En vísperas
de la Segunda Guerra Mundial, Lea (Shelley Winters), una mujer del sur de
Italia, emigra a una ciudad del norte para reunirse con su marido, que posee un
negocio de venta de lotería. Al poco de llegar, su marido sufre un accidente
cardiovascular que lo deja paralítico. Tendrá entonces que tomar el mando de la
casa y dedicar especial atención a Michele (Antonio Marsina), el único de sus
trece hijos que ha sobrevivido (algunos los perdió antes de nacer y otros
cuando eran aún niños). Esto explica la angustia de perder a su único hijo
cuando este se enamora de una profesora de gimnasia (Laura Antonelli). Lea
tiene, además, un extravagante grupo de amigas y una criada. La necesidad de
proteger a su familia, la amenaza de la guerra y las supersticiones locales,
empujan a Lea a asesinar con un hacha a cuantas amigas ha hecho en el pueblo
para fabricar jabón (y dulces para acompañar el té) con sus cadáveres.
Twilight
Time lanzó al mercado americano la edición limitada (sólo 3.000 unidades) en
formato blu-ray de “Gran Bollito” (aka “Black Journal”), film del director italiano
Mauro Bolognini del año 1977, basado en el caso de la vida real de Leonarda
Cianciulli, llamada “la fabricante de jabón de Correggio”, que asesinó a tres
mujeres de entre 1939 a 1940. Sin embargo, en esta versión cinematográfica
muchos detalles se han cambiado y curiosamente las tres mujeres víctimas son
interpretadas por actores masculinos: Alberto Lionello, Max von Sydow y Renato
Pozzetto.
Mauro
Bolognini dirigió en 1953 su primera película, “Ci troviamo in galleria”, en la
que actuaron dos grandes estrellas del cine italiano: Alberto Sordi y Sophia
Loren. Su carrera dió un giro cuando colabora con los escritores Alberto
Moravia y Pier Paolo Pasolini, quienes le inspirarán para crear “La notte
brava” (1959) y “La giornata balorda” (1960). Bolognini reflejará asuntos tan
delicados como la impotencia sexual en “Il bell'Antonio” (1960, adaptación de
la novela homónima de Vitaliano Brancati) o el deseo incestuoso en “Agostino”
(1962), a partir de un texto de Alberto Moravia.
En “La
viaccia” (1961) adapta la obra de Mario Pratesi y lo hace con un suntuoso
estilo casi viscontiano para reflejar los paisajes de la Toscana, interpretado
por Jean-Paul Belmondo y Claudia Cardinale. El film fue presentado en el
Festival de Cannes (Francia). Ganó dos premios Nastri D’Argento en 1962, por
Mejor Vestuario y Mejor Escenografía. Este estilo personal se manifiesta
también en películas como “L'eredità Ferramonti” (La herencia de los
Ferramonti), película de Bolognini dirigida en 1976. Es una adaptación de la
novela de Gaetano Carlo Chelli, con una excelente interpretación de Dominique
Sanda. El film estuvo en competencia oficial en el Festival de Cannes de 1976,
donde la actriz francesa obtuvo el premio a la Mejor interpretación femenina.
La película
que se aparta notablemente de la temática literaria y del estilo general de
humor o de indagación psicológica de Bolognini es esta película “Gran Bollito”.
En este caso, su estilo avanza hacia el grotesco, no sólo en las
interpretaciones, sino por el desempeño de roles femeninos a cargo de tres
reconocidos actores. Y lo que el director Mauro Bolognini desea significar al
tener a las tres víctimas de Lea interpretadas por hombres es una suposición
que debe hacerse el mismo espectador. Los mismos actores aparecen luego
(después de la muerte de sus personajes) como nuevos personajes masculinos: von
Sydow como detective, Lionello como banquero y Pozzetto como mensajero.
En “Gran
Bollito” Bolognini tiende a dar prioridad a los primeros planos, pero filma con
discreción los tres asesinatos, ya sea en penumbras o mediante una edición
ágil. No hay Grand Guignol aquí. “Gran Bollito” es una variación interesante de
los films sobre asesinos en serie. El director aprovecha para realizer una
crítica a la Iglesia e incluso profundizar algunos aspectos incestuosos del
personaje de Lea frente a su hijo, como la escena en que lo baña o cuando lo
besa. El elenco es impecable (liderado por Shelley Winters) y la película, a
través de la comedia negra, marca una impronta especial en este género de la
mano de un gran director italiano que se aleja de su particular estilo para
concretar un film diferente, raro y crítico. “Gran Bollito” no es una película
para todos, pero sin duda es un must para los amantes del cine italiano, la
comedia negra y los fans de Shelley Winters. CALIDAD DE
VIDEO:
Resolución
de Video:1080p
Codificación
de Video: AVC / MPEG-4
Aspect
Ratio: 1.85:1
La calidad
de la transferencia de imagen es buena, con gran claridad de detalles. Las
escenas interiores, si bien son más oscuras se ven también con total plenitud
de detalles pese a los filtros utilizados (quizás para aligerar el maquillaje
utilizado sobre los rostros de los hombres que representan mujeres), reflejando
minuciosamente cada uno de los elementos que las component.La cinematografía pertence a Armando Nannuzi,
responsable de films como “Jesús de Nazareth” (1977) y “Appassionata” (1975, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2016/06/appassionata-blu-ray-review.html).
CALIDAD DE
AUDIO:
Codificación
de Audio: Un canal: DTS HD Master Audio 1.0
Idioma:Italiano
Subtítulos:
Inglés
El
canalDTS HD Master Audio 1.0 Mono
provee una correcta transferencia tanto de los diálogos como de la música, pero
sin descollar. La banda sonora del film está compuesta por Enzo Janacci,
compositor responsable de la música de films como “Seven Beauties” (de Lina
Wertmüller, 1977, nominado al Oscar como Mejor Film Extranjero), “La Audiencia”
(1972) y “Saxophone” (1978), entre muchos otros.
EXTRAS:
Comentario
de Audio con David Del Valle y Derek Botelho
Trailer de
la película (3:55, HD)
Booklet con
fotos, póster original y notas sobre el film, escritas por Julie Kirgo
El cine
siempre ha tenido inclinación por contar historias basadas en personajes reales
y dentro de estas, la de los asesinos seriales. Estos han dejado un recuerdo
trágico en la historia de la humanidad e incluso han llegado a convertirse en
personajes míticos, como el caso de Jack, el destripador o Ted Bundy. Twilight
Time lanzó al mercado americano la edición limitada (sólo 3.000 copias) en
formato blu-ray de “The Boston Strangler”, film del año 1968 dirigido por
Richard Fleischer (“10 Rillington Place”, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2016/05/10-rillington-place-blu-ray-review.html)
y es una adaptación de el libro homónimo de Gerod Frank acerca de Albert
Desalvo, el estrangulador de Boston, un asesino serial que aterrorizó esa
ciudad desafiando los esfuerzos por atraparlos de una división policial
especial. El film está protagonizado por Tony Curtis, Henry Fonda, George
Kennedy, Mike Kellin, Hurd Hatfield, Murray Hamilton y Sally Kellerman.
Entre 1962
y 1964, trece mujeres fueron asesinadas de manera salvaje, estranguladas y en
algunos casos abusadas sexualmente, por Albert de Salvo (Tony Curtis) en la
ciudad de Boston. Desalvo que trabajaba de fontanero era un hombre casado que
parecía tener una vida como cualquier otro. Ante el pánico público el fiscal
decide encomendar a su ayudante, John S. Bottomly (Henry Fonda), la tarea de
coordinar los esfuerzos de los cuatro cuerpos de policía que poseen
jurisdicción sobre los lugares donde se cometieron los crímenes. La fuerza especial
de Bottomly busca entre los criminales que figuran en las listas de la policía,
pero sin éxito. Sin embargo, en un incidente menor resulta apresado Albert De
Salvo y Bottomly lee su expediente. La cantidad de coincidencias es abrumadora,
convirtiendo a De Salvo en el principal sospechoso de ser el responsable de los
trece asesinatos que estremecieron a la ciudad.
Por el año
en que se rodó el film (1968), el juicio del principal sospechoso(Albert De Salvo) acababa de terminar y era
recluído en la cárcel, donde sería ajusticiado por un interno en 1973. O sea
que los hechos eran aún muy recientes y por ello falta algo de perspectiva
histórica.
Se trata de
una película absolutamente revolucionaria (si la situamos en su contexto y
época), no sólo por la crudeza gráfica con la que se relatan algunos de los
asesinatos, que evidentemente a estas alturas ya está superada, sino por la
forma en que se aborda la temática y el contenido sexual de la misma. No
obstante, en algunas secuencias las acciones solo se sugieren, pero no se
muestran al espectador (la víctima con la botella, la otra con un palo para
limpiar pisos, etc.).
También en
el aspecto técnico se trata de un film revolucionario ya que aplica la técnica
de división de la pantalla, que contribuye a crear una sensación de ansiedad y
paranoia, posteriormente utilizada en innumerables ocasiones en el campo del
videoclip y la publicidad. Esta técnica también ha sido explotada en numerosas
ocasiones (siendo Brian de Palma especialmente famoso por su uso de ella).
También
queda un pequeño espacio para la crítica social en esta arriesgada película de
Fleischer. El film se rodó a finales de los ‘60s, con el Código Hays de ética y
censura aún vigente , en donde los policías dan pistas (con lujo de detalles)
de los ataques sexuales, se asedian a los considerados pervertidos e incluso
(en una muestra de la mentalidad de la época) se considera a las personas gays
como desviados sexuales. La escena en que un hombre gay es interrogado por
Henry Fonda (que se disculpa por tratarlo como pervertido) es muy ilustrativa.
El sospechoso es acusado por una pareja de mujeres jóvenes "que viven como
un matrimonio" (sic), que lo conocen y saben que lee novelas del Marqués
de Sade y posee sus obras completes en la biblioteca de su casa.
Tony Curtis
construye un personaje en apariencia corriente e incluso simpático que, al
igual que la pantalla, es capaz de desdoblarse en su otra personalidad sin
apenas inmutarse, siendo capaz de transmitir también sensaciones encontradas en
el espectador, que no queda impasible ante la enfermedad de DeSalvo. Henry
Fonda encarna perfectamente al funcionario duro e idealista que persigue al
estrangulador. “The Boston Strangler” es un film buen ritmo, detalla los hechos
del caso de manera apasionante y tiene buenas actuaciones. La última mitad da
un giro de tuerca ficticio creado por Hollywood, en sus propios términos para
dar un cierre a la historia. Una buena película, con cierto tono documental,
que pese a la proliferación de asesinos en serie en nuestras pantallas, se ha
mantenido fresca y actual hasta nuestros días.
CALIDAD DE
VIDEO:
Resolución
de Video:1080p / 60
Codificación
de Video: AVC / MPEG-4
Aspect
Ratio: 2.35:1
Zona: 0
(Todas)
La calidad
de transferencia de imagen en la presente edición en blu-ray de Twilight Time
es excelente. Conserva la textura original del celuloide (granosidad) pero con
gran claridad de detalles. La cinematografía es de Richard H. Kline ("King
Kong", de 1976; “The Fury”, de 1978, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2013/04/the-fury-blu-ray-review_4.html;
“Star Trek: The Motion Picture”,de 1979; “Body Heat”, de 1981, entre otros) y
es muy buena, creando las atmósferas justas para la trama.
CALIDAD DE
AUDIO:
Codificación
de Audio: English DTS-HD Master Audio 3.0
Idioma:
Inglés
Subtítulos:
Inglés SDH
La
transferencia de audio es cuidada y ha sido remasterizada a un canal DTS-HD
Master Audio 3.0. Se escucha muy bien, es sólida tanto los diálogos como la música
y efectos especiales de sonido.La banda
sonora es de Lionel Newman ("The St. Valentine’s Day Massacre", 1967, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2015/04/the-st-valentines-day-massacre-blu-ray.html).
La banda de sonido entá incluída dentro de los extras de este disco blu-ray.
EXTRAS:
Comentario
de Audio: a cargo de los historiadores fílmicos David del Valle y Steven Peros
“Split-Screen
Personality”: featurette. William Friedkin habla sobre el film de Richard
Fleischer “The Boston Strangler”
“Real
Killer, Fake Nose” (“Asesino Real, Nariz Falsa”): featurette
“AMC
Backstory: The Boston Strangler”: featurette
Fox
Movietone Newsreel
Trailer
Banda
Sonora del Film, compuesta por John Dankworth, en track separado, presentada en
DTS-HD Master Audio 2.0 estéreo.
Booklet con
fotos y notas sobre el film, escritas por Julie Kirgo
Twilight
Time lanzó al mercado americano la edición limitada (sólo 3.000 copias) en
formato blu-ray de “Moby Dick”, film del año 1956 dirigido por el gran John
Ford y basado en la obra de Herman Melville, una de las mejores novelas de
todos los tiempos y una de las obras cumbre de la literatura norteamericana. No
es extraño que fuera llevada al cine, aunque en las versiones anteriores al
film de John Huston la novela de Melville no fue fielmente adaptada, como por
ejemplo la de 1930, donde el capitán Ahab no sólo sobrevivía, sino
que además mataba la ballena blanca y regresaba a casa junto a su mujer! No fue
hasta que John Huston decidió llevarla a la gran pantalla que la novela de
Melville por fin fue tratada con justicia. Está protagonizada por Gregory Peck,
Richard Basehart, Leo Genn, James Robertson Justice, Orson Welles, Harry
Andrews y Bernard Miles en los papeles principales.
El capitán
Ahab (Gregory Peck) está al mando de un barco ballenero, el Pequod, un
bergantín cuya estructura está construida de hueso de ballena. Su vida
transcurre en el entrepuente y solo sale por las noches. Para la mayoría de la
tripulación es solo un fantasma con una pierna de palo cuyos pasos retumban en
la cubierta. El navío sale a la caza de ballenas, pero al cabo de unos días,
los nuevos tripulantes se enteran de que Ahab tiene una maníaca obsesión, que
es matar una ballena blanca que hace años le arrancó una pierna. Por eso Ahab
tiene una pierna de palo, con la que golpea fuertemente la cubierta del barco
al andar. Su odio contra la ballena es tan grande que está dispuesto a
sacrificar su vida, la de sus hombres y el barco entero para matar a Moby Dick.
Sin embargo, el carisma y la fuerza de sus sentimientos es tan poderosa que
impregna a la tripulación con sus convicciones.
Con un
presupuesto de cinco millones de dólares, el rodaje comenzó en Irlanda, el mal
tiempo no sólo hizo imposible el rodaje, si no que acabó con dos de las
gigantescas maquetas de la ballena. A punto de abandonar todo, a finales de
1954, se trasladaron a las Islas Canarias, dónde pudieron terminar de rodar. El
rodaje de Moby Dick revolucionó (entre finales de 1954 y principios de 1955) la
ciudad de Las Palmas de Gran Canaria. Movilizó a más de cien personas entre
nativos y provenientes de Inglaterra y Estados Unidos, como cuenta el propio
John Huston en sus memorias “A Libro Abierto”. En dos meses, con participación
decisiva de carpinteros locales, se construyeron tanto la réplica de la ballena,
de más de 65 metros de largo, como los alargados botes balleneros de dos puntas
de mitad del siglo XIX en que se sitúa la obra maestra de Melville.
La historia
de John Huston y su ambición por adaptar al celuloide a Moby Dick, tiene mucho
que ver con esa ambición de Ahab por dar caza a la gran ballena blanca. Durante
mucho tiempo el realizador quiso llevar la novela de Herman Melville a la gran
pantalla. Su idea era que su padre, Walter Huston, diese vida al capitán Ahab.
Por desgracia, el fallecimiento de éste en 1950, hizo que John dejase de lado
durante un tiempo el proyecto. Fue tres años después de morir su padre, cuando
el realizador se puso en contacto con Ray Bradbury para trabajar en la
adaptación de la obra. “Moby Dick” es una de las mejores adaptaciones
literarias que se hayan llevado al cine. Cualquiera que haya leído la novela
sabrá que es una obra muy compleja y sin embargo Huston logró centrarse en la
caza de la ballena pero manteniendo al mismo tiempo el espíritu de la obra y
del personaje de Ahab.
En el film,
tras la gradual introducción de Ishamel y Queequeg, Huston hace que la ominosa
figura del capitán Ahab vaya emergiendo poco a poco, hasta explotar en una
serie de escenas grandiosas sostenidas por el carisma de Gregory Peck.
Memorables son los rituales en los que Ahab introduce a su tripulación: el
doblón de oro, el ron, el fuego de San Telmo, Daggoo jurando muerte a la
ballena en un primer plano feroz, el entusiasmo colectivo, la ira del mismo
Ahab... El director de fotografía combinó dos juegos de negativos, uno en
Technicolor y otro en monocromo, logrando así la sensación de antigüedad de la
película. John Huston alternó las escenas filmadas en estudios y playas con
tomas reales de cazas de cachalotes al frente de Madeira.
El Estudio,
preocupado por recuperar la millonaria inversión que suponía la película,
obligó a Huston a contratar a Gregory Peck como protagonista, que ya era una de
las grandes estrellas de la época. La elección de Gregory Peck es totalmente
errónea, ya que el actor era demasiado joven para el papel. Si bien lo
interpreta de manera correcta su actuación se ve ensombrecida por un maquillaje no muy convincente.
Existe, de
manera generalizada, la idea errónea de que Moby Dick es un film de aventuras.
Pero nada más lejos de la realidad y por suerte, Huston y Bradbury, supieron
respetar la esencia de la obra original. Se trata en realidad de una obra de
marcado carácter religioso, donde el viaje que se realiza realmente no es el
del de deseo de un hombre por capturar a una ballena. En ese viaje de venganza
de Ahab, asistimos a un viaje introspectivo, en busca de una venganza que
arrastra al hombre hasta la locura: el deseo tortuoso por encontrar a ese
animal que le arrancó la pierna. Un animal que tiene mucho de divino y que se
asemeja a la figura de un Dios, configurando de este modo una especie de
rebelión del hombre contra Dios. Existe también, en la película, cierto tono
político, representado también en la figura de Ahab. No es simplemente un
capitán con un propósito. Es un líder, con una idea, que busca contagiar al
resto de su tripulación. Y como todo líder político, sabe bien los métodos que
utilizar, para conseguir el seguimiento del pueblo.
Moby Dick
no sólo fue un gran éxito al momento de su estreno, convirtiéndose en la
película más taquillera el año de su estreno y doblando su presupuesto, sino
que el tiempo acabó convirtiéndola en un merecido clásico, como la mejor de las
representaciones cinematográficas posibles, de esa lucha del hombre contra Dios
que escribió Melville. Una obra, dónde quizá su único punto negativo lo podemos
encontrar en la elección de Gregory Peck como el Capitán Ahab. “Moby Dick” es
una obra llena de matices relativamente ocultos, que convierten a esta película
en un film muy interesante para ver y analizar.
Teaser
CALIDAD DE
VIDEO:
Resolución
de Video:1080p / 60
Codificación
de Video: AVC / MPEG-4
Aspect
Ratio: 1.66:1
Zona: 0
(Todas)
La calidad
de transferencia de imagen en la presente edición en blu-ray de Twilight Time
es muy buena, conservando la textura original del celuloide y con buen
balance de negros, manteniendo una profusa calidad de detalles. La
extraordinaria fotografía (nominada al premio Oscar® de la Academia) es de
Oswald Morris, rodada en technicolor, pero con un paleta de tonos fríos y
gastados, que evocan directamente a la época en la que está ambientada la
película. Morris ganó un Oscar® por “Fiddler On The Roof” (1971) y es el
responsable de la cinematografía de films como “The Wiz” (1978), “Oliver!”
(1968), “Moulin Rouge” (1952) y “Lolita” (1962), entre otras.
CALIDAD DE
AUDIO:
Codificación
de Audio: DTS-HD Master Audio Mono
Idioma:
Inglés
Subtítulos:
Inglés
La
transferencia de audio es cuidada y se escucha muy bien a través del canal
DTS-HD Master Audio Mono, sin ningún tipo de distorsiones sonoras. Tanto los diálogos
como los sonidos ambientales de las locaciones en exteriores se escuchan con
gran claridad. La música compuesta por Philip Sainton, compositor francés,se disfruta perfectamente y sin interferir
nunca con los diálogos. Twilight Time la incluye, como lo hace habitualmente,
en un track de audio separado DTS-HD Master Audio 2.0 dentro de los extras de
esta edición en blu-ray.
EXTRAS:
Comentario
de Audio: a cargo de los historiadores cinematográficos Paul Seydor, Nick
Redman y Julie Kirgo
“A Bleached
Whale: Recreating the Unique Color of Moby Dick”: featurette
Posters,
Lobby Cards & Fotos de Producción
Trailer
Original
Banda
Sonora del Film, compuesta, en track separado DTS-HD Master Audio 2.0
Booklet con
notas sobre el film, escritas por Julie Kirgo
La película
que se aparta notablemente de la temática literaria y del estilo general de
humor o de indagación psicológica de Bolognini es esta película “Gran Bollito”.
En este caso, su estilo avanza hacia el grotesco, no sólo en las
interpretaciones, sino por el desempeño de roles femeninos a cargo de tres
reconocidos actores. Y lo que el director Mauro Bolognini desea significar al
tener a las tres víctimas de Lea interpretadas por hombres es una suposición
que debe hacerse el mismo espectador. Los mismos actores aparecen luego
(después de la muerte de sus personajes) como nuevos personajes masculinos: von
Sydow como detective, Lionello como banquero y Pozzetto como mensajero.
CALIDAD DE
VIDEO:
