña nos indica también que los recorridos de este viaje no
son siempre luminosos.
La película
fue considerada en su tiempo como experimental por la exposición no lineal del
argumento. Así, Stanley Donen yuxtapone escenas del principio de la relación
con otras épocas sin previo aviso. Es por ello, que el guionista Frederic
Raphael fue nominado al Oscar® y a los premios Bafta en el rubro de Mejor Guión
Original. Audrey Hepburn al principio no quiso interpretar a Joanna por miedo
a la novedad narrativa de los saltos en el tiempo: demasiado avant-garde, pero
su papel le dio la oportunidad de mostrar sus matices interpretativos, yendo de
la inocencia al desprecio, de la alegría a la resignación. Audrey Hepburn le
tenía auténtico pánico al agua, para la escena en la que Mark la tira al agua
el director tuvo que contratar a buceadores que debían entrar en la piscina de
rodaje para ayudar a la estrella a salir, para que ella se sintiera más segura.
Iba también a ser el primer desnudo cinematográfico de la actriz, pero estaba tan
nerviosa durante la filmación que finalmente las escenas fueron descartadas en
la sala de edición.
Con un
planteamiento clásico de comedia, donde dos personajes que en principio son muy
diferentes terminan juntos, asistimos a la evolución de la pareja durante más
de una década: el encuentro, su enamoramiento, los primeros años teñidos de
romanticismo a pesar de las dificultades económicas para establecerse como
arquitecto, el peso del trabajo que va menoscabando la relación, el triunfo
profesional de él mientras ella se dedica a su casa y a criar a su hija, las
continuas discusiones, el éxito económico frente al fracaso personal o sus
infidelidades. La metáfora de los viajes y el discurrir del matrimonio es el
vehículo que el guión de Frederic Raphael utiliza para poner de relieve los
diferentes estados por los que atraviesa las relaciones de Mark y Joanna a lo
largo de los años. Ese planteamiento permite al espectador saltar por encima de
los hechos diarios para observar directamente los resultados de su matrimonio.
La puesta
en escena de “Two For The Road” posee la elegancia del director de títulos como
“Singing In The Rain”(1952)o “Charade”
(1963), por nombrar dos obras maestras de su filmografía. Donen coordina las
transiciones para hacerlas naturales al espectador, el tratamiento del gag
clásico basado en la imagen, el uso de los primeros planos para insertar el
dramatismo en las escenas o la utilización de los recursos cinematográficos de
montaje nos remiten a un concepto visual cinematográfico más allá de la
escritura del guión.
“Two For
The Road” hace visible al espectador la situación actual de un matrimonio en
crisis. El montaje nos va trayendo al presente el pasado de esta pareja
mediante cinco viajes que ambos realizan por el sur de Francia (más uno donde
se muestra la infidelidad de Mark en un viaje en solitario). Estos cinco viajes
no llevan (como ya dijimos) un orden temporal, de tal forma que vamos avanzando o retrocediendo
en el tiempo, siendo el espectador quien recompone los fragmentos. Un buen
análisis cinematográfico de las relaciones de pareja y de la institución del
matrimonio de la mano de un gran director y dos grandes estrellas de la
pantalla grande unidos por un guión excelente.
Premios
1967:
Nominada al Oscar®: Mejor guión original
1967: 2
Nom. Globos de Oro: Actriz comedia/musical (Hepburn) y banda sonora
1967:
Premios BAFTA: Nominada a Mejor guión británico
1967:
Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director
1967:
Festival de San Sebastián: Concha de Oro
CALIDAD DE
VIDEO:
Resolución
de Video:1080p / 60
Codificación
de Video: AVC / MPEG-4
Aspect
Ratio: 2.35:1
Zona: 0
(Todas)
La calidad
de transferencia de imagen en la presente edición en blu-ray de Twilight Time
es muy buena. La espectacular cinematografía de Christopher Challis (“Chitty,
Chitty, Bang, Bang”, 1968; “A Shot In The Dark”, 1964) luce en todo su
esplendor y permite resaltar cada detalle facial actoral de los protagonistas
así como también las precisiones del diseño de vestuario y los detalles de los
sets y locaciones. Los colores están captados a la perfección. Colores
realmente brillantes y tonos pasteles perfectos en la piel de los
protagonistas.
CALIDAD DE
AUDIO:
Codificación
de Audio: DTS-HD Master Audio 1.0 Mono
Idioma:
Inglés
Subtítulos:
Inglés
La
transferencia de audio es cuidada y se escucha muy bien a través del canal
DTS-HD Master Audio 1.0. Los diálogos son claros y la música compuesta por
Henry Mancini tiene especial protagonismo, otorgándole dramatismo o comicidad a
las escenas y majestuosidad los paisajes franceses. Ha sido un acierto por
parte de Twilight Time incluirla en un track separado dentro de los extras de
esta edición en blu-ray. Recordemos que Mancini es uno de los compositores más
exitosos y celebrados a nivel mundial (“Breakfast at Tiffany’s”, “Days of Wine
and Roses”, “The Pink Panther”, “Victor, Victoria”, entre otras), trece veces nominado
al premio de la Academia de Hollywood y ganador de tres Oscars®.
EXTRAS:
Comentario
de Audio: a cargo del director Stanley Donen
Comentario
de Audio: a cargo de Nick Redman y Julie Kirgo
Banda
Sonora del Film, compuesta por Henry Mancini, en track separado, en DTS-HD
Master Audio 2.0.
Vintage
Newsreel Footage (HD, 2 minutes)
Trailer
(HD, 2 minutes)
Booklet con
notas sobre el film, escritas por Julie Kirgo
