“THE RAKE’S PROGRESS” ("EL PROGRESO DEL LIBERTINO”: EXTASIS VISUAL EN UNA PRODUCCION INOLVIDABLE

Por

Javier Mitchell

“The Rake’s Progress” (“El Progreso del Libertino”) es una  fábula musical en tres actos, con música de Igor Stravinsky y libreto de W. H. Auden y Chester Kallman, estrenada en el Teatro La Fenice de Venecia el 11 de septiembre de 1951, dirigida por el propio compositor.

Stravinsky imaginó la trama y el esquema de esta ópera al contemplar una colección de grabados del pintor inglés Wiliam Hogarth, titulada precisamente “The Rake’s Progress”, en Chicago, durante la II Guerra Mundial. La colección se conserva en el Soane Museum de Londres. En  1947, Igor Stravinsky se planteó componer esta ópera, y fue su amigo Aldous Huxley  Aldous quien le recomendó como libretista al poeta estadounidense  W. H. Auden, el cual escribió el libretto incorporando como elemento nuevo el personaje de Nick Shadow, el “Diablo”. Stravinsky cumplió de este modo su deseo de llevar adelante una obra en idioma inglés, luego de sus incursiones por el ruso (con El Ruiseñor, Mavra y Las Bodas), el francés (Perséphone) y el latín (Edipo Rey, Sinfonía de los Salmos).

En la historia confluyen elementos de los personajes de Don Juan y del Fausto, pero con divergencias notables: el protagonista Tom Rakewell es arrastrado hacia la vida mundana por Nick Shadow (Sombra), que resulta ser el diablo enmascarado, apartándolo del amor puro de su prometida Anne, con el encubierto propósito de apoderarse de su alma. No logrará su finalidad, pero tampoco Rakewell alcanzará la felicidad.
 
Tanto el compositor ruso como el autor del libreto, se propusieron hacer con el “El Progreso del Libertino” una ópera mozartiana. Se trataba retornar en la ópera a los números musicales, es decir a un formato musical anterior a la invención wagneriana de “una melodía continua” que envolvía “un recitativo también continuo”, como escribió en su día el propio Stravinsky para explicar su intención. Su modelo principal era el compositor salzburgués y en especial 'Cosi fan tutte', cuya orquestación el maestro ruso copia casi exactamente y en la que abundan, por otro lado, las citas musicales de aquélla como la cavatina de la escena del burdel o la reacción de las prostitutas.Pero se encuentran vestigios también de otra ópera mozartiana, como  “Don Giovanni” (en la escena del cementerio de “The Rake's Progress”, que recrea la del comendador).

“The Rake’s Progress”, en tres actos y un epílogo, cuenta las aventuras y desventuras de este joven del campo que, tras heredar una inesperada fortuna, abandona a su novia, se traslada a la gran ciudad, lleva una vida licenciosa que terminará minando su salud y alojándolo en un manicomio.

Naxos USA & Opus Arte nos acercan la oportunidad de presenciar una, quizás, de las más exquisitas representaciones de esta ópera: la producción del Festival de Glyndebourne del año 2010, cuya dirección artística firma John Cox, con la conducción musical del joven maestro ruso Vladimir Jurowski, que tiene la famosa escenografía creada en 1975 por el pintor pop británico David Hockney, quien logró un equivalente visual de la música de un modo extraordinario. 
 

Esta es una producción imperdible. El diseño escenográfico y vestuario creado a base de dibujos, líneas y trazos quita la respiración. Es un ejemplo de creatividad magistral, pero que hace muy difícil para los cantantes competir con él. Afortunadamente, en este caso la excelencia interpretativa del elenco, tanto vocal como actoral superan este escollo y logran una simbiosis perfecta. Topi Lehtipuu (Tom Rakewell), Mia Persson (Anne Truelove) y Matthew Rose (Nick Shadow) brindan interpretaciones magníficas.

Esta es una de producciones operísticas más creativas desde el punto de vista visual que se han visto en estos últimos tiempos (aunque haya sido diseñada en 1975!). Con escenografías, vestuario y maquillaje que quedarán grabados en su memoria, interpretaciones poderosas y perfectas y una trama en forma de fábula con moraleja y humor, éste es un disco blu-ray para ver una y otra vez, disfrutándolo a pleno. De visión obligatoria para toda persona que disfruta no sólo de la ópera sino de un excelente show, brillante tanto desde lo visual como de lo artístico. Para coleccionar. CULTURALMENTE IMPERDIBLE!

CALIDAD DE VIDEO:

• Resolución de Video: 1080i/60
• Codificación de Video: AVC/MPEG-4
• Aspect Ratio: 1.77:1
• Región: 0 (Todas)

La calidad de video de este blu-ray es simplemente excelente. Un par de años atrás, el diseño escenográfico en base a líneas y filigramas hubiera sido totalmente imposible de ver correctamente por television por el “moiree” que éstos provocan en la TV análoga. En alta definición digital es una historia totalmente diferente. Podemos disfrutar hasta la más tenue línea escenográfica, cada detalle del vestuario, del maquillaje o las pelucas con una nitidez que asombra, tanto en los planos generales como en los primeros planos. Esta es una ópera cuyo despliegue y propuesta visual es maravillosa y es captada y reproducida magistralmente en este blu-ray de Opus Arte distribuído por Naxos USA, companía que nos acerca lo mejor del arte escénico europeo.

CALIDAD DE AUDIO:

• Codificación de Audio: PCM 2.0  &  DTS-HD Master Audio 5.1
• Subtítulos: Inglés, Francés, Alemán, Español

El canal de audio DTS-HD Master Audio 5.1 reproduce a la perfección y en toda su energía la partitura de Stravinsky en una conducción magistral del director ruso Vladimir Jurowski, quien conoce a la perfección la obra del compositor, hecho que imprime características únicas a la ejecución musical de la London Philarmonic Orchestra, el Glyndebourne Chorus y la perfección de las interpretaciones vocales de los protagonistas y elenco.

EXTRAS:

·      Introducción a “The Rake’s Progress”

·      Detrás de la escena de “The Rake’s Progress”

Los dos cortos documentales son altamente clarificadores, brindan una perfecta introducción al universo de esta ópera así como también al de sus creadores y a elementos de la producción. De todas maneras, nos quedamos con ganas de ver más!

CALIFICACION: EXCELENTE 

Puedes adquirir este blu-ray en www.naxosusa.com  & www.naxosdirect.com

Título: “THE RAKE’S PROGRESS”

Género: Opera

Duración: 140 minutos

Nro. De Discos: 1 Blu-ray

Región: Todas

Estudio: Opus Arte

Distribuidor: Naxos USA

Fecha de Lanzamiento: Enero 31, 2012

Blu-ray SRP: $39.99

EL CINE FRANCES INVADE NEW YORK

Por

Javier Mitchell

 

Pocos días después de la gran victoria en los Oscars de “The Artist”, Unifrance y la Lincoln Center Film Society presentan en la ciudad de New York “Rendez-Vous With French Cinema”  vehículo promocional para las películas francesas adquiridas por distribuidoras estadounidenses recientemente. “The Intouchables”, de Olivier Nakache y Eric Toledano, una película que distribuye The Weinstein Company (distribuidor de “The Artist”) será la que abrirá esta 17ª Edición de este evento que se celebra entre los días 1 y 11 de marzo. François Cluzet, uno de sus protagonistas, así como los directores, estarán presentes en la proyección en Nueva York.

“Intocables” (The Weinstein Company)

Ocho de los otros veintitrés largometrajes seleccionados cuentan ya con un distribuidor en EE. UU.. En el catálogo de Cohen Media Group figuran “Farewell My Queen”, de Benoit Jacquot, y “La Delicatesse”, de los hermanos David y Stéphane Foenkinos (film de clausura); Strand Releasing presenta “17 Filles”, de Delphine y Muriel Coulin, y “Impardonnables”, de André Téchiné, mientras Kino Lorber distribuirá “The Well Digger’s Daughter” (“La Fille du Puisatier”), de Daniel Auteuil. La programación incluye la presentación de “Americano” de Mathieu Demy (adquirida por MPI Media Group); “Les Hommes Libres”, de Ismaël Ferroukhi (Film Movement), y “Les Lyonnais”,de Olivier Marchal (The Weinstein Company)

“The Well Digger’s Daughter” (Kino Lorber)

Completan la selección películas presentadas en Cannes: “Pater”, de Alain Cavalier; la ganadora del último premio LUX, “Las Nieves del Kilimanjaro”, de Robert Guédiguian); en Venecia: “Louise Wimmer”, de Cyril Mennegun, y “Presunto Culpable, de Vincent Garenq), en Locarno: “Low Life”, de Nicolas Klotz; y “Les Chants de Mandrin”, de Rabah Ameur-Zaïmeche, entre otras. 



“Farewell My Queen” (Cohen Media Group)

Las presentaciones contarán con la presencia de una nutrida delegación de directores y actores (entre otros, acudirán Audrey Tautou, Vincent Lindon y Tahar Rahim). Por primera vez, Emerging Pictures proyectará siete de las películas de la selección simultáneamente en cuarenta ciudades de todo el país. Los espectadores de Los Ángeles y de Chicago tendrán la oportunidad de conversar a través de Skype con los profesionales franceses presentes en Nueva York.

 

ENTREVISTA A ISABELLA ROSSELLINI: “TRES VECES 20 AÑOS” ("LATE BLOOMERS")

 Por

Javier Mitchell

 

Con motivo del próximo estreno del film "TRES VECES 20 AÑOS" (LATE BLOOMERS), dirigido por Julie Gavras, CULTURALMENTE INCORRECTO entrevistó a Isabella Rosselini, protagonista del film junto a William Hurt.

"TRES VECES 20 AÑOS" es una comedia romántica. Mary y Adam, sus protagonistas, no son la típica pareja de 20 o 30 años; tienen casi 60. Como la mayor parte de las parejas de 60 años del siglo XXI, son muy activos. Y además, lo hacen con estilo. Compaginan hijos, nietos, trabajo y amigos con las penas y alegrías de la vida de casados. Hasta que un día descubren, con gran sorpresa, que ya han entrado en el colectivo de la tercera edad. Y reaccionan ante esta realidad de forma muy diferente. La actitud de Adam es tan desesperada como su negación, buscando la fuente de la eterna juventud. Por el contrario, Mary decide encarar la situación haciendo lo que mejor sabe hacer: cuidar de su marido y su familia, pero sus "preparativos para envejecer", malévolamente cómicos, asustan a su familia y amigos. El enfrentamiento se hace inevitable y la separación también. Hijos, nietos, padres y amigos intentan reconciliarlos. Pero, ¿no deberían dejar que la vida se encargara de eso?

C.I.: ¿Qué fue lo que más le atrajo del guión?

I.R.: Julie ha logrado crear ese matiz "tragicómico" tan típico de las películas europeas, sobre todo en las de sur, que mezclan tan bien risas y lágrimas. Su película aborda temas de gran importancia: la edad, nuestra percepción de esa edad y el hecho de que nadie vive para siempre. Trata sobre ese momento en que somos conscientes de lo que nos queda de vida y lo que queremos hacer con ella. Y Mary, mi personaje está justamente en ese momento. A pesar de que desde la infancia todos sabemos lo que es la muerte, la fecha límite es algo abstracto, hasta que sentimos que la tenemos delante. Y eso es lo que siente Mary. Está a punto de cumplir 60, la realidad se le echa encima, y quiere asegurarse de que su marido y toda su familia también son plenamente conscientes de esa realidad. El guión tiene mucha fuerza porque aborda una situación grave con mucha elegancia, ternura y esperanza. Es una historia muy particular con la que los espectadores podrán identificarse. Me impresionó mucho cuando lo leí.

C.I.: ¿Qué fue lo que la decidió a filmar con Julie Gavras?

I.R.: Me atraen las personalidades fuertes, directores que van de David Lynch a John Schlesinger, sin olvidar Guy Maddin. Intento escoger películas dirigidas por personas que merecen el calificativo de autores. En “La Culpa La Tiene Fidel”, Julie ya empezó a demostrar que era una auténtica autora y esta película lo confirma. Es sincera y ofrece su propia visión de las cosas. La combinación de sensibilidad y humor debería conmover a mucha gente. Julie es una directora fantástica y nunca tuve dudas sobre ella. ¡Sólo necesita tiempo para que su trabajo sea reconocido!

C.I.: ¿Cómo describiría a Mary, su personaje?

I.R.: A pesar de que su madre y su marido son ingleses y sus hijos han crecido en Inglaterra, el padre de Mary es italiano y ella creció en Italia. Así que no es la típica madre inglesa y eso añade matices a su personaje. Creo que se definiría más como una mamma, una esposa para la que la familia es lo más importante de la vida. Mary tiene ese rasgo latino.

C.I.: ¿Cómo se identifica con su personaje?

I.R.: Soy italiana, aunque mi madre era sueca. Y tampoco soy la típica mamma. Seguramente me identifiqué inmediatamente con Mary debido a la mezcla de culturas y a la forma en la que se comporta con sus hijos. Mary me resulta muy familiar.

C.I.: Cree que forma que tiene Mary de ver la vida hace que el público se sienta identificado?

I.R.: Está lo que ha logrado hasta ahora y lo que queda todavía por hacer. Siempre se ha ocupado de su marido y de sus hijos dejando su propia carrera de lado. Las mujeres suelen hacerlo. Pero de repente, Mary se da cuenta de que la muerte está mucho más cerca de cuando tenía tan sólo 20 años. Y comprende que en nuestra sociedad no hay un lugar de verdad para los que tienen entre 60 y 80, a pesar de que muchos podrían ser siendo útiles y les gustaría participar. Según el país en el que vivas, la edad de jubilación está entre 60 y 65, pero sigues siendo joven y estás lleno de energía. Así que, ¿qué te queda por hacer y en qué se convierte tu vida? Mary tiene un marido que se niega a aceptar la edad, así que va a intentar ser realista y reaccionar. Es divertido, conmovedor y profundamente humano.

C.I.:¿Cómo fue la experiencia de ser dirigida por Julie Gavras?

I.R.: Ensayamos dos semanas, algo poco habitual. Normalmente hay un par de lecturas del guión, pero no hay ensayos de verdad como en el teatro. Julie nos pidió que llegáramos quince días antes del rodaje para trabajar con William Hurt y el equipo. Hablamos de todo; de la infancia de Mary, de la forma en la que aterrizó en Inglaterra, cómo conoció a Adam... Conocer la historia de tu personaje, incluso de algunos elementos que no están en la película te ayuda a definirlo y a interpretarlo mejor. Julie estaba siempre allí respondiendo a nuestras innumerables preguntas. Es su trabajo y lo hace francamente bien. La verdad es que había pensado en todo.

 

C.I.:¿Cómo fue trabajar con William Hurt?

I.R.: Es la primera vez que trabajamos juntos. Admiro su trabajo y esta película me dio la oportunidad de conocerle mejor. Es realmente bueno. Una parte significativa de la interpretación consiste en reaccionar ante tu compañero y trabajar con William fue muy fácil.  La primera vez que nos vimos fue bastante extraña. Estaba en un avión y un hombre con una barba blanca y larga me cogió del brazo mientras se dirigía a mi asiento y dijo que era mi marido. Sonreí y me dirigí a mi asiento. Una vez sentada empecé a preguntarme  quién era ese extraño 'Papa Noel'. No le había reconocido, ¡pero era William! Esperó pacientemente a que el avión aterrizara, vino hacía mí y me repitió que era mi marido en la película que íbamos a rodar. Ese encuentro se parece a él, insólito y elegante. Caí rendida ante su encanto, ¡un buen principio para interpretar a una mujer enamorada! Es un hombre de verdad y trabajar con él fue fascinante. Es un grandísimo actor.

C.I.: ¿Existe algún tipo de identificación entre Isabella Rossellini y el tema de la película?

I.R.: El título se refiere a la eclosión de la madurez. Es una metáfora sobre la madurez. La historia evoca el recorrido hasta la madurez a través de las diferentes etapas de la vida de una persona. Un día, William le preguntó a Julie sobre qué trataba la película y ella contestó que era sobre gente que intentaba buscar su lugar en la vida. Con ligereza y sutileza, la película recoge muchas preguntas que no tienen respuesta. Compartir la experiencia es lo único que puede ayudarnos. Al final Mary se da cuenta de que es una buena persona y de que a pesar de no ser perfecta, hace lo que cree que está bien. Comprende que ha hecho un buen trabajo y que su familia se ha convertido en lo que ella quería.

C.I.: ¿"TRES VECES VEINTE AÑOS" es una película dirigida al público femenino?

I.R.: Seguramente, pero hace más hincapié en su compasión que en el feminismo puro y simple. Es evidente que la película tiene un punto de vista femenino, el punto de vista de Julie. Ella está más interesada en las relaciones entre la gente y la familia que un director hombre. Pero no hay que generalizar. La verdad es que es raro encontrar una buena película sobre la vida y la familia, ¡pero no hay duda de que ésta es una de ellas!

 No te pierdas la entrevista a William Hurt!
http://www.culturalmenteincorrecto.com/2012/03/entrevista-william-hurt-tres-veces-20.html

“LA FORZA DEL DESTINO”. VERDI & SALVATORE LICITRA, POR ULTIMA VEZ.

Por

Javier Mitchell

Giuseppe Verdi escribió "La Forza Del Destino"  para el exitoso teatro italiano de San Petersburgo y que en aquel momento deseaba tener como huésped al maestro más famoso de la época. Verdi aceptó la invitación y parea ello escribió "La Forza Del Destino" en pocos meses. El 10 de noviembre de 1862 tuvo lugar el estreno de la primera versión de la obra. Una nueva versión se estrenó en la Scala de Milán el 20 de febrero de 1869, y desde entonces se ha convertido en una pieza importante del repertorio operístico de todo el mundo.

 La historia original transcurre en España e Italia a mediados del Siglo XVIII, y gira en torno a la relación prohibida entre Leonor, hija del marqués de Calatrava, y Don Álvaro, un joven noble procedente de Sudamérica que es discriminado por su “bajo origen” y su “sangre de mulato”. Las circunstancias obligarán a Don Álvaro a cometer actos contrarios a su voluntad, que desencadenarán en un trágico desenlace. Un drama de amor, muerte y venganza que culmina de manera trágica.

Naxos USA lanza en blu-ray al mercado esta producción del Wiener Staatsoper del año 2008, ambientada en tiempos más modernos, durante la II Guerra Mundial. Dirigida por David Poutney, con orquesta y coro del mismo Wiener Staatsoper bajo la tutela del gran Zubin Mehta. Un lujo.  El elenco está encabeado por el recientemente desaparecido Salvatore Licitra, Ninna Stemme, Carlos Alvarez, Nadia Krasteva y Alistair Miles. El tenor Salvatore Licitra, de 43 años, falleció en Septiembre del 2011 en un hospital de Catania tras pasar ocho días en coma después de sufrir un accidente de moto con su novia. El incidente se produjo debido a que el cantante sufrió una isquemia cerebral cuando conducía, por lo que perdió el conocimiento y cayó de su Vespa. Licitra se encontraba en Sicilia, de donde proviene su familia, para recoger un premio. El público descubrió a este tenor italo-suizo en 2000 cuando formó parte del repertorio de “Tosca” en el teatro milanés de la Scala bajo la dirección de Riccardo Muti. Al cantante le llegó la fama internacional después de que sustituyera a Pavarotti en 2002 en el Metropolitan Opera. Entonces, como en su debut en Milán, también interpretó a Mario Cavaradossi en “Tosca”. Durante su corta carrera, Licitra favoreció las comparaciones con «Big Luciano» eligiendo siempre que podía el repertorio favorito de su maestro. Sus propias características vocales le ayudaron mucho. Según Bruno Casoni, director del coro del teatro de La Scala y del conservatorio de Milán, “ciertos aspectos de la voz de Licitra recuerdan a Pavarotti”.

Esta nueva producción de "La Forza Del Destino" es gratamente diferente y moderna, con sets minimalistas, diseño lumínico impecable, predicadores modernos al estilo americano y cowgirls. Un gran set en blanco y negro con explosiones en colores dorados y rojos, proyecciones de films con escenas de Guerra y escenografías que se convierten en cruces religiosas, tiendas de campaña (de guerra) y estructuras hospitalarias giratorias. El elenco está a la altura de las circunstancias con excelentes voces e interpretaciones por parte de los cuatro personajes principales del elenco.

CALIDAD DE VIDEO:

Codificación de Video: AVC/MPEG-4

Resolución de Video: 1080i/60

Aspect Ratio: 1.77:1

 Las imágenes son claras, desplegando minuciocidad de detalles tanto de los cantantes como del vestuario y la moderna escenografía. El diseño de luces es muy bueno y esto se plasma sobre la calidad de la imagen, que por momentos parece que los protagonistas salieran de la pantalla como si fuera en 3D, esto favorecido por un fondo negro sobre el que resalta un diseño escenográfico moderno y de colores plenos. También está muy bien lograda la acción simultánea de films con la acción real de los actores sin que ninguno se desmerezca respecto del otro.

CALIDAD DE AUDIO:

Codificación de Audio: PCM 2.0, DTS-HD Master Audio 5.0

Subtítulos: Italiano, Inglés, Frances, Alemán, Español, Koreano,             Chino

El canal DTS-HD Master Audio 5.0 ofrece una estupenda decodificación que permite disfrutar plenamente y con claridad tanto las voces en toda su potencia y cadencias así como también la excelente orquestación bajo la batuta del maestro Zubin Mehta y los adecuados coros.


EXTRAS:
Trailers

CALIFICACION: MUY BUENA 

Puedes adquirir este blu-ray en www.naxosusa.com & www.naxosdirect.com

Título: “La Forza Del Destino”
Género: Opera
Duración: 161 minutos
Región: 0 (Todas)
Estudio: C Major
Distribuidor: Naxos USA
Cantidad de Discos: 1 Blu-ray
Fecha de Lanzamiento: Enero 31, 2012
Blu-ray SRP: $39.99

LA CEREMONIA DE LOS OSCARS. GANADORES PREVISIBLES EN UN SHOW PARA EL OLVIDO.

Por Javier Mitchell,

Corresponsal Oficial de los 84th Academy Awards.

Las apariencias engañan. Todo daba a entender que después de años de ceremonias aburridas, carentes de creatividad y con guiones espantosos este año las cosas iban a ser diferentes. Aparentemente la Academia se había dado cuenta que no es todo “demographics” , que existe una audiencia para este show que no es adolescente (ellos no la miran), que la elección de los presentadores del año pasado no gustó ni a los adolescentes ni a los mayores; que por una vez por todas había que dejar de faltarle el respeto al público.  Bueno, nos equivocamos.  

Billy Cristal fue nuevamente convocado para ejercer de Maestro de Ceremonias, abriendo el show no sólo con una excelente presentación, sólida, con la dosis justa de humor sino por sobre todo, hacienda un homenaje a los films nominados como también al cine en general.

Su apertura musical presentando cada una de las películas nominadas fue el único momento glorioso. Ingenioso, respetuoso, divertido. Billy Cristal era un clásico necesario después del papelón de los presentadores el año pasado (Anne Hathaway & James Franco). Lamentablemente, mientras iban transcurriendo los minutos su magia y su humor fueron empalideciendo.

Asghar Farhadi

Asghar Farhadi, director de “A Separation” ganador del premio a la Mejor Película Extranjera (y de casi todos los premios internacionales donde compitió) agradeció a la Academia y dió un breve pero excelente discurso ante la mirada temerosa y resquebrajada de Steven Spielberg y su esposa frente a la posibilidad que el director iraní pudiera decir algo políticamente incorrecto para los Americanos. Por el contrario, Farhadi dijo: “…en este momento muchos ironies están mirándonos e imagino que estarán muy felices.Felices no simplemente por este importante premio a la película o al director, sino porque en tiempos donde los politicos hablan de Guerra, intimidación y aggression, Irán ha hablado aquí a través de su gloriosa, rica y ancestral cultura, que ha estado escondida bajo el pesado polvo de la política. Yo ofrezco este premio con orgullo al pueblo de mi país, pueblo que respeta  todas las culturas y civilizaciones y rechaza la hostilidad y el resentimiento. Muchas Gracias”.

Cirque Du Soleil

La muy anticipada presentación Cirque du Soleil no me convenció. Se anunciaba como un verdadero homenaje al cine y en realidad fue más de lo mismo que vemos en cada uno de sus shows. Fue simplemente una promoción al espectáculo “Iris” que el Cirque du Soleil presenta en forma permanente en el Kodak Theatre (de ahora en más denominado simplemente Hollywood & Highland Center, debido a la quiebra de Kodak y su imposibilidad de pagarle a la Academia  3.4 millones de dólares al año por el nombre). Esta presentación no tuvo además una buena dirección de cámaras.

El paso de comedia de Gweeneth Patrow and Robert Downey Jr. estuvo fuera de lugar frente al premio que estaban presentando: Mejor Documental. Ni siquiera fue divertido. Nuevamente, Hollywood no permite que el show sea serio por 5 minutos, todo debe ser entretenimiento básico para la audiencia media. Igualmente, el grupo de domumentalistas premiado (“Undefeated”) fue poco feliz al aceptar, diciendo que les parecía ridículo recibirlo y comportándose como un grupo de jóvenes con problemas mentales. Seguramente si Wim Wenders lo hubiera ganado por su excelente film “Pina”  la situación hubiera sido totalmente otra, probablemente un poco más intelectual y acorde al film por el que fue nominado.

Christopher Plummer

e?

“Solo eres dos años más Viejo que yo, dónde has estado todo mi vida…?” dijo Christopher Plummer al agradecer el premio, con 82 años en un emotivo momento y al recibir el primer Oscar de su larga carrera. “Debo confesarles algo”, dijo Plummer, “…ya en el vientre de mi madre tenía mi discurso para el Oscar preparado… Afortunadamente para Uds., ha pasado tanto tiempo que ya no me lo acuerdo…”

Este año la producción del evento fue más modesta. Y se notó. La escenografía fue pobre, fea y anticuada. Sin despliegues, carente de glamour, con pocos cambios  escenográficos (contrariamente a como ha sido siempre) y ausente de nuevas tecnologías. La orquesta grande no se destacó y daba lugar todo el tiempo antes de pasar a los comerciales a  una pequeña orquesta 5 músicos  al estilo de cualquier “Late show” televisivo, clara referencia al maquiavélico espíritu corporativo tendiente a la cultura popular popcorn del grupo Disney y ABC, que poseen los derechos de transmición de la ceremonia. Por otra parte, nadie en Hollywood deseaba este año ir a la Ceremonia de los Oscars: los jefes de los Estudios tienen que generalmente rogar a la Academia para conseguir entradas para ellos y sus esposas. Por qué? Porque ni los moguls ni sus subordinados querían tolerar tener que presenciar una larga ceremonia simplemente para ver a Harvey Weinstein llevarse el Oscar a la Mejor Película por segundo año consecutivo! (el año pasado fue "El Discurso Del rey"). The Weinstein Company se llevó ocho Oscars a lo largo de la noche, incluyendo los principales (se comenta que le pidió a los ganadores que no le agradecieran en el discurso de aceptación para no molestar más al resto de los ejecutivos, que tienen una animosividad no disimulada contra él).

Penélope Cruz & Owen Wilson 

Cuando las presentaciones fueron sobrias, la ceremonia ganó fuerza, como fue el caso del premio a la Mejor Música a cargo de Penélope Cruz y Owen Wilson. Los engendros de presentadores como el elenco de “Bridemaids” fueron un total papelón, avergonzante. Los scripts de los presentadores fueron en su gran mayoría lastimosos, carentes de originalidad y parecían destinados a personas infradotadas.  En lugar de haber un crescendo en atención y calidad, la ceremonia fue decayendo desde la presentación transformándose, transcurridas dos horas de programa, en insoportable y soporífica.

Esto fue acentuado por la ausencia de los clásicos números musicales que, ante la prácticamente carencia de canciones nominadas este año (sólo dos), no existieron  (a excepción de el segmento de los obituarios donde Esperanza Spalding interpretó, una vez más, “What A Wonderful World” y la débil presentación del Cirque du Soleil).  Todo fue pobre, previsible y de dudoso gusto.

Meryl Streep

Las cosas mejoraron un poco en los últimos cuatro premios. Meryl Streep, luego de una sobreactuada sorpresa al ganar (merecidamente) como “Mejor Actríz” por “Iron Lady” , dió un conmovedor agradecimento.

Dentro de lo bueno de la noche nos quedan como buenos recuerdos los premios al magnífico film de Martin Scorsese,  “Hugo” y a todo el  grupo artístico que hizo que “The Artist” se convirtiera en una realidad (la primera película muda en ganar un Oscar desde 1929!); una prueba fehaciente de que lo que hace falta en el mundo del cine es simplemente  ingenio, clase, creatividad y por sobre todas las cosas,  respeto por el público.  No es casual que su productor, Thomas Langmann,  francés, agradeciera (como hiciera también el director español Fernado Trueba en 1993) tres veces a Billy Wilder. El cine Americano nos hizo soñar y desear filmar películas. Qué fue lo le ocurrió a Hollywood en todos estos años…?

Thomas Langmann

Hollywood ya no sabe cómo disimular la falta de ingenio y buen gusto. Pero la ceremonia de Premios de la Academia es y siempre ha sido un gran aparato de Relaciones Públicas, Marketing y Promoción de los Estudios. Que Hollywood no pueda ni siquiera mentir creatividad al mundo a través de este aparato de propaganda es realmente preocupante y ya tiene un dejo de verguenza. La fábrica de sueños está insomme.

Ganadores del Oscar 2012:

Mejor Fotografía: Hugo
Mejor Dirección de Arte: Hugo
Mejor Vestuario: El Artista
Mejor Maquillaje: La Dama de Hierro
Mejor Película Extranjera: A Separation (Irán)
Mejor Actriz de Reparto: Octavia Spencer (Historias cruzadas)
Mejor Edición: La chica del Dragón Tatuado
Mejor Sonido: Hugo
Mejor Edición de Sonido: Hugo
Mejor Documental: Undefeated
Mejor Película Animada: Rango
Mejores Efectos Visuales: Hugo
Mejor Banda Sonora: El Artista
Mejor Canción Original: Man or Muppet (Los Muppets)
Mejor Actor de Reparto: Christopher Plummer (Beginners)
Mejor Guión Adaptado: Los Descendientes
Mejor Guión Original: Medianoche en París
Mejor Cortometraje: The Shore
Mejor Corto Documental: Saving Face
Mejor Corto Animado: The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore
Mejor Director: Michel Hazanavicius, por El Artista
Mejor Actor: Jean Dujardin, por El Artista
Mejor Actriz: Meryl Streep, por La Dama de Hierro
Mejor película: El Artista
 

Premios por Película:

Hugo: 5
El Artista: 5
La dama de hierro: 2
Los descendientes: 1
Medianoche en París: 1
Los Muppets: 1
Beginners: 1
 La chica del dragón tatuado: 1
Historias cruzadas: 1
Rango: 1