CULTURALMENTE INCORRECTO

Friday, August 10, 2018

"The Revolt of Mamie Stover": Una mujer que va más allá de los convencionalismos de su tiempo. Blu-ray Review

Por

Javier Mitchell

Twilight Time lanzó al mercado americano la edición limitada (sólo 3.000 copias) en formato blu-ray de “The Revolt of Mamie Stover”, film del año 1956 dirigido por Raoul Walsh, quien aborda el tema de la prostitución desde un lugar distinto y con un toque de feminismo velado. El gran símbolo sexual de aquellos años, Jane Russell, personifica a Mamie, una joven que se va a Honolulu, en plena II Guerra Mundial, para trabajar de prostituta y ganar dinero con el fin de ayudar a su familia. No tiene ningún tipo de cuestionamiento moral, sólo tiene ese objetivo. En el trayecto se enamora de Jim, un escritor militar a quien no le gusta la forma de ganarse la vida de su amada. En medio del bombardeo de Pearl Harbor, él debe ir a combatir y le pide que deje el cabaret y estar solo con él. Ella lo promete pero le salen nuevas oportunidades con marineros que se encuentran en la ciudad, las cuales no rechaza. Esto provoca que más tarde que Jim la abandone. Si bien Mamie se entristece, no cede al amor romántico, ni necesita redimirse. Una vez cumplida su meta, volverá empoderada a visitar a sus padres.

A través de una nueva restauración de 4K, el genial trío creativo compuesto por el director Raoul Walsh (“High Sierra”), el productor Buddy Adler (“From Here to Eternity”) y el guionista Sydney Boehm (“The Big Heat”, también de Twilight Time, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2016/03/the-big-heat-blu-ray-review.html), nos traen esta adaptación de la novela de William Bradford Huie “The Revolt of Mamie Stover”. Protagonizan este film, junto a Jane Russell, Richard Egan, Joan Leslie, Agnes Moorehead, Jorja Curtright, Jean Willes y Michael Pate.

El director Raoul Walsh le da a su heroína una irreverencia inquietante que le permite arremeter contra límites que hasta entonces parecían impensables en el cine de la época (a causa de la censura imperante). Dinero, ambición, poder, se combinan en una bomba molotov que hace de Mamie una figura incómoda, inclasificable. Sin ningún tipo de problema moral, la protagonista invierte su pequeña fortuna en el negocio inmobiliario cuando las bombas japonesas sobre Pearl Harbor deprecian el valor de las propiedades. Pragmática, luchadora, astuta y conciente de su lugar en el mundo, Mamie se abre camino a fuerza de sexo y determinación.

Son muchos los elementos que llaman la atención en esta interesante película. Ya desde sus primeros minutos lla ma la atención la mirada desafiante hacia ell espectador de Jane Russell, filmada en espectacular Cinemascope®, el poderoso cromatismo visual y estético sumados a la fuerza de la banda de sonido Hugo Friedhofer, nos permite por momentos asistir a un melodrama sublimado por una rara modernidad en su puesta en escena. La precisión de los movimientos de cámaras, la relativa sensación de irrealidad de algunos de sus momentos, la musicalidad e incluso el erotismo que desprenden ciertos instantes de la relación entre la pareja protagonista, muy pronto se adueñan de un film magníficamente filmado, donde la precisión de su planificación va en consonancia con un excelente montaje que permite la fluidez de la trama, permitiendo un enorme y preciso contraste, por ejemplo, en la parte casi final del film, donde la evolución de la carrera exitosa (económicamente) de Mamie se contrapone al azaroso trabajo de Jim en el ejército, quien se consuela leyendo las cartas que le envía su amada.

Junto a esta elegancia y precisión en la puesta en escena, “The Revolt of Mamie Stover” se destaca por la capacidad descriptiva que ofrece a la hora de mostrar una sociedad convulsionada por la guerra, pero a la que esta situación no le hace disminuir la hipocresía. En todo momento, pero de una manera casi imperceptible, laa presencia de la intolerancia se manifiesta en aquello que rodea a esta mujer que jamás negará su condición de prostituta, pero que desde la aceptación de su rol, alberga en si misma más integridad y coherencia en el modo de vida que ha elegido, que la mayor parte del contexto que la rodea y abiertamente la desprecia y considera como un elemento cuestionable de la sociedad.

“The Revolt of Mamie Stover” está espléndidamente planteada desde su

puesta en escena, densa en sus premisas argumentales, atrevida en sus conclusiones dramáticas, representativa de su tiempo y al mismo tiempo moderna en su vertiente visual y narrativa. Muestra también una inusual química entre la estupenda Jane Russell (inicialmente estaba previsto que el personaje lo encarnara Marilyn Monroe) y Richard Egan. Estamos frente a un film prácticamente oculto del último período de la larga filmografía de Walsh, uno de los grandes pioneros del cine, que no desmerece en su conjunto de los mejores exponentes de un periodo especialmente brillante en el melodrama cinematográfico. Walsh percibe a tiempo esa amargura que se verá en el cine norteamericano de finales de los años ‘50s con un ojo agudo y adulto y despojando a sus personajes de todo heroísmo convencional.

CALIDAD DE VIDEO:

Resolución de Video: 1080p / 60
Codificación de Video: AVC / MPEG-4
Aspect Ratio: 2:35:1
Zona: 0 (todas)

La calidad de transferencia de imagen en la presente edición en blu-ray de Twilight Time es muy bueno. Conserva la textura original del celuloide (granosidad) pero con gran claridad de detalles, con contrastes fuertes y colores sólidos y vivos. La cinematografía en Cinemascope® a cargo del dos veces nominado al Oscar® Leo Tover es muy buena. Tover es el responsable de films como “From The Terrace” (1960, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2016/02/from-terrace-blu-ray-review.html), “The Day the Earth Stood Still” (1951), “Journey to the Center of the Earth” (1959), “The Heiress” (1949) y “The Snake Pit” (1948), entre otros. La transferencia de esta edición en blu-ray permite disfrutar de cada pequeño detalle tanto de los estupendos interiores en estudio, escenografía y vestuario como así también de las estupendas locaciones, donde el film fue rodado.

CALIDAD DE AUDIO:

Codificación de Audio: English DTS-HD Master Audio 5.1 y DTS-HD Master Audio 2.0
Idioma: Inglés
Subtítulos: Inglés SDH

La transferencia de audio es cuidada y ha sido remasterizada a un canal DTS-HD Master Audio 5.1. Se escucha muy bien, es sólida tanto los diálogos como la música y efectos especiales de sonido. La música compuesta por Hugo Friedhofer se disfruta perfectamente tanto en el canal 5.1 del film como en su canal aislado en DTS-HD Master Audio 2.0. Hugo Friedhofer ha ganado un Oscar® por la música del film “The Best Years of our Lives”, de 1946, “Violent Saturday” (1955, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2014/08/violent-saturday-blu-ray-review.html) y ha compuesto la música de films como “Casablanca” (1942), “Arsenic And Old Lace” (1944), “Robin Hood” (1938) y “Mildred Pierce” (1945), entre otros.

EXTRAS:

Banda Sonora del Film, compuesta por Hugo Friedhofer, en track separado, presentada en DTS-HD Master Audio 2.0 estéreo.
Trailer
Booklet de seis páginas con fotos y notas sobre el film, escritas por Julie Kirgo

CALIFICACION: BUENO +

Puedes adquirir este blu-ray https://www.twilighttimemovies.com/revolt-of-mamie-stover-the-blu-ray/

Título: “The Revolt of Mamie Stover” (1956, Limited Edition)
Género: Drama
Duración: 92 minutos
Distribuidor: Twilight Time
Blu-ray SRP: $29.95
Fecha de Lanzamiento: Julio 17, 2018

Monday, August 6, 2018

"Verdi: Nabucco": Arena di Verona. Grabada en vivo en el 2017. Blu-ray Review

Por

Javier Mitchell

Trailer

“Nabucco” es una tragedia lírica en cuatro partes con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Temistocle Solera, basada en el Antiguo Testamento y la obra Nabuchodonosor, de Anicète Bourgeois y Francis Cornue. Fue compuesta en un período particularmente difícil de la vida del compositor. Su esposa y dos pequeños hijos habían muerto poco tiempo antes y Verdi había prácticamente decidido no volver a componer. El libreto de Nabucco llegó a sus manos casi de casualidad. La composición emprendida casi a regañadientes dio como resultado una obra que cautivó a toda Italia. Naxos USA lanzó al mercado americano la edición en formato blu-ray de “Nabucco”, producción de la Arena di Verona, grabada en vivo en el mes de Agosto del 2017. Está dirigida por Arnaud Bernard, responsible también del vestuario. Alessandro Camera es el diseñador de la escenografía y Paolo Mazzon es el responsible del diseño de iluminación. El maestro Daniel Oren conduce a la Orquesta de la Arena di Verona y Coro. Está protagonizada por George Gagnidze (Nabucco), Rubens Pelizzari (Ismaele), Rafał Siwek (Zaccaria), Susanna Branchini (Abigaille), Nino Surguladze (Fenena), Nicolò Ceriani (Gran Sacerdote de Belo), Paolo Antognetti (Abdallo) y Elena Borin (Anna).

“Nabucco” fue el primer éxito importante de Verdi y con ella se inician los llamados años de galera, en los que compuso a un ritmo frenético, produciendo diecisiete óperas en doce años. El éxito se debe en parte a las cualidades musicales de la obra y en parte a la asociación que hacía el público entre la historia del pueblo judío y las ambiciones nacionalistas de la época. Uno de los símbolos que utilizó, y quizás sigue utilizando, el pueblo para reforzar el ideal independentista fue el coro “Va, pensiero”, del tercer acto, uno de los pasajes corales más representativos de la época. En su época, los italianos lo asimilaron como un canto contra la opresión extranjera en que vivían.

"Va pensiero", el famoso coro del "Nabucco" de Verdi a menudo se cita como un himno nacional no oficial para Italia y se demostró como tal durante todo el Risorgimento cuando el país estaba luchando por su independencia del Imperio austriaco. El pasaje coral, con su nostalgia de un hogar perdido hace mucho tiempo, fue verdaderamente emocional y estableció a Verdi como el compositor del movimiento revolucionario. Así que no es de extrañar que en algún punto, alguna producción del "Nabucco" de Verdi se establezca, no en Babilonia, como originalmente indica el libreto, sino durante esa misma época en la que los hebreos, buscando la independencia, serían retratados como italianos y Nabucco y sus babilonios opresivos serían el Imperio Austríaco.

Para su producción en el Arena di Verona, el director Arnaud Bernard no solo ha hecho esto, sino que ha ido un paso más allá al elegir un período de tiempo muy específico durante el Risorgimento: los Cinco días de Milán. Iniciado el 18 de marzo, los rebeldes italianos en Milán expulsaron a los soldados austríacos y al mariscal Radetzky en cinco días, iniciando la Primera Guerra Italiana. La producción, como señala el director, se inspiró en la película de Luchino Visconti "Senso", específicamente una escena en la que un momento de la ópera "Il Trovatore", también de Verdi, incita el fervor patriótico y finalmente la violencia. Bernard siguió el ejemplo de esa película y sitúa el comienzo de la puesta de “Nabucco” en La Scala en Milán, con el público reunido para ver una presentación de "Nabucco". El público se irrita al ver la actuación y la violencia estalla en todas partes.

Nabucco, interpretado por el barítono George Gagnidze, es un líder brusco y cuesta sentir simpatía por él. Gagnidze lo interpreta con una dureza vocal que respaldaba esta interpretación, lo que hace interesante verlo luego un refinado Nabucco en su gran momento de conversión. Vocalmente es realmente efectivo ya que uno puede sentir la transformación de escena en escena, particularmente en el gran dúo con Abigaile de Susanna Branchini, la "Deh perdona". Como Zaccaria, el líder de los revolucionarios, el barítono Rafał Siwek aprovecha cada oportunidad que se le brinda musicalmente para lanzar su potente bajo sobre la orquesta. No es necesariamente una interpretación sutil, pero coincide con las necesidades de la producción para mostrar a Zaccaria como un valiente guerrero y siemprelisto para dar batalla en cualquier momento. Los roles de Fenena e Ismaele de alguna manera son minimizados por esta producción. Sus roles en esta gran batalla por la liberación italiana son secundarios. El maestro Daniel Oren conduce excelentemente a la orquesta y coros en una interpretación musical intensa, desafiando a sus cantantes a un mayor virtuosismo en todo momento. Los sonidos resuenan eficazmente en la Arena con nitidez

La presente propuesta de “Nabucco” en la Arena di Verona traslada, como mencionamos anteriormente, la trama original del conflicto entre hebreos y babilónicos en Jerusalén al “Risorgimiento Italiano”, al Milán de los célebres cinco días de marzo de 1848, cuando el pueblo se levantó contra el ocupante austríaco en el proceo de la unificación italiana. Y no defrauda. Una puesta potente y altamemente disfrutable tanto visual como musicalmente.

CALIDAD DE VIDEO:

Resolución de Video: 1080i/60
Codificación de Video: MPEG-4 / AVC
Aspect Ratio: 1.77:1
Región: 0 (Todas)

CALIDAD DE AUDIO:

Codificación de Audio: Dos Canales: PCM 2.0 Estéreo & DTS-HD Master 5.1
Idioma: Italiano
Subtítulos: Inglés, Francés, Italiano, Alemán, Japonés & Coreano

EXTRAS:

CALIFICACION: MUY BUENO

Puedes adquirir este blu-ray en

https://www.amazon.com/Gagnidze-Susanna-Branchini-Pelizzari-Orchestra/dp/B07C5NSRYQ/ref=sr_1_fkmr0_2?ie=UTF8&qid=1533505132&sr=8-2-fkmr0&keywords=verdi+nabucco+arena+di+verona+blu-ray

Título: “Verdi: Nabucco” (2017)
Género: Opera
Duración: 132 minutos
Estudio: Bel Air Classiques
Distribuidor: Naxos USA
Nro. de discos: 1 BD-50
Fecha de Lanzamiento: Julio 20, 2018

Tuesday, July 31, 2018

"Respighi: La Campana Sommersa": Un mundo imaginario, música exquisita, interpretaciones excepcionales y una puesta totalmente atrapante. 4K Blu-ray Review

Por

Javier Mitchell

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Naxos USA lanzó al mercado americano la edición en formato blu-ray de la ópera de Ottorino Respighi “La Campana Sommersa” (“La Campana Sumergida”), grabada en vivo em el Teatro Lirico di Cagliari, entre los días 30 de Marzo y 1 de Abril del 2016. La producción está dirigida por Pier Francesco Maestrini, el diseño de escenografía pertenece a Juan Guillermo Nova, el vestuario a Marco Nateri y el diseño de iluminación a Pascal Mérat. El maestro Donato Renzetti conduce a la Orquesta y Coro del Teatro Lírico Caligari y al Coro del Conservatorio Giovanni Pierluigi da Palestrina de Cagliari. Está protagonizada por Valentina Farcas (Rautendelein), Maria Luigia Borsi (Magda), Agostina Smimmero (una Bruja vieja), Martina Bortolotti (Primer Elfo), Francesca Paola Geretto (Segundo Elfo), Olesya Berman Chuprinova (Tercer Elfo), Angelo Villari (Enrico), Thomas Gazheli (Ondino), Filippo Adami (Fauno), Dario Russo (Sacerdote), Nicola Ebau (Maestro), Mauro Secci (Barbero), Martino Corda (primer Niño) y Letizia Puddu (Segundo Niño).

La historia comienza en un prado, en la base del monte donde viven el hada Rautendelein y otros personajes mágicos como hadas, faunos, la bruja y Ondino, el espíritu de las aguas. Rautendelein, a pesar de las advertencias de la bruja (que opina que al ser un hombre debe morir), se enamora de Enrico, un artesano que funde campanas y que llega al prado angustiado y muy enfermo. Una de sus campanas, “la campana sumergida”, descansa en el fondo del lago tras un accidente provocado por el fauno, a quién no le gusta su sonido. Al advertir que el cura, el barbero y el maestro buscan a Enrico, el hada traza un círculo en el suelo alrededor de Enrico para que no se puedan acercar a él. Tras intervenir la bruja y levantar el hechizo, se lo llevan de vuelta a su casa del pueblo, donde le espera Magda, su esposa, que no puede vivir sin él.

Rautendeleinno se da por vencida y llega a buscarle. Éste regresa con ella al monte donde va a vivir con hadas, faunos y el Ondino.El cura retorna para buscar a Enrico. Primero increpa al hada tratándola de bruja y acusándola de habérselo arrebatado a su mujer, a sus hijos y a la cristiandad. Pero Enrico tampoco le hace caso. Quiere construir un templo al sol con las mejores campanas que se hayan visto. Y no va a volver con él. Es más fácil que suene “la campana sumergida” que vuelva al pueblo con él. Sin embargo, poco después se le aparecen los espíritus de sus hijos que le traen una copa con las lágrimas de su madre, que se ha suicidado y descansa el fondo del lago. Tras increpar a Rautendelein como culpable, pide perdón a Dios y escapa. Tiempo después, el hada se convierte en la esposa del espíritu del agua. Enrico, que no puede vivir sin ella, pide a la bruja que le deje verla por última vez. Ésta accede pero el precio será su muerte. Tras el encuentro final, en que el hada inicialmente no le reconoce, se abrazan y se despiden para siempre.

Esta ópera es una obra de la etapa madura de Respighi, y contiene una escritura orquestal inconfundible que es familiar en sus obras instrumentales. Desde el principio, el estilo es claro, con gestos que sólo se pueden atribuir a Respighi. Cuando las voces entran, el elemento instrumental da paso a las voces, que son compatibles con la orquesta y nunca son socabadas. Las líneas vocales son, sin embargo, idiomáticas y reflejan el estilo Verismo de la época, haciendo eco, tal vez, del estilo de que se encuentra en “Turandot” de Puccini. “La Campana Sommersa” también tiene un buen ritmo y las escenas se suceden con fluidez, con cada acto siguiendo al otro satisfactoriamente. Nunca hay un momento superficial o un paso forzado. Más bien, la lógica musical lleva al oyente a través de la obra, con la narración musical apoyando el libreto a la perfección.

“La Campana Sommersa” se refiere a la campana hundida y gira en torno a la intersección de el mundo de los humanos y el de las hadas. Al enfrentar la decisión de elegir entre su esposa, Magda y el elfo Rautendelein, Enrico toma una decisión que cambiará su vida y el mundo que los rodea. El libreto es una fábula que se asemeja, de alguna manera, a la “Russalka” de Dvorak (http://www.culturalmenteincorrecto.com/2015/01/rusalka-blu-ray-review.html), donde el poder del amor debe superar las diferencias que separan diferentes mundos. Ambas historias se pueden considerar como fábulas, involucrando elementos de cuento de hadas que crean escenarios surrealistas.

El elenco tiene grandes méritos, empezando por el tenor, Angelo Villari en el papel de Enrico, que demuestra tener una voz envidiable, otorgando al personaje un carácter impetuoso y también la fuerza escénica requerida. Del mismo modo la soprano Valentina Fargas, con su voz cristalina ideal para el papel del hada, posee una presencia escénica encantadora. No menos brillante está, en el papel del fauno, el excelente tenor Filippo Adami. Muy centrado, tanto vocal como escénicamente, el sacerdote a cargo de Dario Russo, que posee una impresionante voz y estatura escénica. Maria Luigia Bors compone muy bien a la buena Magda traicionada y sumida en la tristeza y el rol de la bruja se destaca a través del timbre de mezzosoprano de Agostina Smimmero.

La batuta del maestro Donato Renzetti, un director de culto y sensible, consigue que la orquesta Cagliari otorgue gran énfasis en lo instrumental y aumente la autonomía estilística de Respighi en una interesante riqueza de detalles. La puesta en escena de esta ópera es tradicional pero tiene un corazón de tecnología moderna. El director Pier Francesco Maestrini esboza la historia con evidente atención a su valor simbólico, pero marcando la inmediatez de lo fantástico, como es típico de los cuentos. Es importante el aporte de Juan Guillermo Nova a través de la escenografía y las proyecciones que dan vida a los telones pintados; Marco Nateri diseñó un vestuario que nos evoca las fábulas de los hermanos Grimm. Y por último, Pascal Mérat propone un diseño lumínico que nos transporta a una atmósfera misteriosa, naturalista y germánica. Esta nueva producción de “La Campana Sommersa” es una oportunidad única para disfrutar esta rara ópera de Respighi y transportarnos a un mundo imaginario a través de música exquisita, interpretaciones excepcionales y una puesta totalmente atrapante.

CALIDAD DE VIDEO: