Este año,
la apertura de la sección “Un Certain Regard” del Festival de Cannes se realizó
con la proyección del film de Sofía Coppola “The Bling Ring”. Coppola escribió
el guión y dirigió el film basándose en un artículo de Vanity Fair redactado
por Nancy Jo Sales y titulado «The Suspects Wore Louboutins» (“Los Sospechosos Usaban
Louboutines”). El artículo perfilaba al grupo de jóvenes ladrones y
obsesionados con la fama de la banda "Bling Ring", quienes entre
octubre de 2008 y agosto de 2009 robaron aproximadamente $3 millones en bienes
de los hogares de diversas celebridades residenciadas en Los Ángeles, entre
ellas Paris Hilton, Lindsay Lohan y Orlando Bloom, entre otros.
Sofía Coppola
“…No es un
documental…”, recuerda Coppola, pero algunos de los diálogos están sacados
directamente de los registros policiales, de los vídeos de seguridad y de lo
que le contaron dos de las verdaderas chicas de la historia. "Fue
interesante escuchar algunos detalles, cosas que no habría podido ni inventar,
como que se les pasara por la cabeza robar el perro de Hilton…", añadió la
realizadora, que cambió los nombres porque "…No quería que fueran más
famosos de lo que son por lo que hicieron…".
En junio de
2012, se informó que el oficial de policía Brett Goodkin, uno de los
principales colaboradores y supervisor del caso original, estaba siendo
investigado por el Departamento de Policía de Los Ángeles (LAPD) por su trabajo
como asesor técnico en “The Bling Ring” mientras que el caso estaba todavía en
curso. Además, Goodkin también tuvo un cameo en la película interpretando a un
oficial de policía.
La
producción se llevó a cabo principalmente en los alrededores de Los Ángeles,
California, en marzo y abril del 2012, especialmente en West Hollywood, Lynwood
y Venice.
Sobre la
película, Sofía Coppola sostiene: “…Los Ángeles desempeña un papel esencial en
la cultura norteamericana. Es lo que muestra esta película: un mundo de
celebridades, de telerrealidad. Esta historia no podría haber ocurrido en otra
parte. Estos niños vivían muy cerca de estas estrellas…”.
El film
está protagonizado por Emma Watson (“Harry Potter” saga) y nombres recién
llegados a la industria, como Katie Chang, Israel Broussard, Taissa Farmiga o
Claire Julien, en los que la directora buscó expresamente que su edad se acercara
a la de los verdaderos protagonistas.
Un curioso
hecho (que tiene paralelismos con el tema de la película) sucedió la misma
noche del estreno de la misma: un grupo de ladrones robó joyas de Chopard
destinadas al uso de las celebrities del festival. Sofía Coppola bromeó sobre
la coincidencia y dijo que todos los actors “tenían coartada!”: “Estaban en el
estreno y después fueron al after-party… el hecho parece un truco publicitario!”
“Jeune et
Jolie” (“Young and Beautiful”) el ultimo film del director francés François
Ozon es el retrato de una joven de 17 años a través de cuatro estaciones y
cuatro canciones. Es una película sobre el paso a la mayoría de edad con la presencia
de la actriz Marine Vacth prácticamente en cada escena, a menudo desnuda. Vemos
por primera vez a Isabelle, de 17 años, con su adinerada familia en unas
vacaciones de verano, cuando mantiene relaciones sexuales por primera vez con
un joven. Meses después, ha comenzado una vida secreta como prostituta.
François
Ozon & Marine Vacth
François Ozon, habló con CULTURALMENTE INCORRECTO sobre éste, su 14°
largometraje, “Jeune et Jolie” (“Young
and Beautiful”), presentado a concurso en el 66° festival de Cannes.
C.I.:Más
que un documental sociológico sobre la prostitución estudiantil, “Jeune et
Jolie” es sobre el despertar secreto de los sentimientos y la sensualidad en
una adolescente. ¿Cuál fue su intención principal al hacerla? François
Ozon: La adolescencia está muy presente en mis cortos y en mis primeros
largometrajes. Hasta “Bajo la Arena” no empecé a rodar con actores más mayores.
La experiencia con los dos adolescentes de En la casa me dio ganas de trabajar
otra vez sobre esta edad. Tengo la impresión de que la adolescencia está
extremadamente idealizada en el cine francés e internacional. Yo tengo un
recuerdo doloroso de mi adolescencia y quería abordarla con la madurez, la
experiencia y la distancia de los años. Quería retratar a una joven de nuestro
tiempo, en un contexto realista pero con una puesta en escena más bien
impresionista, con las cuatro estaciones y las cuatro canciones. También
deseaba dejar agujeros: esta adolescente sigue siendo un misterio, incluso para
mí.
C.I.:¿Fue difídil tratar esta temática sin emitir un juicio de valor o
caer en la empatía? François
Ozon: Siempre tiendo a establecer distancia porque el espectador es inteligente
y no necesita de subrayado alguno. No obstante, podemos identificarnos, en
especial con los padres. Balanceé la narración para poder ver a la protagonista
desde distintos puntos de vista. Todos los personajes se muestran inestables
alrededor de Marine, que es algo así como un ángel exterminador. Todos intentan
hacerlo lo mejor posible en una situación complicada pero ella los devuelve a
su hipocresía y a sus mentiras.
Marine Vacth
C.I.:¿Es
esta una película sobre la melancolía? François
Ozon: La adolescencia es el nacimiento de la desilusión: el amor no es como
creíamos que era, la autoridad de los padres se pone en entredicho. Todo
empieza a quebrarse después de la idealización de la infancia. La primera vez
que practicamos sexo no tiene por qué ser genial; estamos y no estamos,
descubrimos nuevas facetas de nuestra personalidad. Algunos de los tormentos de
esta etapa de la vida están perfectamente reflejados en las canciones de
Françoise Hardy.
C.I.: ¿Qué
puede decirnos de la prostitución estudiantil y los peligros de Internet? François
Ozon: La prostitución ha sido un tema recurrente en el cine; uno de los que la
abordó fue Buñuel en los años 60 en Bella de día ("Belle de Jour"). Quería dar
puerta a la motivación que a uno le viene a la mente de inmediato: el dinero.
Quería dejar varias pistas, sin ideas preconcebidas, y acompañar al personaje
sin juzgarlo. Internet es una realidad pero de ningún modo era mi intención
denunciarlo. No hay juicio moral en la película.
Marine Vacth
C.I.:¿Cómo
descubrió y escogió a Marine Vacth? François
Ozon: Organicé un gran casting y vi a muchas chicas de entre 16 y 20 años.
Hacía pruebas, que es lo que me gusta. Cuando vi a Marine, la vi de inmediato
distinta de las otras, que se centraban siempre en el realismo. En Marine veía
un mundo interior, un misterio en sus ojos, lo que yo buscaba. A continuación
hicimos ensayos con ella y Géraldine porque era muy importante que la relación
entre madre e hija funcionase. Lo mismo vino después con Fantin, que encarna al
joven padre. Marine no tenía mucha experiencia, dos películas nada más, pero el
hecho de ser modelo la ayudó, seguramente, a la hora de encarar las escenas de
desnudos, que suelen dar cierta vergüenza a las actrices.
El 21 de
octubre de 2012 se celebró en Chicago el cumpleaños número 100 de Sir Georg
Solti con el Concierto del Centenario, con la participación de la Orquesta
Mundial por la Paz y estrellas invitadas. Esta orquesta debe su existencia a la
visión de su fundador, Sir Georg Solti, quien creía fervientemente en la paz y
el poder de la música y los músicos para ser embajadores de la paz. Solti creó
esta orquesta con los que él consider los mejores músicos de las mejores
orquestas del mundo. La UNESCO le otorgó por esto el título de Artista Por La
Paz. Presentado por la viuda de Solti, Lady Valerie Solti, quien mencionó
momentos importantes en la vida y carrera de su marido, solistas como Angela
Gheorghiu y René Pape, así como miembros de la Georg Solti Accademia, esta
velada memorable presentó también tributos de estrellas de la música clásica
tales como Anne-Sophie Mutter, Placido Domingo, Renee Fleming, Dame Evelyn
Glennie y Andras Schiff entre otros.
Sir Georg
Solti, (Budapest, 21 de octubre de 1912 - 5 de septiembre de 1997),
director de orquesta húngaro nacionalizado británico, fue junto a Herbert von
Karajan, Sergiu Celibidache, Leonard Bernstein y Carlo Maria Giulini uno de los
más famosos directores de orquesta de su generación, versátil en repertorio
operístico, sinfónico y de cámara. Fue pionero en la grabación en estéreo de
óperas completas y estrella de la compañía Decca, con la que grabó 250 discos y
45 óperas completas. Bajo su regencia las casas de ópera de Fráncfort, Múnich,
Londres y la Orquesta Sinfónica de Chicago tuvieron períodos de reconocido
esplendor.
Fue el
director responsable de la primera grabación discográfica en sistema estéreo
del ciclo “El Anillo del Nibelungo” (“Der Ring des Nibelungen”) de Richard
Wagner, interpretación en la que contó con la participación de Hans Hotter,
George London, Kirsten Flagstad, Christa Ludwig, Birgit Nilsson, Wolfgang
Windgassen, Gottlob Frick, Régine Crespin, James King, Claire Watson, Dietrich
Fischer-Dieskau entre otros eminentes cantantes wagnerianos, así como con la
Filarmónica de Viena.
Angela
Gheorghiu & Valery
Gergiev
Es también
la persona con mayor número de premios Grammys conseguidos, con un total de
nada más y nada menos que treinta y ocho. Personalmente ganó 31 Grammys y
obtuvo en total 38 Grammys (6 fueron como ingeniero y 1 como solista); fue
nominado otras 74 veces antes de su muerte en 1997.
Condecorado
como Cavaliere di gran croce dell'Ordine al merito della Repubblica italiana y
condecorado en Hungría, Alemania y otros países así como el Premio Kennedy.
Naxos USA
lanza al mercado americano la edición en formato blu-ray de este concierto
único e irrepetible: el “Solti Centenary Concert”, grabado en vivo el 21 de
octubre del 2012 en Chicago en el Symphony Center. Un evento que evidentemente
fue limitado en la posibilidad de asistir, tanto por la capacidad del teatro
como por el hecho de que se trató de un sólo evento. Ahora tenemos la
posibilidad de poder attender a esta producción de lujo, desde la comodidad de
nuestra casa y como si estuviéramos sentados en la mejor butaca del teatro.
Tenemos la posibilidad de disfrutar no sólo un excelente concierto conmúsicos de excelencia y cantantes de
primerísimo nivel, sino también ser testigos de una retrospective musical de
uno de los conductors de orquestas que marcó a fuego no sólo el negocio de la
música clásica en concierto sino de su industria discográfica. Una oportunidad
imperdible con un concierto para ver no sólo una vez sino para verlo y
escucharlo en reiteradas oportunidades.
Valery
Gergiev
Elenco:
Angela
Gheorghiu, soprano
René Pape,
bajo
Tereza
Gevorgyan, soprano
Matilda
Paulsson, mezzo-soprano
Roberto
Gòmez-Ortiz, tenor
Ross
Ramgobin, baritono
Cristian
Macelaru, conductor
World
Orchestra for Peace
Valery
Gergiev, conductor
Valerie
Solti, presentadora
Grabado en
vivo en elSymphony Center, Chicago, el
21 de Octubre del 2012
Programa:
Wolfgang
Amadeus Mozart: Le Nozze di Figaro
Overture
Richard
Strauss: Don Juan, Op. 20, TrV 156
Wolfgang
Amadeus Mozart: Die Zauberflöte
Act II: In
diesen heil’gen Hallen
Giuseppe
Verdi: La Traviata
Act III:
Addio del passato
Wolfgang
Amadeus Mozart: Don Giovanni
Act I: La
ci darem la mano
Giuseppe
Verdi: Rigoletto
Act III:
Bella figlia dell’amore
Gustav
Mahler: Symphony No. 5 in C sharp minor
IV.
Adagietto
Béla
Bartók: Concerto for Orchestra, BB 123
Encore:
John Philip
Sousa: Stars and Stripes Forever
World
Orchestra for Peace
CALIDAD DE
VIDEO:
Resolución
de Video:1080i / 60
Codificación
de Video: AVC / MPEG-4
Aspect
Ratio: 1.78:1
Zona: 0
(Todas)
La calidad
de transferencia de imagen en la presente edición en blu-ray de Naxos USA es
muy buena, con buenos movimientos de cámara en la filmación dándonos como
consecuencia un concierto ágil en algo que es bastante estático como es una
orquesta sobre el escenario y sus artistas en concierto. Primeros planos
perfectos nos brindan la oportunidad de participar tanto del virtuosimo como de
los sentimientos tanto de los cantantes como de los integrantes de la orquesta
en la ejecución de las diferentes partituras.
CALIDAD DE
AUDIO:
Codificación
de Audio: Dos Canales: LPCM 2.0 & DTS-HD Master Audio 5.0
Idioma:
Inglés
Subtítulos:
Francés y Alemán
La
transferencia de audio es cuidada y se escucha muy bien en ambos canales. El
canal DTS-HD Master Audio 5.1 resalta algo más la performance ofreciéndonos una
mayor profundidad y mejor ecualización. No obstante, la edición musical está
ecualizada excelentemente permitiendo una excelente transferencia tanto de los
sonidos de la orquesta como de las voces de los cantantes
EXTRAS:
“Solti’s
Vision” (“La Visión de Solti”): Un film acerca de la World Orchestra for Peace
(21’)
Booklet del
programa y de los integrantes de la Orchestra for Peace
La segunda
semana del Festival de Cannes arrancó con abucheos. Normalmente este tipo de
reacciones las gana alguna película americana que se presenta en Cannes (aunque
sea afuera del festival para dar una pátina de legitimad artística a productos
que generalmente carecen de ella). Pero en esta oportunidad le tocó a un film
japonés, un thriller policial de gran presupuesto “Wara No Tate” (“Shield of
Straw”), una película que contrasta con films más intensos e íntimos
presentados este año.
Takashi Miike
El director japonés Takashi Miike se ha
presentado en Cannes los últimos tres años: en el 2013 con “Wara No Tate”
(“Shield of Straw”) en competición, en el 2012 con “Ai To Makoto” (“For Lover’s
Sake”) fuera de competición, y en el 2011 con “Ichimei” (“Hara-Kiri: Death Of A
Samurai”) en competición. Pero en este año el público estuvo dividido y
si bien existieron algunas alabanzas predominaron los abucheos, no porque el
film fuera malo sino porque su contenido, mero policial de acción, no tenía
nada que ver con la naturaleza del festival.
Desde sus
comienzos en el cine a principios de los '90s, Miike ha realizado más de 80
películas, incluida la obra de terror de culto de 1999 "Audition".
En "Wara No
Tate", cuatro policías de élite están a cargo de proteger y
transportar a un
criminal muy peligroso por todo el país después de que un multimillonario
ofrezca una gran recompensa por su cabeza tras la violación y asesinato de su
nieta. Aparentemente todo el mundo está a la caza del criminal, interpretado
por Tatsuya Fujiwara, lo que hace subir las apuestas por el policía principal
Kazuki Mekari (Takao Osawa), que tiene que protegerlo pero quien se niega
firmemente a matarlo para cobrar la recompensa. A pesar de su afición por la
acción, Miike también explora temas más oscuros, incluida el hecho común de las
instituciones de proteger criminales a expensas de las víctimas y cómo la
desesperación económica genera violencia.
Pero el
mismo director ya se había mostrado sorprendido cuando quedó seleccionado para Cannes: "…Cuando me enteré que la película estaba seleccionada me quedé
muy sorprendido…", dijo Miike "…Si consigo la Palma de Oro me
encantará, por supuesto. Pero realmente no creo que esta sea una película para
la Palma de Oro…”
Habrá que
esperar el anuncio de los palmares de este año para ver cuál es el destino de
Takeshi Miike con este film que si bien entretiene con explosiva acción no
parece ser un contendiente a la medida del Festival de Cannes.
Clip El escritor
Richard Harland (Cornel Wilde) y Ellen
Berent (Gene Tierney ) se encuentran en un tren, se enamoran y contraen
matrimonio. Pero Ellen manifiesta progresivamente un carácter posesivo y celos
patológicos y asesinos que terminan por causar la desgracia a todos los que la
rodean y, por supuesto, también a su marido. “Leave Her to Heaven” (“Que El Cielo La
Juzgue”) es un filme estadounidense que mezcla el melodrama y el cine negro,
pero rodado en color. El film está dirigido por John M. Stahl en 1945 y su
director de fotografía, Leon Shamroy ganó el Oscar de su categoría por su
trabajo en Technicolor. Obtuvo tres
nominaciones más: mejor actriz (Gene Tierney, que perdió ante Joan Crawford por
“Mildred Pierce”), mejor dirección artística y mejor sonido.
Gene Tierney
Twilight
Times lanza al mercado americano la edición limitada (sólo 3,000 copias) en
formato blu-ray de “Leave Her to Heaven” (“Que El Cielo La Juzgue”), film
basado en la novela de Ben Ames Williams escrita en 1944, adaptada por Jo
Swerling y producida por la 20th Century Fox. No es el típico melodrama sino
que combina elementos románticos con otros más propios del cine negro. Posee
argumento típico de este género, con algunas escenas realmente fuertes, pero
utiliza con originalidad Technicolor en lugar del clásico blanco y negro de
este tipo de films. Rompe también con los esquemas al no situar la acción en la
ciudad sino en el campo y no limita las acciones delictivas o malvadas a las
horas nocturnas sino que les da permiso a que se cometan a plena luz del día.
Un “film noir a plain soleil!”
Cornel Wilde
El film
está protagonizado por Gene Tierney, Cornel Wilde y Jeanne Crain. Gene Tierney, una actríz de una belleza increíble, encarna aquí a un personaje odioso, maquiavélicamente diabólico que no se
detiene ante nada con tal de conseguir lo que desea. Que no duda en sacrificar
al hermano inválido de Richard, o de tirarse por las escaleras (previamente
vestida y maquillada para la ocasión) para abortar el hijo que en un momento
pensó que salvaría su relación pero ahora se tornó en un escollo. Celos
patológicos y egoísmos enfermizos con formato de mujer obsesiva y absorvente
que derrumba todo lo que se interponga a sus deseos.
Gene
Tierney fue una actríz muy conocida en los años ’40. Filmó con todos los
mejores directores del momento: con Fritz Lang en “La Venganza de Frank James”,
con Henry Hathaway en “Infierno en la Tierra o Cuando Muere el Día”, con John
Ford en “La Ruta del Tabaco”, con Von Sternberg en “El embrujo de Shanghai”,
con Ernest Lubitsch en “El diablo Dijo No”, con Otto Preminger en “Laura”, uno
de los grandes exponentes del film noir. Lamentablemente inconvenientes en su vida personal tales como un
divorcio, un affair con el playboy Ali Khan, pero sobre todo el nacimientode su hija con una grave enfermedad mental,
causada por una infección de rubiola que Tierney contrajo durante el embarazo a
causa de un inocente abrazo de una fan alemana, su carrera se fue desvaneciendo
para terminar en el olvido. A causa de las continuas depresiones que sufrió
durante esta etapa de su vida, Tierney se vio obligada a rechazar un papeles
importantes, entre los que se encontraban el de Jane Wyman en la comedia
“Holiday for Lovers” o el de Grace Kelly en la legendaria “Mogambo”.
“Leave Her
to Heaven” (“Que El Cielo La Juzgue”) es
un melodrama sórdido y oscuro (aunque esté presentado de manera bella) donde
una mujer, con un claro complejo de Electra desarrolla un amor desmesurado por
un hombre cuyo rostro tiene un extraordinario parecido con el de su recién
fallecido padre. A partir de ahí, cualquiera que se interponga (o ella crea que
se interponga) entre ella y su amor será objeto de su ira; ya sea su cuñado
inválido, su propio hijo, su hermana adoptiva, ella misma. Estará sumergida en
una mezquina obsesión, y todo en su vida (también en su muerte) estará dirigido
a eliminar cualquier clase de veleidad, real o imaginaria, que su esposo
pudiera tener con otra persona que no sea ella.
“Leave Her
to Heaven” (“Que El Cielo La Juzgue”) es
una pequeña joya cinematográfica pero también un excelente estudio sobre las
obsesiones, con una protagonista en un personaje que nos recuerda a los roles interpretados por la gran Barbara Stanwyck. Un gema fílmica olvidada en las bóvedas de los estudios
cinematográficos que, como es usual, Twilight Time rescata para goce y lujuria
intelectual de los cinéfilos que consumen algo más sofisticado que el popcorn.
Para disfrutar con los cinco sentidos.
CALIDAD DE
VIDEO:
Resolución
de Video: 1080p / 60
Codificación
de Video: AVC / MPEG-4
Aspect
Ratio: 1.37:1
Zona: 0
(Todas)
Cornel Wilde y Gene Tierney
La calidad
de transferencia de imagen en la presente edición en blu-ray de Twilight Time
es muy buena, conservando la textura original del celuloide y tratando en lo
posible de mantener los colores originales del technicolor aunque la mayoría de
las copias de films de la Fox realizadas con este sistema fuero eliminadas por
el Estudio. No obstante, la calidad del material original es de excelencia y conserva los colores aunque quizás en un
grado más oscuro que el original en Technicolor. La cinematografía de Leon Shamroy luce en todo su espledor y
permite resaltar cada detalle facial actoral de los protagonistas así como también
las precisiones del diseño de vestuario y los detalles de las locaciones.
Shamroy fue el responsible de la cinematografía de films como “Planet Of The
Apes” (1968), “Cleopatra” (1963), “Beloved Infidel” (1959, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2012/12/beloved-infidel-blu-ray-review.html),
“South Pacific” (1958), “The King And I” (1956), “There’s No Business Like
Showbusiness” (1954) y “The Egyptian” (1954), entre otras.
CALIDAD DE
AUDIO:
Codificación
de Audio: DTS-HD Master Audio Mono
Idioma:
Inglés
Subtítulos:
Inglés
Gene Tierney
La
transferencia de audio es cuidada y se escucha muy bien a través del canal
DTS-HD Master Audio Mono, siendo sólo perceptibles un par de pequeñas
distorsiones sonoras. Tanto los diálogos como los sonidos ambientales de las
locaciones en exteriores se escuchan con claridad. La música fue compuesta por
Alfred Newman, que ganó el Oscar® por la
banda origininal de sonido de “The Song Of Bernadette” (1943, http://www.culturalmenteincorrecto.com/2013/03/the-song-of-bernadette-blu-ray-review.html),
obteniendo la estatuilla de la Academia de Hollywood a la Mejor Música en un
total de nueve oportunidades, (ocupando el segundo puesto, después de Walt
Disney, como individuo ganador de la mayor cantidad de estatuillas de la
historia) y siendo nominado 45 veces. Es nuevamente un gran acierto por parte
de Twilight Time incluirla en un track de audio separado dentro de los extras
de esta edición en blu-ray. La equalización de la música y los diálogos está
perfectamente balanceada de manera que los diálogos sean claros y nunca
obstaculizados por la banda sonora.
EXTRAS:
Comentario
de Audio a cargo de Richard Schickel y Darryl Hickman
Banda
Sonora del Film, compuesta por Alfred Newman, en track separado DTS-HD Master
Audio 2.0
Trailer
Movie Tone
News: reel de noticias de la época, con la premiere del film y la cobertura de
los Oscars de ese año.
Booklet con
notas sobre el film, escritas por Julie Kirgo
