“La Traviata” es quizás
una de las pocas óperas de Giuseppe Verdi con un contenido totalmente
contemporáneo. Y esta puesta en escena de
Peter Konwitschny es una clara muestra de ello. Despojada
absolutamente de toda escenografía, sólo una silla y diversos telones
encuadran esta historia que esta vez decidió apuntar al texto y las actuaciones
sin ningún elemento amortiguador del drama. Y debo decir que el resultado es
altamente satisfactorio. Para quienes hemos tenido la oportunidad de ver
numerosas versiones tanto en vivo como grabadas de “La Traviata” esta
puesta es una bocanada de aire fresco. Es intensa, provocadora, excelentemente
interpretada y actuada: una muestra más que lo único necesario sobre el
escenario es simplemente el talento.
Marlis Petersen encarna
una Violetta real, moderna y lleva a cabo una de las interpretaciones más
ponderosas del personajes que yo haya visto, desprovista de manierismos,
intensa y de una calidad vocal sublime. Esta Violetta es un personaje
totalmente creíble y conmovedor a la mirada crítica contemporánea. El Alfredo
Germont que interpreta Giuseppe Varano es también más real, no tanto un
hombre joven avasallante sino más bien
un “nerd” con algunos toques de timidez, egoísmo, necedad y un poco de
comicidad. Varano posee una muy buena voz, no quizás entre las más ponderosas
que han interpretado este rol pero que en ningún momento se desmerece y siempre
acompaña de una muy buena labor actoral.
Debo
confesar que si bien la lectura de la propuesta escénica me asustó en un
comienzo, estos miedos se disiparon a los pocos minutos de comenzar la ópera
(es que hay tantas puestas que amparándose en el minimalismo y la modernidad
crean aberraciones que en realidad no son más que un disfraz de pobres puestas en escena
resultado de falta de fondos económicos que ponen de muy mal humor. Pero éste no es el caso aquí). Esta es
una puesta despojada pero impactante, intensa no sólo desde lo vocal sino
también desde lo actoral, filmada con muchos primeros planos priorizando los
sentimientos humanos y los condicionamientos sociales que Verdi pretendía
reflejar en esta obra. Este sufrimiento de amores negados y repudiados
conduce a uno de los mejores finales de Traviata y con mayor fuerza dramática
que haya visto: final no tradicional, con muy poco, un lento camino hacia la oscuridad y mucho
talento. Una metáfora muy apropiada en una puesta perfecta para personas no ortodoxas respecto a la ópera, ya
que ésta es una "regie" no convencional, no sólo respecto a la puesta en escena
sino también en lo musical, ya que se han cortado diversas partes en pos del concepto
final.
CALIDAD DE VIDEO:
·Formato de Video: 1080i Full-HD
·Aspect Ratio: 1.85:1
·Región: 0 (todas)
Dado
el minimalismo de la puesta, los detalles están dados mayormente en los
personajes y sus expresiones, pero éstos se ven muy bien apoyados por un diseño
lumínico preponderantemente cálido. Los primeros planos son extremadamente
detallados y puros permitiéndonos casi sentir las emociones de los personajes.
- “La Traviata en Graz”: una introducción con Ioan Holender. Incluye
entrevistas con Peter Konwitschny y Marlis Petersen así como también escenas de
los ensayos y detrás de la escena.
Violetta Valéry –Marlis Petersen Flora Bervoix – Kristina Antonie Fehrs Annina – Fran Lubahn Alfredo Germont – Giuseppe Varano Giorgio Germont – James Rutherford Gastone – Taylan Memioglu Barone Douphol – Ivan Oreščanin Marchese d'Obigny – David McShane Dottor Grenvil – Konstantin Sfiris Graz Opera Chorus
(Director: Berhard Schneider) Graz Philharmonic Orchestra Tecwyn Evans, Conductor Peter Konwitschny, Director Artístico/ Regisseur Johannes Leiacker, Diseño de Escenario y Vestuario Joachim Klein, Diseño de Luces Grabado en vivo en el
Oper Graz, 2011.
Los ensayos deFollies, el musical de Stephen Sondheim que dirige Mario Gas,
han comenzado ya con el objetivo de estrenar el próximo mes de febrero esta
nueva y gran producción del Teatro Español, con 22 números musicales y en la
que intervienen 32 actores, cantantes y bailarines, además de una orquesta de
19 profesores. Vicky Peña y Carlos Hipólito (en su primera incursión profesional en el género
musical) encabezan el reparto, en el que figuran, entre otros, Muntsa Rius, Pep
Molina, Linda Miraval, Teresa Vallicrosa, Mónica López, Angel Ruiz y Massiel,
que interpretará el tema I’m still here.
Carlos Hipólito Vicky Peña
La escenografía, que recrea los muros de un viejo teatro deteriorado, es de
Juan Sanz y Miguel Ángel Coso, mientras que el magnífico vestuario está
firmado por Antonio Belart, quien se ha inspirado, por una parte, en el
sofisticado mundo de la revista, de sus plumas y lentejuelas, y por otra, en la
moda de los años cuarenta y setenta del pasado siglo. Mario Gas cuenta
también, entre otros colaboradores, con dos coreógrafos: Aixa Guerra y Lluis
Méndez (especialista en claqué).
Después deGolfus de Roma, Sweeney Todd y A little night music, Mario Gas
vuelve a trabajar con una obra de Sondheim, autor de referencia y renovador
del género, ganador de siete Premios Tony, un Oscar y un Premio Pullitzer,
que comenzó su carrera escribiendo las letras para el musical West Side Storyde Leonard Bernstein.
Folliesse estrenó el 4 de abril de 1971 en el Teatro Winter Garden de
Broadway, con música y letras de Sondheim, libreto de James Goldman, y
producción de Harol Prince. Permaneció en cartel 522 funciones. Desde
entonces se han puesto en marcha alrededor de una docena de montajes, y
también se ha presentado en forma de concierto en Nueva York en 1985 y en
Londres en 1996. Actualmente, se representa en Broadway protagonizada por
Bernadette Petters, Jan Maxell, Danny Burstein y Ron Raines.
El espectáculo que dirige Mario Gas es la primera producción en España de
esta obra, que es una poética evocación del mundo de la revista y del teatro
desde los años 20 del pasado siglo hasta 1971, cuando comienza la acción:
“La cortina del teatro es un viejo cortafuegos de amianto cubierto de polvo que
hace años que no se usa. Se oye un tenue sonido de timbales, como de una
tormenta lejana en el tiempo. Lentamente, la cortina comienza a subir.
Empieza la música; suave, lenta, extraña. El escenario es oscuro y misterioso.
En el centro, de pie, está el único e inimitable Dimitri Weissmann, linterna en
mano, inspeccionando los restos de su antaño famoso teatro”.
Antes de que su legendario teatro de revista sea derruido para construir un
garaje, Dimitri Weissmann reúne en una fiesta a los artistas que pasaron por su
escenario. Esa reunión se convierte en el punto de encuentro de personajes
diversos, entre los que se mueven las brillantes sombras del pasado. Y es que,
Folliescontrasta la vida real con la irrealidad del teatro. Esta comparación se
lleva a cabo a través de la historia de dos parejas, una de clase alta –Ben y
Phyllis- y otra de clase media –Buddy y Sally-. Su peripecia vital, desde los
truncados sueños artísticos de juventud a su infelicidad actual, se nos va
desvelando con números que viajan del pasado al presente, a modo de
flasback.
Teatro Español
Beautiful girls, Losing my mind, Broadway baby, I’m still hereson algunas de
las canciones del espectáculo, que evoca las músicas de las revistas de
Broadway, las Ziegfeld Follies, inspiradas en el Follies Bergére –de donde toma
su nombre el género de variedades- y que son el equivalente a nuestra revista.
Este es el primer film realizado por Jean-Luc Godard en
formato digital y en 16:9. Está dividido en tres “movimientos”: “Cosas Como
Estas”, “Nuestra Europa” y “Nuestras Humanidades”. La primera parte es una especie de “collage” sobre personas
e historias entremezcladas y sin conección alguna. Hechos históricos fortuitos
y datos son repetidos por los pasajeros en un ejercicio de libre asociación de
ideas. La política, las ciencias, Shakespeare, Goethe, Genet, Sartre, Conrad:
todo revuelto y sin posibilidad de amalgama , el crucero es como un universo en
miniatura poblado de individualidades egoístas y sordas sin deseo de cooperación
global. La metáfora política es omnipresente en Jean-LucGodard como de
costumbre. “Esta pobre Europa… no
purificada pero corrupta por el sufrimiento. No glorificada pero humillada por
la libertad recapturada. Imagina un desierto…”
No es casual que en Cannes
los críticos norteamericanos abandonaran la sala sin entender nada. El film
se exhibió en el segmento del Festival
de Cannes “Un Certain Regard” con subtítulos hechos por el propio Godard en
“Inglés Navajo”, una suerte de idioma inventado, ya que el director deseaba
que la audiencia internacional captara
el film por la expresividad de las imágenes más que por el idioma: demasiado
para los Americanos!
“Film
Socialisme” es cine puro. Son imágenes de una
belleza cautivante en algunos momentos, simples en otros, como si incluso éstas
fueran un catálogo de clases sociales, pero siempre reflexivas y claras respecto
al mensaje a proclamar, sin necesidad de
palabras.
El episodio de la gasolinera sin automóviles pero con una
llama y una mula es genial. Un padre desesperado por la caída de la economía y con
la necesidad de vender el negocio y una hija que lee “Las Ilusiones Perdidas” de Balzac
son solo algunos de sus elementos. Puro Godard. Audiencias de Disney
abstenerse.
“Film
Socialisme” es un film bello, profundo y
reflexivo. Un fresco social y político de estos tiempos. A sus 80 años,
Jean-Luc Godard sigue siendo el único cineasta que continúa haciendo revolución
a través de sus imágenes en movimiento, un “enfant terrible” que desafía las
décadas pero se mantiene coherente con su línea de pensamiento y su mirada
sobre el mundo. Y hoy más que nunca: porque para algunos artistas, como
Godard, el precio de la integridad todavía
sigue siendo innegociable. Un film “no lineal” no apto para personas
“lineales”. Surrealista. Intelectual. Político. Necesario. Cine en su estado
más puro para deleite de nuestra inteligencia.
CALIDAD
DE IMAGEN:
HD 1920 x 1080p
Aspect Ratio: 1.85:1
Este es un film en el que las
imágenes son de gran belleza y están concebidas como como metáforas de texto.
La composición de la paleta de colores explota en la pantalla como si fuera un
gran cuadro. Texturas, iluminación y definición se disfrutan al detalle y en
todo su esplendor, así como también las escenas compuestas a partir de
propuestas estéticas: como la del niño colorando una reproducción de Renoir (y
no un dibujo animado de Disney!) en la que toda la escena está filmada con
colores y en la textura y estilo del mencionado pintor impresionista.
CALIDAD
DE AUDIO:
DTS
HD Master 5.1
Idioma:
Francés
Subtítulos:
Inglés, “Inglés Navajo”
La decodificación del audio en DTS HD Master 5.1 permite
disfrutar a pleno los diferentes niveles y texturas de los sonido, la música e
incluso los silencios abruptos provocados por una edición que algunos puristas
pudieran calificar de “terrorista” pero que es totalmente fiel al concepto
total de la obra.
EXTRAS:
·“Ensayo Acerca de Film
Socialisme”, por Richard Brody, autor de “Todo Es Cine: Trabajando con Jean-Luc
Godard” (Booklet)
“Carmen” es
probablemente la ópera más vista y conocida en la historia de este género
musical, un fenómeno al cual sólo se le acercan La Bohème, Madame Butterfly y
La Traviata. Durante años, “La Habanera”, una de sus famosas arias, ha sido cantada
miles de veces, ya sea durante las
innumerables representaciones de esta
óperaenteatro, cine,
television, ballet, etc, así como en
cientos de ediciones musicales en vinilos y cds. La histora de esta trabajadora
del tabaco, hambrienta de sexo y aventuras y poseedora de un poder de
manipulación, seducción, malicia y traición continúa hipnotizando audiencias de
todo el mundo cada año. Pero ahora se reinventa y multiplica sus atractivos en
esta producción diseñada y filmada con 16 cámaras en Real 3D en el mes de Junio
del 2011 en el teatro de la Royal House
Opera de Londres, que por primera vez en su historia, adiciona el elemento
de la profundidad en sus producciones filmadas. The Royal Opera House es sin duda una de los más
prestigiosos teatros de ópera del mundo. También conocida como Covent Garden (por el barrio donde se
localiza su teatro-sede), alberga además al Ballet Real de Inglaterra.
George Bizet,
el autor de la obra original, que se inspira en la novela de Próspero Mérimée, jamás imaginó que su
heroína musical llegaría a tales extremos. El estreno de esta obra tuvo lugar
en la Opera Cómica de París, el 3 de
marzo de 1875, constituyendo un éxito, a pesar de que se haya difundido la falsa
idea de su relativo fracas, ya que se hicieron treinta y siete representaciones
luego de su estreno. “Carmen”
pertenece a "La Opera Comique"
francesa tradicional, en la cual arias y coros están entrelazados con diálogos
hablados; un rasgo similar puede ser encontrado en los "singspiels"
alemanes.
Julian Napier,
el director de la película, Carmen 3D,
es un británico que comenzó su carrera en el cine y la fotografía luego de
recibirse en la Universidad de Westminster, pero pronto se trasladó a Los
Ángeles para convertirse en el asistente de dirección de Steven Spielberg en la película ‘Hook’. Regresó luego
a Reino Unido para escribir y dirigir varios cortometrajes de corte ecológico,
alternando su trabajo fotográfico que lo ubica en un sitial de honor en su
país. A la par empezó a rodar musicales en 3D, con figuras como Andrew Lloyd Webber, a coordinar sonido
efectos especiales para varios espectáculos teatrales, y a trabajar con su
padre, el también reconocido John Napier,
en la producción de algunas transmisiones deportivas, todas ellas en 3D, y fue
figura clave en el lanzamiento del primer canal televisivo tridimensional de
Europa, el Sky Television.
La mezzosoprano inglesa Christine Riccie
interpreta a Carmen.
Nació y se educó en Manchester y luego ingresó al prestigioso
Royal Northern College of Music, donde estudió con el maestro Robert Alderson.
Es una de las estrellas centrales de The Royal Opera House, habiendo
participado en diversos títulos operáticos como Otello, Madama
Butterfly, La tempestad, Lady Macbeth
y Sueño
de una noche de verano, entre otros.
Bryan Hymel (Don José), ganó el Concurso Aria de Verdi en el Festival
de Música de Aspen, Colorado a los 19 años. A los 20 fue finalista en el
Consejo Nacional de Audiciones de Estados Unidos y desde entonces comenzó su
carrera internacional. Su debut fue en 1998 como el mensajero de los filisteos
en Samsón
y Dalila en la Ópera de Nueva Orleans. En los últimos años se
ha paseado por los más importantes teatros del mundo y trabajado con varias
compañías en Canadá, Venezuela, Italia, Reino Unido, Boston y Países Bajos.
En 2008 tuvo una gran carrera de éxito en las competiciones, siendo nombrado el
ganador del primer premio de la Fundación
Giulio Gari, la Loren L. Zachary
Concurso Vocal, y el Licia Albanese
/ Fundación Concurso de Puccini . En 2009 fue nombrado Top Ganador del
Premio del Concurso Fundación Gerda
Lissner. “No me puedo quejar de la suerte
que he tenido en mi carrera, pero lo único que me faltaba era verme en una
pantalla gigante y con profundidad 3D. No tengo más que pedirle a la vida”, comenta Hymel.
El
barítono griego Aris Argiris encarna
al torero Escamillo, quien rivaliza con Don José por el amor de Carmen. En
tanto la sensible Micaela, enamorada sin esperanzas de Don José, es
interpretada por una de las jóvenes cantantes más prometedoras del momento, la
soprano letona Maija Kovalevska.
Ganadora del influyente concurso Operalia
en el 2006.
La puesta en escena es de Francesca Zambello, quien a través de
un estilo realista y atractivo manejo de grandes grupos humanos en escena, logró
que esta “Carmen” se convirtiera el
año anterior en uno de los montajes más exitosos y celebrados del Royal Opera House.
CALIDAD DE VIDEO:
* Video: MPEG-4 MVC
* Resolución: 1080p * Aspect Ratio: 1.78:1
* Región: 0
La calidad de video
de esta edición en blu-ray es simplemente excelente. Diseñada para 3D, la
puesta en escena no es recargada, es pura, simple y toma ventaja de toda la
excelencia del sistema 3D con multiples elementos saliendo de la pantalla hacia
el espectador haciéndolo partícipe de la acción. Las imágenes son claras y con
perfección de detalles. La profundidad permite la creación de niveles
dramáticos que el director sabe explotar muy bien al servicio de la historia y
la estética. Esta primera producción de
ópera en sistema 3D real es sencillamente fantástica: nos permite vivir “Carmen”
como nunca antes, nos incorpora como un personaje más dentro el grupo, viviendo
la historia desde adentro y desde diversos puntos de vista: algo que desde la
simple butaca del teatro es imposible. Es una experiencia artística y sensorial
que no podemos darnos el lujo de perder!
CALIDAD DE AUDIO:
Dos Canales: LPCM 2.0 / DTS 5.1
Subtítulos: Inglés, Francés, Español, Portugués,
Alemán e Italiano.
La decodificación de audio es excelente y acompaña de manera
perfecta la historia a través de todos los canales, con sonido envolvente que
respeta las atmósferas intimistas y potencia las grupales apoyando los climas
emocionales de la obra. Las voces se escuchan perfectamente en todas sus
facetas y cadencias para gloria de los protagonistas y placer de la audiencia.
Una partitura fantástica interpretada magistralmente y apoyada por pura
excelencia.
Kino Lorber nos trae nuevamente otro título de la gran filmografía del
maestro del cine mudo Buster Keaton.
Si bien “Seven Chances” (“Las Siete
Ocasiones”) no es tan conocida como “The
General” y “Steamboat Billy, Jr”, ésta es una película que posee una de sus
escenas más icónicas y también uno de sus pocos trabajos en los que figura como
director (sin co-dirigir con nadie). Basada en la obra de teatro de Rai Cooper Megrue, Buster
Keaton personifica a el agente de bolsa Jimmy Shannon que está prácticamente
en bancarrota cuando un abogado le presenta el testamento de su abuelo
legándole 7 millones de dólares. Pero para poder heredar ese dinero deberá
casarse antes de las 7 de la tarde de su 27 cumpleaños... y
tiene sólo unas pocas horas para lograr conseguir la fortuna que salvaría su negocio.
Considerada
hoy como una de sus grandes películas y conteniendo algunas de las escenas más
recordadas de su carrera, Keaton no sentía especial simpatía por “Las Siete
Ocasiones”. El motivo es que era una de las pocas obras realizadas
cuyo tema no había sido elegido por él mismo sino impuesto por su productor Joe Schenck. Y en aquella época Keaton,
al igual que Harold Lloyd y Charles Chaplin, gozaban del privilegio de poder
producir sus películas con control total y con independencia creativa.
Esta práctica que dejó de usarse en el sistema de estudios de Hollywood estaba
justificada por un argumento irrebatible: las comedias de humor físico gozaban
de muchísimo éxito en la época y sus creadores necesitaban realizarlas en
condiciones muy especiales que les permitieran improvisar y cuidar los detalles
de sus gags. Keaton consideraba que la obra de teatro “Seven Chances” era floja y que además se basaba en un tipo
de humor totalmente diferente al suyo, por lo que optó por ignorar por completo
el material original y llevar la obra a su propio género y tipo de humor.
La
escena de la persecusión de Keaton por cientos de novias es antólogica (además de ser una pesadilla recurrente en el subconciente de la mayoría de los hombres del mundo!) Comicidad, ingenuidad y destreza física al mejor estilo Keaton que
continúan siendo efectivas pese al paso de los años. Genialidad pura e
irrepetible para disfrutar a pleno y que dejan con ganas de más y más Buster Keaton!
CALIDAD DE VIDEO:
·Codificación de
Video: MPEG-4 AVC
·Resolución de
Video: 1080p
·Aspect Ratio:
1.32:1
·Subtítulos:
NO
·Discos:
Un (1) Disco Blu-ray de 50GB
Kino Lorber presenta “Seven Chances” en lo que es, quizás, una de las mejores
transferencias y ediciones en blu-ray de films del período mudo. Kino produjo una cuidada y casi
perfecta transferencia del film original en 35 mm que posee la Biblioteca
del Congreso de Estados Unidos. Pristina, pura, prácticamente sin defectos ( no
nos olvidemos que la película tiene 86 años).
Sin innecesarias alteraciones digitales para respetar la obra original,
incluye además la restauración cuadro por cuadro de los segmentos de apertura
del film filmados en Technicolor (bi-tono: rojo y verde) que fue y sigue siendo
una rareza en los films mudos de la época.
CALIDAD DE AUDIO:
· * Dos Canales: * DTS-HD Master Audio 5.1
* 2.0 Stéreo
·Arreglos
musicales y dirección musical a cargo de Robert Israel
Ambos canales de
audio permiten disfrutar la partitura musical a cargo de Robert Israel de forma
clara, sin distorsiones ni ruidos molestos escuchando los instrumentos
musicales como si estuviésemos en el medio de la orquesta. El canal DTS-HD
Master Audio 5.1 ofrece una distribución de sonido obviamente más moderna, pero
si deseamos escucharla en una forma más parecida a cómo fue mostrada en cines
en la época de su estreno debemos elegir 2.0 estéreo.
EXTRAS:
* Comentario de Audio y Conversación con
los historiadores cinematográficos Ken
Gordon y Bruce Lawton.
*A Brideless Groom (“Un Novio Sin Novia”) (1947, 17
min.) un corto de Los Tres Chiflados (Three
Stooges) que recicla el argumento de “Seven Chances”, co-escrito por el
colaborador de Keaton Clyde Bruckman.
* How a French Nobleman Got a Wife Through the New York Herald Personal
Columns (“Cómo un Noble Francés Consiguió Esposa A Través de Los Avisos
Personales del New York Herald”) un corto de 1904 dirigido por Edwin S. Porter.
* Ensayo Visual Sobre las Locaciones del
Film, por John Bengtson, autor
de “Ecos Silenciosos” (Silent Echoes).
* Análisis de la Secuencia en Technicolor
a cargo del historiador Eric Grayson.
* Galería de Imágenes de Producción.
Esta es quizás la
edición en blu-ray más completa de Kino en lo que respecta a su edición de
films del período mudo. Ver la película con el comentario en audio secundario de
los historiadores cinematográficos Ken Gordon y Bruce Lawton es absolutamente
indispensable y lo recomiendo hacer luego de ver el film en su forma original,
ya que es no sólo un detrás de escena del mismo sino que clarifica y conecta
cada aspecto del film con el resto de la filmografia de Keaton y las
influencias que el cine de la época ejerció sobre él y su arte.
