Twilight
Time lanzó al mercado americano la edición limitada (sólo 3.000 copias) en
formato blu-ray de “The Revolt of Mamie Stover”, film del año 1956 dirigido por
Raoul Walsh, quien aborda el tema de la prostitución desde un lugar distinto y
con un toque de feminismo velado. El gran símbolo sexual de aquellos años, Jane
Russell, personifica a Mamie, una joven que se va a Honolulu, en plena II
Guerra Mundial, para trabajar de prostituta y ganar dinero con el fin de ayudar
a su familia. No tiene ningún tipo de cuestionamiento moral, sólo tiene ese
objetivo. En el trayecto se enamora de Jim, un escritor militar a quien no le
gusta la forma de ganarse la vida de su amada. En medio del bombardeo de Pearl
Harbor, él debe ir a combatir y le pide que deje el cabaret y estar solo con
él. Ella lo promete pero le salen nuevas oportunidades con marineros que se
encuentran en la ciudad, las cuales no rechaza. Esto provoca que más tarde que
Jim la abandone. Si bien Mamie se entristece, no cede al amor romántico, ni
necesita redimirse. Una vez cumplida su meta, volverá empoderada a visitar a
sus padres.
A través de
una nueva restauración de 4K, el genial trío creativo compuesto por el director
Raoul Walsh (“High Sierra”), el productor Buddy Adler (“From Here to Eternity”)
y el guionista Sydney Boehm (“The Big Heat”, también de Twilight Time,
http://www.culturalmenteincorrecto.com/2016/03/the-big-heat-blu-ray-review.html),
nos traen esta adaptación de la novela de William Bradford Huie “The Revolt of
Mamie Stover”. Protagonizan este film, junto a Jane Russell, Richard Egan, Joan
Leslie, Agnes Moorehead, Jorja Curtright, Jean Willes y Michael Pate.
El director
Raoul Walsh le da a su heroína una irreverencia inquietante que le permite
arremeter contra límites que hasta entonces parecían impensables en el cine de
la época (a causa de la censura imperante). Dinero, ambición, poder, se
combinan en una bomba molotov que hace de Mamie una figura incómoda,
inclasificable. Sin ningún tipo de problema moral, la protagonista invierte su
pequeña fortuna en el negocio inmobiliario cuando las bombas japonesas sobre
Pearl Harbor deprecian el valor de las propiedades. Pragmática, luchadora,
astuta y conciente de su lugar en el mundo, Mamie se abre camino a fuerza de
sexo y determinación.
Son muchos
los elementos que llaman la atención en esta interesante película. Ya desde sus
primeros minutos lla ma la atención la mirada desafiante hacia ell espectador
de Jane Russell, filmada en espectacular Cinemascope®, el poderoso cromatismo
visual y estético sumados a la fuerza de la banda de sonido Hugo Friedhofer,
nos permite por momentos asistir a un melodrama sublimado por una rara
modernidad en su puesta en escena. La precisión de los movimientos de cámaras,
la relativa sensación de irrealidad de algunos de sus momentos, la musicalidad
e incluso el erotismo que desprenden ciertos instantes de la relación entre la
pareja protagonista, muy pronto se adueñan de un film magníficamente filmado,
donde la precisión de su planificación va en consonancia con un excelente
montaje que permite la fluidez de la trama, permitiendo un enorme y preciso
contraste, por ejemplo, en la parte casi final del film, donde la evolución de
la carrera exitosa (económicamente) de Mamie se contrapone al azaroso trabajo
de Jim en el ejército, quien se consuela leyendo las cartas que le envía su
amada.
Junto a
esta elegancia y precisión en la puesta en escena, “The Revolt of Mamie Stover”
se destaca por la capacidad descriptiva que ofrece a la hora de mostrar una
sociedad convulsionada por la guerra, pero a la que esta situación no le hace
disminuir la hipocresía. En todo momento, pero de una manera casi
imperceptible, laa presencia de la intolerancia se manifiesta en aquello que
rodea a esta mujer que jamás negará su condición de prostituta, pero que desde
la aceptación de su rol, alberga en si misma más integridad y coherencia en el
modo de vida que ha elegido, que la mayor parte del contexto que la rodea y
abiertamente la desprecia y considera como un elemento cuestionable de la
sociedad.
“The Revolt
of Mamie Stover” está espléndidamente planteada desde su
puesta en escena,
densa en sus premisas argumentales, atrevida en sus conclusiones dramáticas,
representativa de su tiempo y al mismo tiempo moderna en su vertiente visual y
narrativa. Muestra también una inusual química entre la estupenda Jane Russell
(inicialmente estaba previsto que el personaje lo encarnara Marilyn Monroe) y
Richard Egan. Estamos frente a un film prácticamente oculto del último período
de la larga filmografía de Walsh, uno de los grandes pioneros del cine, que no
desmerece en su conjunto de los mejores exponentes de un periodo especialmente
brillante en el melodrama cinematográfico. Walsh percibe a tiempo esa amargura
que se verá en el cine norteamericano de finales de los años ‘50s con un ojo
agudo y adulto y despojando a sus personajes de todo heroísmo convencional.
CALIDAD DE
VIDEO:
Resolución
de Video:1080p / 60
Codificación
de Video: AVC / MPEG-4
Aspect Ratio: 2:35:1
Zona: 0 (todas)
La calidad
de transferencia de imagen en la presente edición en blu-ray de Twilight Time
es muy bueno. Conserva la textura original del celuloide (granosidad) pero con
gran claridad de detalles, con contrastes fuertes y colores sólidos y vivos. La
cinematografía en Cinemascope® a cargo del dos veces nominado al Oscar® Leo
Tover es muy buena. Tover es el responsable de films como “From The Terrace”
(1960, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2016/02/from-terrace-blu-ray-review.html),
“The Day the Earth Stood Still” (1951), “Journey to the Center of the Earth”
(1959), “The Heiress” (1949) y “The Snake Pit” (1948), entre otros. La
transferencia de esta edición en blu-ray permite disfrutar de cada pequeño
detalle tanto de los estupendos interiores en estudio, escenografía y vestuario
como así también de las estupendas locaciones, donde el film fue rodado.
CALIDAD DE
AUDIO:
Codificación
de Audio: English DTS-HD Master Audio 5.1 y DTS-HD Master Audio 2.0
Idioma:
Inglés
Subtítulos:
Inglés SDH
La
transferencia de audio es cuidada y ha sido remasterizada a un canal DTS-HD
Master Audio 5.1. Se escucha muy bien, es sólida tanto los diálogos como la
música y efectos especiales de sonido. La música compuesta por Hugo Friedhofer
se disfruta perfectamente tanto en el canal 5.1 del film como en su canal
aislado en DTS-HD Master Audio 2.0. Hugo Friedhofer ha ganado un Oscar® por la
música del film “The Best Years of our Lives”, de 1946, “Violent Saturday”
(1955, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2014/08/violent-saturday-blu-ray-review.html)
y ha compuesto la música de films como “Casablanca” (1942), “Arsenic And Old
Lace” (1944), “Robin Hood” (1938) y “Mildred Pierce” (1945), entre otros.
EXTRAS:
Banda
Sonora del Film, compuesta por Hugo Friedhofer, en track separado, presentada
en DTS-HD Master Audio 2.0 estéreo.
Trailer
Booklet de
seis páginas con fotos y notas sobre el film, escritas por Julie Kirgo
Twilight
Time lanzó al mercado americano la edición limitada (sólo 3.000 copias) en
formato blu-ray de “Hilda Krane”, film del año 1956 dirigido por Philip Dunne y
protagonizado por Jean Simmons, Guy Madison, Jean Pierre Aumont, Judith Evelyn,
Evelyn Varden, Peggy Knudsen y Gregg Palmer.
En los
cinco años transcurridos desde que dejó Winona, su ciudad natal, Hilda Crane se
divorció dos veces y adquirió una reputación bastante dudosa. Regresa de Nueva
York a la casa de su madre, que espera que Hilda tenga el buen juicio de
casarse con el exitoso constructor Russell Burns y finalmente establecerse. Un
ex profesor y amante, Jacques DeLisle, todavía guarda rencor porque Hilda lo
dejó por un atleta. Aunque no ama a Russell, se resiste y se resiente de los
agresivos avances románticos de Jacques. Pero entonces acepta la propuesta de
matrimonio de Russell, que tiene la intención de construirle una nueva casa.
Advertida por un amigo acerca de la madre posesiva de Russell, incluida su
forma de simular una enfermedad cardíaca, Hilda rechaza un soborno de $ 50,000
de la Sra. Burns para abandonar la ciudad. Ella deja a la anciana desplomada en
una silla y se dirige a la iglesia para la boda. Sin embargo, la Sra. Burns no
estaba fingiendo esta vez y muere.
Meses
después, todavía viviendo en la casa de su suegra, Hilda comienza a beber
mientras Russell se vuelve indiferente a ella y malhumorado. Llega un día cuando
la madre de Hilda la castiga de nuevo y no puede más. Hilda se traga una
botella de pastillas para dormir, con la intención de suicidarse. Pero
sobrevive y se anima con la promesa de Russell de restaurar su amor y comenzar
a construir su nueva casa.
El film
está basado en la obra de teatro de Samson Raphaelson, “Hilda Crane”, estrenada
en Broadway el 1 de noviembre de 1950 en el Teatro Coronet, en una producción
dirigida por Hume Cronyn y diseñada por Howard Bay. Jessica Tandy interpretó a
Hilda Crane. También en el elenco se encontraban John Alexander, Beulah Bondi,
Frank Sundstrom, Evelyn Varden y Eileen Heckart. Del elenco, solo Evelyn Varden
aparece en la película. Philip Dunne fue el guionista de tres películas épicas
anteriores de la 20th Century Fox protagonizadas por Jean Simmons, “The Robe”
(1953), “Demetrius and the Gladiators” (1954) y “The Egyptian” (1954).
El esposo
de Hilda es un hombre presumiblemente impotente debido a los complejos de culpa
causados por su sofocante y posesiva madre (Evelyn Varden): Un hombre que debe
elegir entre su madre o el amor de una mujer. “Hilda Crane” es un claro ejemplo
de cómo Hollywood trataba el delicado tema del deseo sexual de las mujeres,
presentado como un tabú reprimido sobre todo en las pequeñas ciudades y que es
controlado por amables y ancianos médicos. El film está rodado en Cinemascope,
Technicolor, con enormes interiores poblados por mujeres frágiles y hombres
sosos, junto a una banda sonora compuesta por David Raksin.
Es un film
que representa las ansiedades de la clase media de los años ‘50s y sobre cómo
dominar el creciente ansia de poder de las mujeres, cómo traducir o desplazar
estos temores (simplísticamente) al melodrama sexual, para domesticarlos
invocando sus peligros.Un típico producto
cultural de la época, que trataba de tocar temas “comprometidos” o “atrevidos”,
pero siempre de una manera elegante o de “buen gusto”, políticamente correcta.
Una película entretenida, correctamente actuada, que no pasó a la historia del
cine pero que representa un retrato bastante fiel de la sociedad americana y
sus tabúes en los años cincuenta.
La
transferencia de audio es cuidada y se escucha muy bien a través del canal
DTS-HD Master 5.1. Los diálogos son claros y la música se disfruta
perfectamente. La música fue compuesta por David Raskin, nominado a dos premios
Oscar® por “Separate Tables (1959) y “Forever Amber” (1947, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2018/01/forever-amber-blu-ray-review.html).
Compuso también la banda de sonido para el film “Laura” (1944), entre
muchísimas otras. Como siempre, la banda se sonido es incluída en canal
separado DTS-HD Master Audio 2.0. en los extras para posibilitar disfrutarla
por sí misma.
EXTRAS:
“Jean
Simmons: Picture Perfect”: featurette
Banda
Sonora del Film, en track separado, DTS-HD Master Audio 2.0
Trailer
Booklet con
notas sobre el film, escritas por Julie Kirgo
Twilight
Time lanzó al mercado americano la edición limitada (sólo 3.000 copias) en
formato blu-ray de “Moby Dick”, film del año 1956 dirigido por el gran John
Ford y basado en la obra de Herman Melville, una de las mejores novelas de
todos los tiempos y una de las obras cumbre de la literatura norteamericana. No
es extraño que fuera llevada al cine, aunque en las versiones anteriores al
film de John Huston la novela de Melville no fue fielmente adaptada, como por
ejemplo la de 1930, donde el capitán Ahab no sólo sobrevivía, sino
que además mataba la ballena blanca y regresaba a casa junto a su mujer! No fue
hasta que John Huston decidió llevarla a la gran pantalla que la novela de
Melville por fin fue tratada con justicia. Está protagonizada por Gregory Peck,
Richard Basehart, Leo Genn, James Robertson Justice, Orson Welles, Harry
Andrews y Bernard Miles en los papeles principales.
El capitán
Ahab (Gregory Peck) está al mando de un barco ballenero, el Pequod, un
bergantín cuya estructura está construida de hueso de ballena. Su vida
transcurre en el entrepuente y solo sale por las noches. Para la mayoría de la
tripulación es solo un fantasma con una pierna de palo cuyos pasos retumban en
la cubierta. El navío sale a la caza de ballenas, pero al cabo de unos días,
los nuevos tripulantes se enteran de que Ahab tiene una maníaca obsesión, que
es matar una ballena blanca que hace años le arrancó una pierna. Por eso Ahab
tiene una pierna de palo, con la que golpea fuertemente la cubierta del barco
al andar. Su odio contra la ballena es tan grande que está dispuesto a
sacrificar su vida, la de sus hombres y el barco entero para matar a Moby Dick.
Sin embargo, el carisma y la fuerza de sus sentimientos es tan poderosa que
impregna a la tripulación con sus convicciones.
Con un
presupuesto de cinco millones de dólares, el rodaje comenzó en Irlanda, el mal
tiempo no sólo hizo imposible el rodaje, si no que acabó con dos de las
gigantescas maquetas de la ballena. A punto de abandonar todo, a finales de
1954, se trasladaron a las Islas Canarias, dónde pudieron terminar de rodar. El
rodaje de Moby Dick revolucionó (entre finales de 1954 y principios de 1955) la
ciudad de Las Palmas de Gran Canaria. Movilizó a más de cien personas entre
nativos y provenientes de Inglaterra y Estados Unidos, como cuenta el propio
John Huston en sus memorias “A Libro Abierto”. En dos meses, con participación
decisiva de carpinteros locales, se construyeron tanto la réplica de la ballena,
de más de 65 metros de largo, como los alargados botes balleneros de dos puntas
de mitad del siglo XIX en que se sitúa la obra maestra de Melville.
La historia
de John Huston y su ambición por adaptar al celuloide a Moby Dick, tiene mucho
que ver con esa ambición de Ahab por dar caza a la gran ballena blanca. Durante
mucho tiempo el realizador quiso llevar la novela de Herman Melville a la gran
pantalla. Su idea era que su padre, Walter Huston, diese vida al capitán Ahab.
Por desgracia, el fallecimiento de éste en 1950, hizo que John dejase de lado
durante un tiempo el proyecto. Fue tres años después de morir su padre, cuando
el realizador se puso en contacto con Ray Bradbury para trabajar en la
adaptación de la obra. “Moby Dick” es una de las mejores adaptaciones
literarias que se hayan llevado al cine. Cualquiera que haya leído la novela
sabrá que es una obra muy compleja y sin embargo Huston logró centrarse en la
caza de la ballena pero manteniendo al mismo tiempo el espíritu de la obra y
del personaje de Ahab.
En el film,
tras la gradual introducción de Ishamel y Queequeg, Huston hace que la ominosa
figura del capitán Ahab vaya emergiendo poco a poco, hasta explotar en una
serie de escenas grandiosas sostenidas por el carisma de Gregory Peck.
Memorables son los rituales en los que Ahab introduce a su tripulación: el
doblón de oro, el ron, el fuego de San Telmo, Daggoo jurando muerte a la
ballena en un primer plano feroz, el entusiasmo colectivo, la ira del mismo
Ahab... El director de fotografía combinó dos juegos de negativos, uno en
Technicolor y otro en monocromo, logrando así la sensación de antigüedad de la
película. John Huston alternó las escenas filmadas en estudios y playas con
tomas reales de cazas de cachalotes al frente de Madeira.
El Estudio,
preocupado por recuperar la millonaria inversión que suponía la película,
obligó a Huston a contratar a Gregory Peck como protagonista, que ya era una de
las grandes estrellas de la época. La elección de Gregory Peck es totalmente
errónea, ya que el actor era demasiado joven para el papel. Si bien lo
interpreta de manera correcta su actuación se ve ensombrecida por un maquillaje no muy convincente.
Existe, de
manera generalizada, la idea errónea de que Moby Dick es un film de aventuras.
Pero nada más lejos de la realidad y por suerte, Huston y Bradbury, supieron
respetar la esencia de la obra original. Se trata en realidad de una obra de
marcado carácter religioso, donde el viaje que se realiza realmente no es el
del de deseo de un hombre por capturar a una ballena. En ese viaje de venganza
de Ahab, asistimos a un viaje introspectivo, en busca de una venganza que
arrastra al hombre hasta la locura: el deseo tortuoso por encontrar a ese
animal que le arrancó la pierna. Un animal que tiene mucho de divino y que se
asemeja a la figura de un Dios, configurando de este modo una especie de
rebelión del hombre contra Dios. Existe también, en la película, cierto tono
político, representado también en la figura de Ahab. No es simplemente un
capitán con un propósito. Es un líder, con una idea, que busca contagiar al
resto de su tripulación. Y como todo líder político, sabe bien los métodos que
utilizar, para conseguir el seguimiento del pueblo.
Moby Dick
no sólo fue un gran éxito al momento de su estreno, convirtiéndose en la
película más taquillera el año de su estreno y doblando su presupuesto, sino
que el tiempo acabó convirtiéndola en un merecido clásico, como la mejor de las
representaciones cinematográficas posibles, de esa lucha del hombre contra Dios
que escribió Melville. Una obra, dónde quizá su único punto negativo lo podemos
encontrar en la elección de Gregory Peck como el Capitán Ahab. “Moby Dick” es
una obra llena de matices relativamente ocultos, que convierten a esta película
en un film muy interesante para ver y analizar.
Teaser
CALIDAD DE
VIDEO:
Resolución
de Video:1080p / 60
Codificación
de Video: AVC / MPEG-4
Aspect
Ratio: 1.66:1
Zona: 0
(Todas)
La calidad
de transferencia de imagen en la presente edición en blu-ray de Twilight Time
es muy buena, conservando la textura original del celuloide y con buen
balance de negros, manteniendo una profusa calidad de detalles. La
extraordinaria fotografía (nominada al premio Oscar® de la Academia) es de
Oswald Morris, rodada en technicolor, pero con un paleta de tonos fríos y
gastados, que evocan directamente a la época en la que está ambientada la
película. Morris ganó un Oscar® por “Fiddler On The Roof” (1971) y es el
responsable de la cinematografía de films como “The Wiz” (1978), “Oliver!”
(1968), “Moulin Rouge” (1952) y “Lolita” (1962), entre otras.
CALIDAD DE
AUDIO:
Codificación
de Audio: DTS-HD Master Audio Mono
Idioma:
Inglés
Subtítulos:
Inglés
La
transferencia de audio es cuidada y se escucha muy bien a través del canal
DTS-HD Master Audio Mono, sin ningún tipo de distorsiones sonoras. Tanto los diálogos
como los sonidos ambientales de las locaciones en exteriores se escuchan con
gran claridad. La música compuesta por Philip Sainton, compositor francés,se disfruta perfectamente y sin interferir
nunca con los diálogos. Twilight Time la incluye, como lo hace habitualmente,
en un track de audio separado DTS-HD Master Audio 2.0 dentro de los extras de
esta edición en blu-ray.
EXTRAS:
Comentario
de Audio: a cargo de los historiadores cinematográficos Paul Seydor, Nick
Redman y Julie Kirgo
“A Bleached
Whale: Recreating the Unique Color of Moby Dick”: featurette
Posters,
Lobby Cards & Fotos de Producción
Trailer
Original
Banda
Sonora del Film, compuesta, en track separado DTS-HD Master Audio 2.0
Booklet con
notas sobre el film, escritas por Julie Kirgo
Son muchos
los elementos que llaman la atención en esta interesante película. Ya desde sus
primeros minutos lla ma la atención la mirada desafiante hacia ell espectador
de Jane Russell, filmada en espectacular Cinemascope®, el poderoso cromatismo
visual y estético sumados a la fuerza de la banda de sonido Hugo Friedhofer,
nos permite por momentos asistir a un melodrama sublimado por una rara
modernidad en su puesta en escena. La precisión de los movimientos de cámaras,
la relativa sensación de irrealidad de algunos de sus momentos, la musicalidad
e incluso el erotismo que desprenden ciertos instantes de la relación entre la
pareja protagonista, muy pronto se adueñan de un film magníficamente filmado,
donde la precisión de su planificación va en consonancia con un excelente
montaje que permite la fluidez de la trama, permitiendo un enorme y preciso
contraste, por ejemplo, en la parte casi final del film, donde la evolución de
la carrera exitosa (económicamente) de Mamie se contrapone al azaroso trabajo
de Jim en el ejército, quien se consuela leyendo las cartas que le envía su
amada.
