Naxos USA
lanza al mercado americano la edición en formato de audio CD el
álbum “Arvo
Pärt: Live”, un nuevo trabajo discográfico que recoge e interpreta parte de la
obra de este compositor, e interpretado por el Coro des Bayerischen Rundfunks,
el Hilliard Ensemble y la Orquesta de la Radio de Münich. Arvo Pärt es un
compositor estonio nacido en 1935. Se lo identifica como precursor de la música
minimalista, y más específicamente del “minimalismo sacro”. Está considerado un
pionero en ese estilo. El 15 de octubre de 2014 recibió en Tokyo el prestigioso
Praemium Imperiale en la categoría de música. Arvo Pärt saltó a la fama
internacional en 1980 tras verse forzado a abandonar su país junto con su
familia para vivir en Viena y después en Berlín tras una larga lucha con las
autoridades soviéticas.
Pärt ha
conseguido llevar la música sacra a una audiencia más amplia, y lejos de los
confines del servicio religioso, más que casi cualquier otro compositor
contemporáneo. El carácter meditativo de sus obras y su retorno a las formas
musicales más sencillas y básicas, transmiten momentos de intensa
espiritualidad. Incluso antes de su emigración de la Unión Soviética a Austria
y luego a Alemania, Pärt ya había inventado lo que él denominó el estilo
tintinnabuli de composición. Él produjo un ejemplo temprano e importante de
este estilo en 1977 con el Cantus En Memoria De Benjamin Britten, para orquesta
de cuerda y campana, y es también una característica dominante de las tres
grandes obras coralinas que forman la mayor parte de este nuevo lanzamiento,
Arvo Pärt: Live, a saber, las siete antífonas del Magnificat para coro mixto a
capella, el oratorio a gran escala Cecilia, Vergine Romana para coro mixto y
orquesta, y la obra vocal Litania - Oraciones De San Juan Crisóstomo Para Cada
Hora del Día Y Noche para solistas, coro mixto y orquesta. También se incluye
en este álbum el Collage on B-A-C-H para cuerdas, oboe, clavicordio y piano.
Compuesta en 1964, antes de la reorientación estética de Pärt, es una de sus
obras más famosas. A pesar de su radical reducción de los medios de expresión,
la música de Pärt exige el mayor cuidado en la ejecución por parte de quienes
la realizan, lo que ha sido magistralmente realizado en la presente grabación a
cargo del Chor des Bayerischen Rundfunks y el Münchner Rundfunkorchester, cuyo
sonido combinado y homogéneo es un resultado directo de su trabajo en conjunto
durante años.
Pärt ha
dicho que su música es similar a la luz que pasa a través de un prisma óptico:
la música puede tener un significado ligeramente diferente en cada oyente,
creando un espectro de experiencias musicales, similar al arco iris. Su música
se ha usado en más de cincuenta filmes, como Väike Motoroller (1962), Promised
Land (2004), La Morte Rouge (2006) de Víctor Erice o La Gran Belleza (2013) de
Paolo Sorrentino. Su Cantus in Memoriam Benjamin Britten fue usado en Les
Amants du Pont-Neuf (de Léos Carax, 1991) y en la película Japón del cineasta
mexicano Carlos Reygadas. Spiegel im Spiegel fue usado en Wit (de Mike Nichols,
2001), en Swept Away de Guy Ritchie, protagonizada por Madonna (2002); en el
drama Gerry (de Gus van Sant, 2003), Soldados de Salamina (de David Trueba,
2002), Elegy (de Isabel Coixet, 2008), en About Time (de Richard Curtis, 2013)
y más recientemente, Gravity (2014) y en Avengers: Age of Ultron (de Joss
Whedon, 2015).
“Arvo Pärt:
Live” es un álbum indispensable para todo amante de la música de este
compositor, pero ampliamente disfrutable y enriquecedor para todos aquellos que
aún no lo conocen. Estamos frente a una grabación impecable y una
interpretación exquisita a cargo del Coro des Bayerischen Rundfunks, el
Hilliard Ensemble y la Orquesta de la Radio de Münich. Arvo Pärt es un
compositor contemporáneo imprescindible en la escena de la música clásica de
este siglo que merece ser conocido por un público más amplio y este nuevo
álbum, “Arvo Pärt: Live”, es una excelente oportunidad para hacerlo. Puedes ver
nuestra crítica de otra obra del compositor, “Adam’s Passion” en edición
blu-ray en http://www.culturalmenteincorrecto.com/2015/11/part-adams-passion-blu-ray-review.html
CALIFICACION: MUY BUENO
Puedes adquirir este CD en
Naxosdirect, iTunes & Amazon
-->
Título:
“Arvo Pärt: Live” (2017)
Intérpretes:
Coro des Bayerischen Rundfunks, el Hilliard Ensemble y la Orquesta de la Radio
de Münich
“La Música
Clásica y la Guerra Fría” (“Klassik und Kalter Krieg. Musiker in der DDR”) es
un film documental del año 2009 dirigido por Thomas Zintl. Si aún es difícil conocer claramente las influencias ejercidas por la administración norteamericana en lo referido al sector cultural en la República Federal Alemana a través de su “Plan Marshall", ocurre lo mismo para la República
Democrática Alemana, país en el que se centra este documental.
Naxos USA
lanzó al mercado americano la edición en formato blu-ray de este documental de
Thomas Zintl que explora el papel político de la música clásica en la Alemania
del este (RDA) desde el final de la Segunda Guerra Mundial hasta la caída del
muro de Berlín a finales de los años ochenta. Como la música clásica era
considerada políticamente inofensiva en la antigua RDA, se promocionó
fuertemente su aprendizaje desde los sectores politicos de poder. El régimen
además descubrió su gran potencial para generar valores de intercambio cultural
y las tan necesarias divisas extranjeras.
La música
clásica "made in RDA" se convirtió en un éxito de exportación
cultural para el régimen, gracias a orquestas como la Staatskapelle Dresden, la
Gewandhaus de Leipzig y artistas de renombre como Kurt Masur, Peter Schreier,
Franz Konwitschny, Kurt Sanderling y Theo Adam. A través de entrevistas a
personas que vivían bajo el sistema y otros casos de estudio, el documental
explora a través de cincuenta y cinco minutos los destinos tanto de los artistas privilegiados como de los no privilegiados del sistema, y suministra una idea
clara de la influencia que el entorno político ejercía en la vida artística. La
película incluye entrevistas con testigos de la época, tanto de la República
Democrática Alemana y la República Federal de Alemania (RFA).
“Klassik
und Kalter Krieg” utiliza también imágenes de archivo que ilustran la “tutela” que el mando comunista fue realizando sobre la cultura de
la RDA a partir de la creación de dicho Estado. El documental se remonta
incluso a antes de su nacimiento, comenzando con un Berlín en ruinas en mayo de
1945, sobre cuyos escombros el comandante soviético Nikolai Berzarin procede a
reactivar la vida civil y cultural germano-oriental otorgando un especial énfasis en
la música. De hecho, el compositor Siegfried Matthus nos cuenta en el film que
"era increíble que la apertura de los teatros fuera más importante que
algunas cosas esenciales para vivir", cobrando así el arte una importancia
vital; tras lo cual, para Matthus, "está claro que había un interés
estratégico y político".
Esa misma
línea de pensamiento comparte Helmut Schmidt, para el cual "la música
siempre se ha empleado para apoyar objetivos políticos". En opinión de
estos y otros interlocutores, en los momentos germinales de la RDA se buscaba
crear a través de la música un clima de optimismo, una sensación a nivel de
calle de que las cosas se habían reestablecido, de que seguían su curso
cotidiano; con una música, eso sí, de cariz netamente popular, cuando no
populista: folklore, bandas militares, grandes aglomeraciones en los viejos
templos del poder en ruinas para celebrar una suerte de catarsis colectiva.
No
obstante, se produjo luego la progresiva llegada desde Moscú de los agregados
culturales soviéticos, con instrucciones muy precisas para implantar las
políticas educativas y culturales de Stalin. Sin embargo, y tal como sostienen diversos actores del escenario cultural alemán en la posguerra, esa dirección
hizo de la música, como también del deporte, uno de los estandartes y signos de
identidad más reconocibles para proyectar el nuevo Estado al resto del mundo.
Los demonios artísticos proscriptos en la Unión Soviética pronto lo estarían
también en la RDA, fundamentalmente la música dodecafónica y la abstracción: todo aquello asociado a la decadencia burguesa, que entraba en franca oposición
con el realismo socialista que promulgaba el elemento censor y tutelar por
antonomasia en la Alemania comunista.
El
documental también trata la progresiva conquista de la libertad que los artistas
y los ciudadanos de la RDA lograron a medida que se acercaban al decisivo 1989
que supuso la caída del muro. Las trabas que los dirigentes comunistas
impusieron durante décadas a sus músicos llegaban a la imposibilidad total de
abandonar el país. Como recuerda Peter Schreier, fue el cantante Theo Adam el
que primero se plantó frente a los oligarcas del gobierno: o permitían su
salida a Bayreuth, o no volvería a cantar. Ante esto, el gobierno
germano-oriental progresivamente comienza a conceder visados a los músicos bajo
muy severas condiciones ya no sólo de movilidad, sino de remuneración salarial,
reteniéndoles un porcentaje de sus salarios por parte del Estado entre el 20% y
el 50% de lo ganado por el artista en el extranjero. Ello constituía además una
fuente de divisas muy importante. Sin embargo, esto entra en crisis cuando los
músicos empiezan a pedir asilo político en Occidente y la policía política de
la RDA, la Stasi, comienza a poner bajo vigilancia a los intérpretes en gira,
algo para lo cual tejieron toda una red de espionaje dentro de las propias
orquestas y coros; un proceso que no haría sino aumentar la tensión, las
sospechas y el desquebrajamiento de las relaciones entre compañeros.
“La Música
Clásica y la Guerra Fría” (“Klassik und Kalter Krieg”) es un documental que
clarifica muchas cuestiones relativas al uso de la cultura como instrumento de
poder, algo que continúa realizándose hoy ampliamente, aunque de forma más solapada. Un documental imprescindible para los estudiosos
y amantes tanto de la música clásica como para los interesados en la
manipulación de las masas y la opinión pública a través de determinados
sectores del arte.
Según
Wagner, “Don Giovanni” de Wolfang Amadeus Mozart es la "ópera de las
óperas". Recordemos que Don Giovanni está basada en el mito de Don Juan. Mozart compuso la ópera
entre marzo y octubre de 1787, en Viena y en Praga. Surgió como un encargo a
raíz del éxito que tuvo en esta última ciudad el estreno de su anterior ópera,
"Las bodas de Fígaro". Junto con Fausto, la leyenda del Don Juan es
uno de los mitos principales del hombre occidental: eternamente insatisfecho,
víctima de su propia inseguridad, a la que el intelectual intenta combatir a través
de conocimientos y el seductor con conquistas amorosas. La diferencia está en que, contrariamente a la realidad, en la ficción de la ópera a Don Juan lo espera el infierno, por insistir en no arrepentirse de
sus actos y por sus conductas impropias.
Naxos USA
lanza al mercado americano la edición en formato blu-ray de “Don Giovanni”, una
nueva producción dirigida por Dmitri Tcherniakov, y estrenada en
Festival de Aix-en-Provence (Francia), con coproducción del Teatro Real de
Madrid, la Ópera Nacional de Toronto y el Bolshoi de Moscú. La anterior
representación de “Don Giovanni” en este Festival fue en 1998 y tuvo como
protagonistas a Claudio Abbado y Peter Brook, quien ideó su famosa puesta
minimalista.
En esta
puesta, Tcherniakov realiza un análisis complejo y a fondo de una familia rica
de nuestro tiempo. Desarrolla la acción de principio a fin en una habitación de
la casa del Comendador. El mobiliario cambia pero el espacio no. Es una ópera de
"interiores", pero con algunos ajustes en los personajes para lograr que la trama se
mantenga con cierta coherencia dentro de la propuesta de la puesta. Por ejemplo, Zerlina es hija de Doña Ana y Don
Giovanni es el marido de doña Elvira. Y por sobre todo, da un giro moral a la trama: los personajes que rodean y que
acechan a Don Giovanni no aprueban su decadencia. Quieren seguir siendo testigos del peligro que
representa la ruptura de las reglas sociales y morales pre-impuestas y exigen al donjuán que permanezca a la
altura de su fama, del mito.
Bo Skovhus
Dmitri Tcherniakov
A
Tcherniakov le importa sobre todo la naturaleza moral del protagonista y la
reacción que experimenta ante su conducta una acaudalada familia burguesa. Las
cuestiones sociales no son prioritarias, sino que lo determinante en este caso es la decisión del protagonista de tomar un camino diferente a los moldes pre-establecidos y si eso es compatible o no con la moral imperante en la
sociedad. Porque en realidad, para el director, Don Giovanni no es un corrupto
irredimible sino la víctima de una sociedad histérica, alcoholizada,
caprichosae hipócrita. Suscita más piedad que aversión.
Por eso, en la presente puesta en escena no
arderá en los infiernos. El Comendador no vendrá a vengarse desde el más allá sino que será un actor al que han contratado sus familiares para agravar el delirio del
inoperante seductor. No le castigan por ser Don Giovanni, le castigan por haber
dejado de serlo. Por haberse convertido en una caricatura.
El elenco
está constituído por:
Bo Skovhus: Don Giovanni
Kyle
Ketelsen: Leporello
David Bizic: Masetto
Colin
Balzer: Don Octavio
Marlis
Petersen: Doña Anna
Kristine
Opolais: Doña Elvira
Kerstin
Avemo: Zerlina
Anatoli
Kotscherga: El Comendador
La
partitura de Mozart está ejecutada impecablemente por la Freiburg Baroque
Orchestra bajo la batuta del maestro Louis Langrée (director del Festival
Mostly Mozart de Nueva York), uno de los directores de orquesta que más sabe
del repertorio mozartiano. En esta oportunidad Langrée dirigió por primera vez
un “Don Giovanni” con instrumentos de época. Los cantantes realizan una buena labor, resaltándose Bo Skovhus como Don Giovanni, impecable e
imponente desde el punto de vista teatral, aunque quizás sin toda la potencia
vocal necesaria para el papel. Marlis Petersen realiza una interpretación estupenda en
el rol de Doña Ana, como ya nos tiene acostumbrados en cada uno de los
personajes que asume.
Don Giovanni - Ah, taci ingiusto core!
Esta
producción de “Don Giovanni” es sin duda diferente, sobre todo en lo relativo a
la puesta y dirección de actores. Cambia roles y situaciones adecuándolos a una
puesta con tonos de crítica social contemporánea. Dmitri Tcherniakov es un
director escénico rebelde y controvertido. Le encanta escandalizar a la audiencia
con sus puestas.Sus trabajos pueden
gustar o no pero jamás dejan al espectador indiferente. Y este “Don Giovanni”
no es la excepción.
CALIDAD DE
VIDEO:
Resolución
de Video: 1080i / 60
Codificación
de Video: AVC / MPEG-4
Aspect
Ratio: 1.78:1
Región: 0 (Todas)
La calidad
de video de esta edición en blu-ray presentada por Naxos es muy buena. La
claridad de detalles es absoluta, permite disfrutar a pleno cada pequeña particularidad del vestuario
contemporáneo diseñado por el mismo director Dmitri Tcherniakov junto a Elena
Zaitseva, así como cada característica de la escenografía. Cada gesto
o matiz de las actuaciones es captado con perfección y la transferencia de los
colores de la escena es impecable. Por su parte, la dirección del video, súmamente correcta y dinámica, fue realizada por Andy Sommer. La producción en
HD fue realizada por Francois Duplat.
CALIDAD DE
AUDIO:
Codificación
de Audio: Dos Canales: PCM 2.0 Estéreo & DTS-HD Master Audio 5.1
Idioma: Italiano
Subtítulos: Italiano, Inglés, Francés, Alemán, Español
La
decodificación de audio es muy buena y permite escuchar correctamente la
partitura de Mozart, excelentemente ejecutada por Freiburg Baroque Orchestra
bajo la batuta del maestro Louis Langrée así como las voces de los
protagonistas, con calidad y correcta ecualización y matices. Sólo en algunos
momentos de “ensembles” vocales existen algunas superposiciones sonoras. El
canal DTS-HD Master Audio 5.1 brinda, por supuesto, una calidad de sonido
superior y mayor sentido de tridimensionalidad acústica.
EXTRAS:
“Don
Giovanni in Aix-en-Provence”: featurette (26')
Booklet en
francés, alemán e inglés
Don Giovanni, Aix-en-Provence, Ho capito,
signor sì!
