Pocos días después de la gran victoria en los
Oscars de “The Artist”, Unifrance
y la Lincoln Center Film Society presentan
en la ciudad de New York “Rendez-Vous
With French Cinema” vehículo
promocional para las películas francesas adquiridas por distribuidoras
estadounidenses recientemente. “The
Intouchables”, de Olivier Nakache y Eric Toledano, una película que
distribuye The Weinstein Company (distribuidor
de “The Artist”) será la que abrirá esta 17ª
Edición de este evento que se celebra entre los días 1 y 11 de marzo. François Cluzet, uno de sus protagonistas,
así como los directores, estarán presentes en la proyección en Nueva York.
“Intocables” (The
Weinstein Company)
Ocho de los otros veintitrés
largometrajes seleccionados cuentan ya con un distribuidor en EE. UU.. En el
catálogo de Cohen Media Group figuran“Farewell My Queen”, deBenoit Jacquot, y“La
Delicatesse”, de los hermanosDavid y Stéphane Foenkinos(film de clausura); Strand
Releasing presenta “17 Filles”, deDelphine y Muriel Coulin,
y “Impardonnables”,
deAndré Téchiné,
mientras Kino
Lorberdistribuirá“The Well Digger’s Daughter” (“La Fille du Puisatier”), deDaniel Auteuil. La programación incluye la presentación de“Americano”deMathieu Demy(adquirida por
MPI Media Group);“Les Hommes Libres”, deIsmaël Ferroukhi(Film Movement), y “Les
Lyonnais”,de Olivier Marchal (The Weinstein Company)
“The
Well Digger’s Daughter” (Kino Lorber)
Completan
la selección películas presentadas en Cannes: “Pater”, de Alain Cavalier; la ganadora del último premio
LUX, “Las Nieves del Kilimanjaro”, de
Robert Guédiguian); en Venecia: “Louise
Wimmer”, de Cyril Mennegun, y “Presunto Culpable, de Vincent
Garenq), en Locarno: “Low Life”,
de Nicolas Klotz; y “Les Chants
de Mandrin”, de Rabah Ameur-Zaïmeche, entre otras.
“Farewell
My Queen” (Cohen Media Group)
Las
presentaciones contarán con la presencia de una nutrida delegación de directores
y actores (entre otros, acudirán Audrey
Tautou, Vincent Lindon y Tahar Rahim). Por primera vez, Emerging Pictures
proyectará siete de las películas de la selección simultáneamente en cuarenta
ciudades de todo el país. Los espectadores de Los Ángeles y de Chicago tendrán
la oportunidad de conversar a través de Skype con los profesionales franceses
presentes en Nueva York.
Con motivo del próximo estreno del film"TRES VECES 20 AÑOS" (LATE BLOOMERS), dirigido por Julie Gavras, CULTURALMENTE INCORRECTO entrevistó a Isabella
Rosselini,protagonista del film junto a William Hurt.
"TRES VECES 20 AÑOS" es una comedia romántica. Mary y Adam, sus
protagonistas, no son la típica pareja de 20 o 30 años; tienen casi 60. Como la
mayor parte de las parejas de 60 años del siglo XXI, son muy activos. Y además,
lo hacen con estilo. Compaginan hijos, nietos, trabajo y amigos con las penas y
alegrías de la vida de casados. Hasta que un día descubren, con gran sorpresa,
que ya han entrado en el colectivo de la tercera edad. Y reaccionan ante esta
realidad de forma muy diferente. La actitud de Adam es tan desesperada como su
negación, buscando la fuente de la eterna juventud. Por el contrario, Mary
decide encarar la situación haciendo lo que mejor sabe hacer: cuidar de su
marido y su familia, pero sus "preparativos para envejecer",
malévolamente cómicos, asustan a su familia y amigos. El enfrentamiento se hace
inevitable y la separación también. Hijos, nietos, padres y amigos intentan
reconciliarlos. Pero, ¿no deberían dejar que la vida se encargara de eso?
C.I.: ¿Qué fue lo que más le atrajo del guión?
I.R.: Julie ha
logrado crear ese matiz "tragicómico" tan típico de las películas
europeas, sobre todo en las de sur, que mezclan tan bien risas y lágrimas. Su
película aborda temas de gran importancia: la edad, nuestra percepción de esa
edad y el hecho de que nadie vive para siempre. Trata sobre ese momento en que
somos conscientes de lo que nos queda de vida y lo que queremos hacer con ella.
Y Mary, mi personaje está justamente en ese momento. A pesar de que desde la
infancia todos sabemos lo que es la muerte, la fecha límite es algo abstracto,
hasta que sentimos que la tenemos delante. Y eso es lo que siente Mary. Está a
punto de cumplir 60, la realidad se le echa encima, y quiere asegurarse de que
su marido y toda su familia también son plenamente conscientes de esa realidad.
El guión tiene mucha fuerza porque aborda una situación grave con mucha
elegancia, ternura y esperanza. Es una historia muy particular con la que los
espectadores podrán identificarse. Me impresionó mucho cuando lo leí.
C.I.: ¿Qué fue lo que la decidió a filmar con Julie
Gavras?
I.R.: Me atraen
las personalidades fuertes, directores que van de David Lynch a John
Schlesinger, sin olvidar Guy Maddin.
Intento escoger películas dirigidas por personas que merecen el calificativo de
autores. En “La Culpa La Tiene Fidel”,
Julie ya empezó a demostrar que era una auténtica autora y esta película lo
confirma. Es sincera y ofrece su propia visión de las cosas. La combinación de
sensibilidad y humor debería conmover a mucha gente. Julie es
una directora fantástica y nunca tuve dudas sobre ella. ¡Sólo necesita tiempo
para que su trabajo sea reconocido!
C.I.: ¿Cómo describiría a Mary, su personaje?
I.R.: A pesar de
que su madre y su marido son ingleses y sus hijos han crecido en Inglaterra, el
padre de Mary es italiano y ella creció en Italia. Así que no es la típica
madre inglesa y eso añade matices a su personaje. Creo que se definiría más
como una mamma, una esposa para la
que la familia es lo más importante de la vida. Mary tiene ese rasgo latino.
C.I.: ¿Cómo se identifica con su personaje?
I.R.: Soy italiana,
aunque mi madre era sueca. Y tampoco soy la típica mamma. Seguramente me identifiqué inmediatamente con Mary debido a
la mezcla de culturas y a la forma en la que se comporta con sus hijos. Mary me
resulta muy familiar.
C.I.: Cree que forma que tiene Mary de ver la vida hace que el público se sienta identificado?
I.R.: Está lo
que ha logrado hasta ahora y lo que queda todavía por hacer. Siempre se ha
ocupado de su marido y de sus hijos dejando su propia carrera de lado. Las
mujeres suelen hacerlo. Pero de repente, Mary se da cuenta de que la muerte
está mucho más cerca de cuando tenía tan sólo 20 años. Y comprende que en
nuestra sociedad no hay un lugar de verdad para los que tienen entre 60 y 80, a
pesar de que muchos podrían ser siendo útiles y les gustaría participar. Según el
país en el que vivas, la edad de jubilación está entre 60 y 65, pero sigues
siendo joven y estás lleno de energía. Así que, ¿qué te queda por hacer y en
qué se convierte tu vida? Mary tiene un marido que se niega a aceptar la edad,
así que va a intentar ser realista y reaccionar. Es divertido, conmovedor y
profundamente humano.
C.I.:¿Cómo fue la experiencia de ser dirigida por Julie
Gavras?
I.R.: Ensayamos
dos semanas, algo poco habitual. Normalmente hay un par de lecturas del guión,
pero no hay ensayos de verdad como en el teatro. Julie nos pidió que llegáramos
quince días antes del rodaje para trabajar con William Hurt y el equipo.
Hablamos de todo; de la infancia de Mary, de la forma en la que aterrizó en
Inglaterra, cómo conoció a Adam... Conocer la historia de tu personaje, incluso
de algunos elementos que no están en la película te ayuda a definirlo y a
interpretarlo mejor. Julie estaba siempre allí respondiendo a nuestras
innumerables preguntas. Es su trabajo y lo hace francamente bien. La verdad es
que había pensado en todo.
C.I.:¿Cómo fue trabajar con William Hurt?
I.R.: Es la
primera vez que trabajamos juntos. Admiro su trabajo y esta película me dio la
oportunidad de conocerle mejor. Es realmente bueno. Una parte significativa de
la interpretación consiste en reaccionar ante tu compañero y trabajar con
William fue muy fácil. La primera vez
que nos vimos fue bastante extraña. Estaba en un avión y un hombre con una
barba blanca y larga me cogió del brazo mientras se dirigía a mi asiento y dijo
que era mi marido. Sonreí y me dirigí a mi asiento. Una vez sentada empecé a
preguntarme quién era ese extraño 'Papa
Noel'. No le había reconocido, ¡pero era William! Esperó pacientemente a que el
avión aterrizara, vino hacía mí y me repitió que era mi marido en la película
que íbamos a rodar. Ese encuentro se parece a él, insólito y elegante. Caí
rendida ante su encanto, ¡un buen principio para interpretar a una mujer
enamorada! Es un hombre de verdad y trabajar con él fue fascinante. Es un
grandísimo actor.
C.I.: ¿Existe algún tipo de identificación entre Isabella
Rossellini y el tema de la película?
I.R.: El título
se refiere a la eclosión de la madurez. Es una metáfora sobre la madurez. La
historia evoca el recorrido hasta la madurez a través de las diferentes etapas
de la vida de una persona. Un día, William le preguntó a Julie sobre qué
trataba la película y ella contestó que era sobre gente que intentaba buscar su
lugar en la vida. Con ligereza y sutileza, la película recoge muchas preguntas
que no tienen respuesta. Compartir la experiencia es lo único que puede
ayudarnos. Al final Mary se da cuenta de que es una buena persona y de que a
pesar de no ser perfecta, hace lo que cree que está bien. Comprende que ha
hecho un buen trabajo y que su familia se ha convertido en lo que ella quería.
C.I.: ¿"TRES VECES VEINTE AÑOS" es una película dirigida al
público femenino?
I.R.: Seguramente,
pero hace más hincapié en su compasión que en el feminismo puro y simple. Es
evidente que la película tiene un punto de vista femenino, el punto de vista de
Julie. Ella está más interesada en las relaciones entre la gente y la familia
que un director hombre. Pero no hay que generalizar. La verdad es que es raro
encontrar una buena película sobre la vida y la familia, ¡pero no hay duda de
que ésta es una de ellas!
Giuseppe Verdi escribió "La
Forza Del Destino" para el exitoso
teatro italiano de San Petersburgo y que en aquel momento deseaba tener como
huésped al maestro más famoso de la época. Verdi
aceptó la invitación y parea ello escribió "La
Forza Del Destino" en pocos meses. El 10 de noviembre de 1862 tuvo
lugar el estreno de la primera versión de la obra. Una nueva versión se estrenó
en la Scala de Milán el 20 de
febrero de 1869, y desde entonces se ha convertido en una pieza importante del
repertorio operístico de todo el mundo.
La historia
original transcurre en España e Italia a mediados del Siglo XVIII, y gira en
torno a la relación prohibida entre Leonor, hija del marqués de Calatrava, y Don
Álvaro, un joven noble procedente de Sudamérica que es discriminado por su
“bajo origen” y su “sangre de mulato”. Las circunstancias obligarán a Don
Álvaro a cometer actos contrarios a su voluntad, que desencadenarán en un
trágico desenlace. Un drama de amor, muerte y venganza que culmina de manera
trágica.
Naxos USA
lanza en blu-ray al mercado esta
producción del Wiener Staatsoper del
año 2008, ambientada en tiempos más modernos, durante la II Guerra Mundial. Dirigida por David Poutney, con orquesta y coro del mismo Wiener Staatsoper bajo la tutela del gran Zubin Mehta. Un lujo. El
elenco está encabeado por el recientemente desaparecido Salvatore Licitra, Ninna Stemme, Carlos Alvarez, Nadia Krasteva y
Alistair Miles. El tenor Salvatore Licitra, de
43 años, falleció en Septiembre del 2011 en un hospital de Catania tras pasar
ocho días en coma después de sufrir un accidente de moto con su novia. El
incidente se produjo debido a que el cantante sufrió una isquemia cerebral
cuando conducía, por lo que perdió el conocimiento y cayó de su Vespa. Licitra se encontraba en Sicilia, de
donde proviene su familia, para recoger un premio. El público descubrió a este
tenor italo-suizo en 2000 cuando formó parte del repertorio de “Tosca” en el teatro milanés de la Scala
bajo la dirección de Riccardo Muti.
Al cantante le llegó la fama internacional después de que sustituyera a
Pavarotti en 2002 en el MetropolitanOpera. Entonces, como en su debut en
Milán, también interpretó a Mario Cavaradossi en “Tosca”. Durante su corta carrera, Licitra favoreció las comparaciones con «Big Luciano» eligiendo
siempre que podía el repertorio favorito de su maestro. Sus propias
características vocales le ayudaron mucho. Según Bruno Casoni, director del coro del teatro de La Scala y del conservatorio de Milán, “ciertos aspectos de la voz
de Licitra recuerdan a Pavarotti”.
Esta
nueva producción de "La Forza Del
Destino" es gratamente diferente y moderna, con sets minimalistas, diseño
lumínico impecable, predicadores modernos al estilo americano y cowgirls. Un
gran set en blanco y negro con explosiones en colores dorados y rojos, proyecciones
de films con escenas de Guerra y escenografías que se convierten en cruces
religiosas, tiendas de campaña (de guerra) y estructuras hospitalarias giratorias.
El elenco está a la altura de las circunstancias con excelentes voces e
interpretaciones por parte de los cuatro personajes principales del elenco.
CALIDAD
DE VIDEO:
Codificación de Video:
AVC/MPEG-4
Resolución de Video: 1080i/60
Aspect Ratio: 1.77:1
Las imágenes son claras, desplegando
minuciocidad de detalles tanto de los cantantes como del vestuario y la moderna
escenografía. El diseño de luces es muy bueno y esto se plasma sobre la calidad
de la imagen, que por momentos parece que los protagonistas salieran de la
pantalla como si fuera en 3D, esto favorecido por un fondo negro sobre el que
resalta un diseño escenográfico moderno y de colores plenos. También está muy
bien lograda la acción simultánea de films con la acción real de los actores
sin que ninguno se desmerezca respecto del otro.
CALIDAD
DE AUDIO:
Codificación de Audio: PCM
2.0, DTS-HD Master Audio 5.0
El canal DTS-HD Master Audio 5.0 ofrece una estupenda decodificación que
permite disfrutar plenamente y con claridad tanto las voces en toda su potencia
y cadencias así como también la excelente orquestación bajo la batuta del
maestro Zubin Mehta y los adecuados coros.
Título: “La
Forza Del Destino” Género: Opera Duración: 161
minutos Región: 0 (Todas) Estudio: C Major Distribuidor: Naxos
USA Cantidad
de Discos: 1 Blu-ray Fecha
de Lanzamiento: Enero 31, 2012 Blu-ray
SRP: $39.99
Las apariencias engañan. Todo daba a entender que después de
años de ceremonias aburridas, carentes de creatividad y con guiones espantosos
este año las cosas iban a ser diferentes. Aparentemente la Academia se había dado cuenta que no es todo “demographics” , que existe una audiencia para este show que no es
adolescente (ellos no la miran), que la elección de los presentadores del año
pasado no gustó ni a los adolescentes ni a los mayores; que por una vez por
todas había que dejar de faltarle el respeto al público. Bueno, nos equivocamos.
Billy Cristal fue nuevamente convocado para ejercer de Maestro de
Ceremonias, abriendo el show no sólo con una excelente presentación, sólida,
con la dosis justa de humor sino por sobre todo, hacienda un homenaje a los
films nominados como también al cine en general.
Su apertura musical presentando cada una de las películas
nominadas fue el único momento glorioso. Ingenioso, respetuoso, divertido. Billy Cristal era un clásico necesario después del papelón de los
presentadores el año pasado (Anne Hathaway & James
Franco). Lamentablemente, mientras iban transcurriendo los minutos su magia y su humor fueron empalideciendo.
Asghar Farhadi
Asghar Farhadi, director de “A Separation” ganador del premio a la Mejor Película Extranjera (y
de casi todos los premios internacionales donde compitió) agradeció a la
Academia y dió un breve pero excelente discurso ante la mirada temerosa y
resquebrajada de Steven Spielberg y
su esposa frente a la posibilidad que el director iraní pudiera decir algo políticamente
incorrecto para los Americanos. Por el contrario, Farhadi dijo: “…en este
momento muchos ironies están mirándonos e imagino que estarán muy
felices.Felices no simplemente por este importante premio a la película o al
director, sino porque en tiempos donde los politicos hablan de Guerra,
intimidación y aggression, Irán ha hablado aquí a través de su gloriosa, rica y
ancestral cultura, que ha estado escondida bajo el pesado polvo de la política.
Yo ofrezco este premio con orgullo al pueblo de mi país, pueblo que respeta todas las culturas y civilizaciones y rechaza
la hostilidad y el resentimiento. Muchas Gracias”.
Cirque Du Soleil
La muy anticipada presentación Cirque du Soleil no me convenció. Se anunciaba como
un verdadero homenaje al cine y en realidad fue más de lo mismo que vemos en
cada uno de sus shows. Fue simplemente una promoción al espectáculo
“Iris” que el Cirque du Soleil presenta en forma permanente en el Kodak Theatre (de ahora en más
denominado simplemente Hollywood
& Highland Center, debido a la quiebra de Kodak y su imposibilidad de pagarle a
la Academia 3.4 millones de dólares al año por el nombre). Esta presentación no tuvo además una
buena dirección de cámaras.
El paso de comedia de Gweeneth
Patrow and Robert Downey Jr.
estuvo fuera de lugar frente al premio que estaban presentando: Mejor
Documental. Ni siquiera fue divertido. Nuevamente, Hollywood no
permite que el show sea serio por 5 minutos, todo debe ser entretenimiento
básico para la audiencia media. Igualmente, el grupo de domumentalistas premiado
(“Undefeated”) fue poco feliz al
aceptar, diciendo que les parecía ridículo recibirlo y comportándose como un
grupo de jóvenes con problemas mentales. Seguramente si Wim Wenders lo hubiera ganado por su excelente film “Pina” la situación hubiera sido totalmente otra, probablemente
un poco más intelectual y acorde al film por el que fue nominado.
“Solo
eres dos años más Viejo que yo, dónde has estado todo mi vida…?”
dijo Christopher Plummer al agradecer
el premio, con 82 años en un emotivo momento y al recibir el primer Oscar de su larga carrera. “Debo confesarles algo”, dijo Plummer, “…ya en el vientre de mi madre tenía
mi discurso para el Oscar preparado… Afortunadamente para Uds., ha pasado tanto
tiempo que ya no me lo acuerdo…”
Este año la producción del evento fue más modesta. Y se
notó. La escenografía fue pobre, fea y anticuada. Sin despliegues, carente de
glamour, con pocos cambios escenográficos
(contrariamente a como ha sido siempre) y ausente de nuevas tecnologías. La orquesta grande no se destacó y daba
lugar todo el tiempo antes de pasar a los comerciales a una pequeña orquesta 5 músicos al estilo de cualquier “Late show” televisivo, clara referencia al maquiavélico espíritu
corporativo tendiente a la cultura popular popcorn del grupo Disney y ABC, que poseen los derechos de transmición de la
ceremonia. Por otra parte, nadie en Hollywood deseaba este año ir a la Ceremonia de los Oscars: los jefes de los Estudios tienen que generalmente rogar a la Academia para conseguir entradas para ellos y sus esposas. Por qué? Porque ni los moguls ni sus subordinados querían tolerar tener que presenciar una larga ceremonia simplemente para ver a Harvey Weinstein llevarse el Oscar a la Mejor Película por segundo año consecutivo! (el año pasado fue "El Discurso Del rey"). The Weinstein Company se llevó ocho Oscars a lo largo de la noche, incluyendo los principales (se comenta que le pidió a los ganadores que no le agradecieran en el discurso de aceptación para no molestar más al resto de los ejecutivos, que tienen una animosividad no disimulada contra él).
Penélope Cruz & Owen Wilson
Cuando las presentaciones fueron sobrias, la ceremonia ganó
fuerza, como fue el caso del premio a la Mejor Música a cargo de Penélope Cruz y Owen Wilson. Los engendros de presentadores como el elenco de “Bridemaids” fueron un total papelón,
avergonzante. Los scripts de los presentadores fueron en su gran mayoría lastimosos,
carentes de originalidad y parecían destinados a personas infradotadas. En lugar de haber un crescendo en atención y
calidad, la ceremonia fue decayendo desde la presentación transformándose,
transcurridas dos horas de programa, en insoportable y soporífica.
Esto fue
acentuado por la ausencia de los clásicos números musicales que, ante la prácticamente
carencia de canciones nominadas este año (sólo dos), no existieron (a excepción de el segmento de los obituarios
donde Esperanza Spalding interpretó,
una vez más, “What A Wonderful World” y
la débil presentación del Cirque du
Soleil). Todo fue pobre, previsible
y de dudoso gusto.
Meryl Streep
Las cosas mejoraron un poco en los últimos cuatro premios. Meryl Streep, luego de una sobreactuada
sorpresa al ganar (merecidamente) como “Mejor Actríz” por “Iron Lady” , dió un conmovedor agradecimento.
Dentro de lo bueno de la noche nos quedan como buenos
recuerdos los premios al magnífico film de Martin
Scorsese, “Hugo” y a todo el grupo
artístico que hizo que “The Artist” se
convirtiera en una realidad (la primera película muda en ganar un Oscar desde 1929!); una prueba fehaciente de que lo que hace falta en
el mundo del cine es simplemente
ingenio, clase, creatividad y por sobre todas las cosas, respeto por el público. No es casual que su productor, Thomas Langmann, francés, agradeciera (como hiciera también el
director español Fernado Trueba en
1993) tres veces a Billy Wilder. El
cine Americano nos hizo soñar y desear filmar películas. Qué fue lo le ocurrió
a Hollywood en todos estos años…?
Thomas Langmann
Hollywood
ya no sabe cómo disimular la falta de ingenio y buen gusto. Pero la ceremonia de
Premios de la Academia es y siempre ha sido un gran aparato de Relaciones
Públicas, Marketing y Promoción de los Estudios. Que Hollywood no pueda ni
siquiera mentir creatividad al mundo a través de este aparato de propaganda es
realmente preocupante y ya tiene un dejo de verguenza. La fábrica de sueños está insomme.
Ganadores del Oscar 2012:
Mejor Fotografía: Hugo
Mejor Dirección de Arte: Hugo
Mejor Vestuario: El Artista
Mejor Maquillaje: La Dama de Hierro
Mejor Película Extranjera: A Separation (Irán)
Mejor Actriz de Reparto: Octavia Spencer (Historias cruzadas)
Mejor Edición: La chica del Dragón Tatuado
Mejor Sonido: Hugo
Mejor Edición de Sonido: Hugo
Mejor Documental: Undefeated
Mejor Película Animada: Rango
Mejores Efectos Visuales: Hugo
Mejor Banda Sonora: El Artista
Mejor Canción Original: Man or Muppet (Los Muppets)
Mejor Actor de Reparto: Christopher Plummer (Beginners)
Mejor Guión Adaptado: Los Descendientes
Mejor Guión Original: Medianoche en París
Mejor Cortometraje: The Shore
Mejor Corto Documental: Saving Face
Mejor Corto Animado: The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore
Mejor Director: Michel Hazanavicius, por El Artista
Mejor Actor: Jean Dujardin, por El Artista
Mejor Actriz: Meryl Streep, por La Dama de Hierro
Mejor película: El Artista
Premios por Película:
Hugo: 5
El Artista: 5
La dama de hierro: 2
Los descendientes: 1
Medianoche en París: 1
Los Muppets: 1
Beginners: 1
La chica del dragón tatuado: 1
Historias cruzadas: 1
Rango: 1
Por 18
años consecutivos, el Master Chef Wolfgang Puck ha sido seleccionado por la Academy
of Motion Picture Arts and Sciences para crear el menú para el Governors Ball, que se celebra
inmediatamente después de la ceremonia de entrega de los premios Oscar® este Domingo 26 de Febrero del
2012. CULTURALMENTE INCORRECTO fue invitado a la presentación de
Menú.
Master Chef Wolfgang Puck
“Estamos muy contentos de ayudar a
crear una nueva energía para el Governors Ball de este año,” dijo Puck. “Con fantásticos ingredientes de California, algunos extravagantes y
lujosos y una selección de platos reconfortantes este es un menú para conformar
todos los gustos y una inspiración para todos aquellos que hagan fiestas en su
casa en el futuro. Estamos felices de celebrar a las estrellas más rutilantes
de Hollywood y a artistas tan celebrados con nuestro arte culinario”. Salmón Ahumado Oscars® Wolfgang Puck Catering servirá a los 1,500 invitados, incluyendo a los ganadores
del Oscar®, nominados, presentadores
y participantes del telecast.
El menú creado este año por Puck y el Chef Matt Bencivenga contiene más de cincuenta platos, desde hors
d'oeuvres a pequeñas entradas que serán distribuidas en la recepción. Clásicos
favoritos de todos los años como el salmón ahumado Oscars®, pastel de pollo con trufas negras y el siempre buscado
chocolate con polvo de oro del Pastry
Chef Sherry Yard se combinarán con tacos de langostas con tomate y
echalottes y ensaladas con manteca de pistachio y balsámico.
El menú incorpora
productos locales y muchos mariscos. Los dulces sorpresa serán un homenaje a
las futuras presentaciones de la Ceremonia del Oscar® en 3D.
Estatuillas de chocolate con polvo de oro del Pastry
Chef Sherry Yard
