BUSTER KEATON: "SEVEN CHANCES" ("LAS SIETE OCASIONES") BLU-RAY. CRITICA.

Por

Javier Mitchell

Kino Lorber nos trae nuevamente otro título de la gran filmografía del maestro del cine mudo Buster Keaton. Si bien “Seven Chances” (“Las Siete Ocasiones”) no es tan conocida como “The General”  y “Steamboat Billy, Jr”, ésta es una película que posee una de sus escenas más icónicas y también uno de sus pocos trabajos en los que figura como director (sin co-dirigir con nadie). Basada en la obra de teatro de Rai Cooper Megrue,  Buster Keaton personifica a el agente de bolsa Jimmy Shannon que está prácticamente en bancarrota cuando un abogado le presenta el testamento de su abuelo legándole 7 millones de dólares. Pero para poder heredar ese dinero deberá casarse antes de las 7 de la tarde de su 27 cumpleaños... y tiene sólo unas pocas horas para lograr conseguir la fortuna que salvaría su negocio.

Considerada hoy como una de sus grandes películas y conteniendo algunas de las escenas más recordadas de su carrera, Keaton no sentía especial simpatía por “Las Siete Ocasiones”. El motivo es que era una de las pocas obras realizadas cuyo tema no había sido elegido por él mismo sino impuesto por su productor Joe Schenck. Y en aquella época Keaton, al igual que Harold Lloyd y Charles Chaplin, gozaban del privilegio de poder producir sus películas con control total y con independencia creativa. Esta práctica que dejó de usarse en el sistema de estudios de Hollywood estaba justificada por un argumento irrebatible: las comedias de humor físico gozaban de muchísimo éxito en la época y sus creadores necesitaban realizarlas en condiciones muy especiales que les permitieran improvisar y cuidar los detalles de sus gags. Keaton consideraba que la obra de teatro “Seven Chances” era floja y que además se basaba en un tipo de humor totalmente diferente al suyo, por lo que optó por ignorar por completo el material original y llevar la obra a su propio género y tipo de humor. 

La escena de la persecusión de Keaton por cientos de novias es antólogica (además de ser una pesadilla recurrente en el subconciente de la mayoría de los hombres del mundo!) Comicidad, ingenuidad y destreza física al mejor estilo Keaton que continúan siendo efectivas pese al paso de los años. Genialidad pura e irrepetible para disfrutar a pleno y que dejan con ganas de más y más Buster Keaton!

CALIDAD DE VIDEO:

·      Codificación de Video: MPEG-4 AVC

·      Resolución de Video: 1080p

·      Aspect Ratio: 1.32:1

·      Subtítulos: NO

·      Discos: Un (1) Disco Blu-ray de 50GB

Kino Lorber presenta “Seven Chances” en lo que es, quizás, una de las mejores transferencias y ediciones en blu-ray de films del período mudo. Kino produjo una cuidada y casi perfecta transferencia del film original en 35 mm que posee la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. Pristina, pura, prácticamente sin defectos ( no nos olvidemos que la película tiene 86 años).  Sin innecesarias alteraciones digitales para respetar la obra original, incluye además la restauración cuadro por cuadro de los segmentos de apertura del film filmados en Technicolor (bi-tono: rojo y verde) que fue y sigue siendo una rareza en los films mudos de la época.

CALIDAD DE AUDIO:

·     *  Dos Canales:   * DTS-HD Master Audio 5.1 

    * 2.0 Stéreo

·      Arreglos musicales y dirección musical a cargo de Robert Israel

Ambos canales de audio permiten disfrutar la partitura musical a cargo de Robert Israel de forma clara, sin distorsiones ni ruidos molestos escuchando los instrumentos musicales como si estuviésemos en el medio de la orquesta. El canal DTS-HD Master Audio 5.1 ofrece una distribución de sonido obviamente más moderna, pero si deseamos escucharla en una forma más parecida a cómo fue mostrada en cines en la época de su estreno debemos elegir 2.0 estéreo.

EXTRAS:

* Comentario de Audio y Conversación con los historiadores cinematográficos Ken Gordon y Bruce Lawton.

* A Brideless Groom (“Un Novio Sin Novia”) (1947, 17 min.) un corto de Los Tres Chiflados (Three Stooges) que recicla el argumento de “Seven Chances”, co-escrito por el colaborador de Keaton Clyde Bruckman.

* How a French Nobleman Got a Wife Through the New York Herald Personal Columns (“Cómo un Noble Francés Consiguió Esposa A Través de Los Avisos Personales del New York Herald”) un corto de 1904 dirigido por Edwin S. Porter.

* Ensayo Visual Sobre las Locaciones del Film, por John Bengtson, autor de “Ecos Silenciosos” (Silent Echoes).

* Análisis de la Secuencia en Technicolor a cargo del historiador Eric Grayson. 

 * Galería de Imágenes de Producción.

Esta es quizás la edición en blu-ray más completa de Kino en lo que respecta a su edición de films del período mudo. Ver la película con el comentario en audio secundario de los historiadores cinematográficos Ken Gordon y Bruce Lawton es absolutamente indispensable y lo recomiendo hacer luego de ver el film en su forma original, ya que es no sólo un detrás de escena del mismo sino que clarifica y conecta cada aspecto del film con el resto de la filmografia de Keaton y las influencias que el cine de la época ejerció sobre él y su arte.

 CALIFICACION:  MUY BUENO

Puedes adquirirlo en:  www.kino.com

"Seven Chances" 

(Las Siete Ocasiones")

(1925)

B&N / Color   56 Min.

Director: Buster Keaton

Género: Comedia

Blu-ray SRP: $34.95

DVD SRP: $29.95

Distribuidor: Kino Lorber

Fecha de lanzamiento: Diciembre 13, 2011

DOCUMENTAL "EL SISTEMA": CRITICA DEL BLU-RAY

Por

Javier Mitchell

"El Sistema: Música para Cambiar La Vida", documental dirigido por Paul Smaczny y María Stodtmeier.

"El Sistema" es una red de orquestas infantiles y juveniles, talleres y centros de música de Venezuela, donde más de 250.000 niños aprenden a tocar un instrumento. Fue creado hace unos 30 años por José Antonio Abreu, inspirado por la visión utópica de un futuro mejor. En los barrios más pobres y peligrosos de Caracas, Abreu saca a los niños de la pobreza a través de la música, cambiando simultáneamente la vida de esos niños y sus familias, así como también sus estructuras sociales.

Varios de los jóvenes graduados del sistema están considerados ahora entre los mayores talentos de Europa -los más conocidos son el director de orquesta de 26 años Gustavo Dudamel (Nombrado “Artista Gramophone del Año 2001”) y el bajista Edicson Ruiz, quien con 17 años se convirtió en el músico más joven en ser fichado por la Filarmónica de Berlín.

"Toquen, pero con el corazón, no con la mente" dice uno de los niños rescatando una de las enseñanzas de su maestro. Este es un documental de visión obligatoria. Es el soplo de esperanza que tanto necesita la sociedad en estos tiempos. Es la prueba fehaciente de que la educación sigue siendo el elemento más importante para la superación personal, familiar y socioeconómico de los grupos sociales.

Es imposible ver este documental sin emocionarse hasta las lágrimas. Es sumamente conmovedor ver a estos niños de corta edad dar sus primeros pasos en la música con instrumentos hechos de papel maché (durante tres a seis meses) para pasar luego a los instrumentos reales, con deseos impresionantes de aprender y eligiendo el estudio a los peligros de la calle, la violencia o las drogas. El apoyo de las familias es el motor fundamental en la vida de estos jóvenes y es un ejemplo escucharlos hablar de sus maestros con tanta pasión y respeto. Este es un documental que debiera ser visto por todos los funcionarios de las áreas de economía y educación de todo el mundo, sin descartar a los de USA, quienes eliminan no sólo los presupuestos de educación a niveles irrisiorios, sino también los presupuestos de música, que han sido eliminados en la mayoría de las escuelas del país, aún cuando esta probado que los alumnos que estudian música tienen un rendimiento superior en la totalidad de las asignaturas.

Por  eso es sumamente agradable ver cómo a veces las respuestas y las soluciones provienen de los lugares menos esperados. Este “Sistema” lleva ya treinta años de ejecución produciendo músicos que son disputados en las mejores orquestas de mundo.  Nuevamente, la riqueza de un país no es el único condicionante para mejorar su sociedad y su future. Esta vez el ejemplo exitoso proviene de un país de Latinoamérica, Venezuela, que durante tres décadas ha probado que los objetivos claros y las ganar de mejorar a la infancia y juventud pueden mucho más que el dinero. Y la educación, junto con la música son los mejores caminos a una sociedad con un futuro mejor.  
Un documental imperdible!

CALIDAD DE VIDEO:

Codificación de Video: MPEG-4 AVC

Resolución de Video: 1080i Full HD

                                          Aspect Ratio: 1.78:1

La imágenes de este documental están un paso más adelante de la media de los documentales editados en blu-ray. Tanto las locaciones como los primeros planos presentan una claridad de detalles asombrosos conjugándose perfectamente con los tonos de la cuidada cinematografía que logra mostrar una historia extremadamente edificante sino también plasmar meticulosamente cada una de las emociones.

CALIDAD DE AUDIO:

Dos Canales:   * LPCM 2.0
                         * DTS-HD Master Audio 5.1

Idioma:              Español

Subtítulos:        Inglés, Francés, Español, Japonés

25 GB Blu-ray Disc

Región: 0

Este en un documental donde la música obviamente juega un rol fundamental y la codificación de audio es impecable. Tanto los extractos musicales de la Orquesta de Jóvenes Simón Bolivar como las entrevistas se disfrutan a pleno en DTS-HD Master Audio 5.1, con una mezcla de excelente calidad al servicio de la emotiva historia.

EXTRAS:

·      Audiciones para la Orquesta Nacional de Niños de Venezuela

·      Trailers

CALIFICACION: EXCELENTE

Puedes adquirirlo en:   

www.naxosusa.com  &   www.naxosdirect.com

Título: “EL SISTEMA”

Directores: Paul Smaczny y María Stodtmeier

Género: Documental

Duración:  100 minutos (film) + 9 minutos (extras)

Distribuidor: Naxos USA

Región: 0

"RAPT" ("EL RAPTO"). BLU-RAY. CRITICA.

Por

Javier Mitchell

Lucas Belvaux toma como pretexto un hecho real, el secuestro de una figura de la monarquía belga, el barón Édouard-Jean Empain en 1978,  para la realización de “Rapt” (“El Rapto”), un thriller que se diferencia profundamente de otros films acerca de secuestros extorsivos. Profundamente europeo, este film no está enfocado en las escenas de violencia (como lo haría un film Americano) sino que ofrece una mirada más penetrante, profunda y hasta filosófica de los comportamientos humanos desde cuatro perspectivas: la de la víctima, los secuestradores, su familia y la de sus socios de negocios, cada sector con sus virtudes, miedos y miserias.

Stanislas Graff (Yvan Attal) es un aristócrata egoísta y arrogante que  hace diario abuso de su poder y riqueza sin importarle demasiado los demás. No obstante, y a pesar del malestar iniciático que su comportamiento pueda generar nos vemos enfrentados, por obra de su secuestro, más que a una acto de juzgamiento a meditar hacerca de la futilidad de la vida y las cosas materiales. Y ante esto es imposible no sentir pena o sentirnos identificados con él: cómo un hecho fortuito puede acabar de un trazo todas aquellas cosas que damos por sentadas en nuestras vidas.

 “Rapt” es un film adulto, con un guión cinematográfico excepcional (también de Lucas Belvaux) y excelentes actuaciones de todo el elenco, pero del que necesariamente se destacan Yvan Attal (Stanislas), Anne Consigny (su esposa Francoise) y una estupenda Francoise Fabian en el papel de la aristócrata madre de Stanislas. Este es un film acerca de un secuestro extorsivo pero está lejos de ser un film policial.
 
“Rapt” es una película acerca del comportamiento y las emociones humanas en momentos límites. Acerca de cuán fácil el poder y la opresión cambia de manos y sobre la soledad del poder. Es un film adulto, inteligente, fuerte y extremadamente commovedor. Fue nominado a cuatro Premios Cesar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor.

CALIDAD DE VIDEO:

Codificación de Video: MPEG-4 AVC

Resolución de Video: 1080p

Aspect Ratio: Anamorphic 2.35:1

50GB Blu-ray Disc
Single disc (1 BD)

Si bien éste es un film oscuro filmado mayormente en interiores,  mantiene un perfecto balance de tonos que hacen justicia a una cuidada iluminación y una cinematografía realista y urbana.

CALIDAD DE AUDIO:

DTS HD Master Audio 5.1

Idioma: Francés

Subtítulos: Inglés

La codificacón del audio hace perfecta justicia a las diferentes atmósferas creadas por el director. “Rapt” es un film, aunque policial, de tono intimista, no hay aquí lugar para grandes despliegues de efectos especiales sonoros sino más bien para la creación de climas, y éstos se ven reflejados con excelencia al servicio de la trama, con la decodificación surround adecuada para maximizar sus logros.

EXTRAS:

* Trailers

* Galería de Fotos

CALIFICACION: MUY BUENO

Título: Rapt (2011)

Director: Lucas Belvaux

Género: Drama

Duración: 123 minutos

Fecha de Lanzamiento: 

6 de Diciembre, 2011
Distribuidor: Kino Lorber

Blu-ray SRP: $34.95

DVD SRP: $29.95

“PURGATORIO”: ENTREVISTA CON VIGGO MORTENSEN

Por

Javier Mitchell

 Hasta el 18 de diciembre del 2011 la ciudad de Madrid, España, tiene en su cartelera teatral una obra de calidad exquisita y con un elenco de lujo: “PURGATORIO”, del autor nacido en Argentina y criado en Chile Ariel Dorfman, quien deslumbró hace unos años los circuitos teatrales y cinematográficos con su obra “La Muerte y la Doncella”. El elenco está compuesto sólo por dos personas: Viggo Mortensen (“Lord Of The Ring Trilogy”, “A History Of Violence”, Eastern Promises”) y Carme Elias (“La Flor De Mi Secreto”).

Culturalmente Incorrecto dialogó en Madrid con Viggo Mortensen:

CI: Cómo se originó “Purgatorio” como proyecto teatral?

VM: Yo no conocí a Ariel Dorfman en persona, creo que hasta 2007, en el Festival de cine de Toronto, pero nos habíamos escrito antes y me había mandado una versión de la obra. Esta obra ha ido evolucionando; creo que se presentó en un taller de teatro en Seattle (EEUU), y se ha intentado representar varias veces... Ariel dice, más o menos en broma, que es una obra maldita, que cada vez que trata de presentarla en un teatro, no funciona... alguien enferma, alguien se va, algo pasa..., También ha sido un recorrido largo para nosotros hasta llegar aquí.

Él me había enviado una versión en inglés, y cuando lo conocí en persona hablábamos en español. Yo le pregunté por curiosidad si existía una versión en castellano, y le pareció interesante que lo hiciera en este idioma. Entonces, empezamos a trabajar con Josep Maria Mestres y Ariel fue puliendo la traducción en español. Fue interesante la diferencia entre los idiomas, en las ideas, incluso. Él fue afinando la obra con mejoras que después trasladó a la versión en inglés. ¿Por qué él pensaba que era yo el actor para el papel? No lo sé.

CI:¿Todo este tiempo ha servido para reposar ideas, matices, ha surgido alguna óptica nueva?

VM: Sí, por un lado, a primera vista, es una obra bastante complicada, muy detallada, difícil de entender; por otro lado, cuando vas trabajando y entendiendo lo que está escrito, parece todo bastante sencillo.
Es como cuando uno lo pasa bien... o las cosas van bien en una relación, o como cuando uno actúa, que cuando funciona y todo va bien, es lo más fácil del mundo, y lo más divertido. Cuando va mal es lo más vergonzoso y lo más terrible que hay.

A través de estos dos años que hemos estado trabajando, hemos aprendido cosas, muchas cosas. Incluso anteayer, uno piensa que ya sabe lo que es la obra, y de repente Carme dice algo, y lo entiendo de otra manera... es complicada y está bien escrita, la estructura es muy buena y te hace pensar en muchas cosas.

Pero está llena de trampas: son dos personas que están en el escenario y que no paran de hacerse preguntas, de interrogar; no hay salida fácil.

CI: ¿Es posible el perdón?

VM: Si les pones condiciones, la cagaste.... No se puede poner condiciones al perdón, porque no es perdonar sinceramente.
El purgatorio para los católicos es un estado, un sitio indefinido, pero no es el infierno. Tarde o temprano vas a llegar al cielo. En esta obra, no vas a llegar al cielo. Hacer las cosas bien, pedir perdón y perdonar de corazón, sinceramente, no tiene un premio, es el premio.

Yo pienso que no hace falta creer en Dios ni en un renacimiento para pensar que es una buena idea; para aceptar la idea de que si perdonas sin poner condiciones, haciéndolo sinceramente, lo vas a pasar mejor. Si pones condiciones, no te va a servir de mucho al final.

Hay gente que respeto muchísimo, son tan inteligentes, los escuchas en una conversación o en un debate, en el que te explican con una claridad impresionante sus razones por haber hecho lo que hicieron -cosas feas también- o sus razones para no poder perdonar un acto de otro, o de otra nación, o de otra sociedad. Hay gente que dice: “Hay cosas que no se pueden perdonar”... No lo sé... yo creo que esta obra dice que todo se puede y se debe perdonar. Si uno quiere estar bien, básicamente.

CI: ¿Por qué ha escogido el Teatro Español y Madrid para volver al teatro?

VM: Purgatorio se presenta en las Naves del Español en Matadero porque a Mario Gas y a su equipo les pareció buena idea. A Ariel Dorfman también le gusta que se presente su obra por primera vez en castellano en el Teatro Español. Es un sitio muy bueno; el que vaya, verá que el Matadero encaja muy bien con esta obra, que es visualmente bastante austera. Es un sitio perfecto, hemos tenido mucha suerte de que Mario Gas y el Teatro Español quisieran presentarla.

Ahora estamos en la fase final de los ensayos, y como saben mis compañeros, hay momentos donde todo parece que es imposible. Supongo que el teatro es así; el cine es así también, hasta cierto punto. En el momento que te parece que todo está bien, que lo has solucionado... pues hay otra toma o hay otro ensayo, y no. Hay que estar atento, y esta obra tiene mucho que ver con eso, con el momento.

PURGATORIO

TEATRO

Autor: Ariel Dorfman. Nació en Buenos Aires y, después de diez años de niñez en los Estados Unidos, creció en Chile, donde participó en el gobierno de Salvador Allende como consejero cultural antes de salir rumbo al exilio después del golpe de 1973. Sus libros, escritos tanto en inglés como en castellano, han sido traducidos a más de cuarenta idiomas y sus piezas de teatro montadas en más de cien países.

Su obra dramática, “La Muerte y la Doncella”, que recibió el Lawrence Olivier Award y docenas de premios en todo el mundo, fue adaptada al cine por Roman Polanski con Sigourney Weaver y Ben Kingsley. En Broadway fue dirigida por Mike Nichols, con Glenn Close (Premio Tony), Gene Hackman y Richard Dreyfuss.

 Dirección: Josep Maria Mestres

Del 4 de noviembre al 18 de diciembre

Una producción del TEATROESPAÑOL

Reparto:

HOMBRE:        Viggo Mortensen

MUJER:           Carme Elias

Equipo Artístico:

Dirección de Escena: Josep Maria Mestres

Escenografía: Clara Notari

Iluminación: Ignasi Camprodon (aai)

Vestuario: Rosa García Andújar




MERYL STREEP: LA DAMA DE HIERRO

Por

Javier Mitchell

Margaret Thatcher, ex primera ministra, ahora en sus 80, se encuentra  desayunando en su casa de Chester Square en Londres. A pesar de que su marido, Denis, falleció hace un par de años, la decisión de deshacerse finalmente de su ropa, provoca en ella recuerdos convulsos. Mientras Thatcher se prepara para su rutina diaria, la imagen de su marido - leal, cariñoso y travieso - es tan real que parece estar vivo.

  
El personal de Margaret habla con Carol Thatcher para expresar su preocupación sobre la creciente confusión que sufre su madre entre el pasado y el presente. Esta preocupación aumenta durante una cena en la que Margaret cautiva a sus invitados para poco después distraerse ante las memorias de la noche en la que conoció a Denis, hace 60 años. 

 Una vez que los invitados se han marchado, Margaret se retira a sus aposentos pero no logra dormir. Se levanta, desempolva unas viejas películas caseras y se dispone a mirarlas, reflexionando así sobre los sacrificios personales que hizo para alcanzar sus objetivos profesionales. 

 

 Al día siguiente, Carol convence a su madre para ver a un doctor. Margaret insiste en que no le ocurre nada. Al doctor no le revela los intensos recuerdos de su pasado, que ahora invaden sus días.

 En Chester Square, Margaret lucha contra la marea de recuerdos que le asolan.  Termina de guardar las pertenencias de Denis y reafirma su independencia. Seguirá viviendo con sus memorias pero se da cuenta de que tiene una vida en el presente. Una vida más sencilla pero que merece la pena seguir viviendo.

El film está protagonizado por Meryl Streep y su candidatura al Oscar por este papel está siendo objeto de lobby por la productora The Weinstein Company (ya ganó el New York Critics Circle Award como Mejor Actríz por este film). A lo largo de 40 años Streep ha interpretado una asombrosa variedad de personajes en una carrera que se ha construido trabajando en el teatro, el cine y la televisión. Meryl fue educada en el sistema educativo público de Nueva Jersey y se graduó cum laude por el Vassar College y recibió su Doctorado en Bellas Artes con honores de la Universidad de Yale en 1975. Empezó su carrera profesional en los escenarios de Nueva York, donde rápidamente se estableció gracias a su  brío y versatilidad  como actriz. Tres años después hace su debut en Broadway y gana un Emmy (por Holocausto) y recibe su primera nominación al Oscar (por El Cazador, The Deer Hunter). En 2010, ganó su decimosexta nominación al Oscar por su papel de Julia Child en la película de  Nora Ephron Julie y Julia. 

Meryl Streep se dedica también al cuidado del medio ambiente a través de Mothers and Others, que ella ayudó a fundar en 1989. M&O ha trabajado durante 10 años a promover la agricultura sostenible, establecer nuevas regulaciones de pesticidas y fomentar granjas locales de comida orgánica. También colabora con Equality Now y Women for Women International,  organizaciones que apoyan y protegen los derechos humanos de mujeres y niñas en el mundo entero y también colabora con Partners in Health. Es miembro del comité de Vassar College  y de la Academia Americana de Artes y Letras. Ha sido condecorada Commandeur de L'Ordre des Arts et des Lettres por el Gobierno francés y ha sido premiada por su Carrera Artística por parte del Instituto Americano de Cine. Este año recibió la Medalla Nacional de las Artes del  Presidente Obama.

“La Dama De Hierro” está dirigida por Phyllida Lloyd, quien en el  2008, dirigió su primer largo, Mamma Mia!, protagonizada por Meryl Streep. La película fue nominada a muchos premios, incluyendo el Globo de Oro y se convirtió en un éxito mundial y una de las películas de más éxito de sus tiempos. Lloyd había dirigido la obra de teatro Mamma Mia!, un éxito en las taquillas del West End londinense. Otras obras de teatro dirigidas por ella incluyen producciones en el Royal Court, el Donmar, el Royal National Theatre y el West End. La obra de Mary Stuart pasó del  Donmar al West End y de allí a Broadway, donde fue nominada a los premios Tony como Mejor Director en el año 2009. Lloyd también ha dirigido óperas y en el año 2006 ganó el  Royal Philharmonic Society Award y el South Bank Award por la dirección de Peter Grimes. En 2010 fue nombrada Comendador de la Órden del Imperio Británico, un honor otorgado por Su Majestad, la Reina Isabel II.

WandaVisión estrenará “La Dama De Hierro” en España el 5 de Enero del 2012. En USA The Weinstein Company prevee su estreno para el 30 de Diciembre (estreno limitado) y para el 13 de Enero del 2012 (estreno nacional extensivo).

FICHA TECNICA:

Dirigida por: Phyllida Lloyd
Guión: Abi Morgan
Producido por: Damian Jones
Productores Ejecutivos: François Ivernel, Cameron McCracken, Tessa Ross y Adam Kulick
Coproductores: Anita Overland, Colleen Woodcock
Director de Fotografía: Elliot Davis
Montaje: Justine Wright
Diseño de Producción: Simon Elliott
Música: Thomas Newman
                                                      Vestuario: Consolata Boyle

Duración: 105’
Formato: 2:35
Sonido: Dolby Digital
Nacionalidad: Reino Unido